Addie Tapp und Boston Ballet in 'Giselle'. Foto von Rosalie O'Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
19. September 2019.
Die Vorhänge gingen bei der Uraufführung von auf Giselle am 28. Juni 1841 im Pariser Opernballett. Diejenigen, die tanzten oder anwesend waren, wussten vielleicht, dass das Ballett etwas Großes sein könnte, aber sie hätten nicht wissen können, dass es im Laufe der Jahrhunderte so leuchten würde, wie es ist - möglicherweise der Inbegriff des romantischen Werks im Ballettkanon. Wenn Tanzliebhaber an romantisches Ballett denken, denken sie wohl Giselle .
Das Boston Ballet eröffnete seine Saison 2019-2020 mit dem Klassiker. Die Choreografie war nach Jean Coralli, Jules Perrot und Marius Petipa, und die Arbeit wurde von Larissa Ponomarenko angepasst. Die Ästhetik und der Tanz würdigten die Wahrheit des klassischen Ursprungs des Werks, während sie durch Aspekte der Technik und Ästhetik eine moderne Sensibilität hervorriefen.
Die anfängliche Ouvertüre (von Adolphe Adam unter der Leitung von Mischa Santora) hatte ein leichtes und luftiges Element, aber auch eine plunkige Harmonielinie, die geerdet war. Der Vorhang erhob sich an einem Set (entworfen von Peter Farmer) eines klassischen Dorfes, das in Erdtönen und einem Hauch spartanisch gefärbt war, aber auch Details enthielt, die Realismus schufen. Die Dorfbewohner gingen umher, und Giselle (Viktorina Kapitonova) erhob sich von einem Sitzplatz, um auch beim Anblick eines jungen Herrn in einem roten Umhang zu huschen - Graf Albrecht, der als Bauer Loys (Patrick Yocum) verkleidet war.
Boston Ballet in 'Giselle'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Sherry Zunker
Giselle spielte zunächst schüchtern, unterwarf sich dann aber seiner Schwerkraft. Sie tanzten mit und für einander - respektvoll und höflich. Kapitonova tanzte mit einer wirklich ruhigen Qualität und friedlichen Leichtigkeit und Yocum mit einer angenehm zurückhaltenden Art und Weise, die die Bewegung für sich selbst sprechen ließ. Es gab ein kleines Element der Verfolgung, Albrecht folgte Giselles Jeté-Sprüngen im Kreis um die Bühne. Das Drama, das als Hilarion (Paul Craig), ein ebenfalls in Giselle verliebter Dorfwächter, aufgebaut wurde, trat ein. So begann ein Liebesdreieck, das die tragische Handlung des Balletts bestimmen sollte. Craig bewegte sich mit einer Stärke und Durchsetzungskraft, die seinem Charakter das Gefühl gab, sehr real und überzeugend zu sein.
Die Stimmung wurde heller, als Giselles Freunde eintraten und freudig tanzten. Technisch gesehen wurde die Bewegung so vereinfacht, dass mir klar war, wie sich die Balletttechnik im Laufe der Jahrhunderte entwickelt hat. Das Boston Ballet Corps tanzte es jedoch mit Überzeugung und Zielstrebigkeit, und die Gruppenformationen waren optisch recht angenehm, so dass ich sehr zufrieden war. In einer denkwürdigen Reihe von Formationen bewegten sich die Linien in einem Kreis zum Walzer - und schlangen Albrecht (immer noch als Loys verkleidet) in die Gruppe junger Frauen ein. Momente wie diese begannen, soziale Dynamik und angenehmen Humor aufzubauen.
Die Stimmung wechselte von freudig zu mysteriös, oft abhängig von den Handlungen derer im Liebesdreieck - Albrecht, Hilarion und Giselle. Andere Charaktere waren Adel und Giselles Mutter Berthe (Gastkünstlerin Elizabeth Olds), die dazu beitrugen, ein authentisches Gefühl einer Dorfgemeinschaft aufzubauen. Wie das Set hatten auch die Kostüme (ebenfalls von Farmer entworfen) genug Details, um sich realistisch zu fühlen, aber ohne überflüssige Auffälligkeit kann weniger mehr sein, zeigten sie.
Eine wichtige Tanzsequenz war der Bauern-Pas de Deux, der von Ji Young Chae und Tigran Mkrtchyan getanzt wurde. Die Bewegungsqualität und die Choreografie vermischten auf wundervolle Weise Bodenhaftung und Aufbrausen. Chae tanzte mit einem weichen, aber klaren Ende ihrer Bewegung und Mkrtchyan mit einer Leichtigkeit und Beweglichkeit in schnellen Bewegungen wie ein schwebender Schmetterling. Giselles Freunde kehrten freudig zum Tanzen zurück und unterstützten das feierliche Gefühl. Sie tanzten schnelle, weiche und leichte Petit-Allegroin-Linien und zerstreuten sich dann, um sich unter ihr Publikum, die Dorfbewohner, zu mischen. Elegante Einfachheit zeichnete alles aus.
Diese freudige Atmosphäre würde jedoch nicht anhalten, wenn Giselle Loys 'wahre Identität entdeckt. Sie bewegte sich wie von einem Wahnsinnszauber über die Bühne, ihre frühere Anmut war verschwunden - stolperte, fiel zur Seite, krampfte sich zusammen und fiel zu Boden. Sie trug ein Schwert, mit dem sie davon abgehalten werden musste, sich das Leben zu nehmen. Ihr erschöpfter Körper und ihr gebrochenes Herz gaben schließlich nach und sie fiel in den Tod. Der Vorhang fiel und Akt I war abgeschlossen.
Akt II fand in einem nebligen Wald statt, der Heimat der Willis - Geister verratener Frauen. Unter der Führung ihrer Königin Myrtha (Dawn Atkins) zwangen sie jeden Mann, der von Mitternacht bis sechs Uhr morgens in ihre Domäne eintrat, in den Tod zu tanzen. Auch in diesem Akt wurde das Farmer-Set mit genau der richtigen Menge an überzeugenden Details reduziert. Die Beleuchtung (entworfen von Brandon Stirling Baker) erzeugte einen jenseitigen, mysteriösen Sinn. Albrecht ging durch, schien zu suchen und sah Giselle, bevor sie als Willi initiiert werden sollte. Sie hatte eine weiche, aber entscheidende Qualität in ihrer Bewegung und umkreiste die Bühne mit kleinen Sprüngen.
Albrecht ging und Hilarion trat bald ein. Die Willis waren bereit, ihn in den Tod tanzen zu lassen! Wie im ersten Akt war das Vokabular für Inszenierung und Bewegung einfach, aber irgendwie auch faszinierend und einzigartig. Die Kreise von Willis standen im Mittelpunkt in schrägen oder geraden Linien zur Seite und ebneten den Weg für Duette und Soli (von den Hauptakteuren von Myrtha, Giselle und Hilarion, die ebenfalls eintreten würden).
Boston Ballet in 'Giselle'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Die kreisförmigen Arme über dem Kopf, fünfter en haut, gingen aus der Mitte und kreuzten die Handgelenke, als sich der Wilis en pointe drehte. Dieses Bewegungsmotiv war visuell befriedigend und brachte ein Gefühl für das Jenseitige, Tragische, Geisterhafte. Das Blau der Beleuchtung, der durchströmende Nebel und die Schatten stacheliger Äste und Äste, die durch sie strömten, trugen zu diesem ätherischen Gefühl bei. Momente der Aufrechterhaltung der Bewegung, wie Willis, der Arabesken hielt, ließen das Licht treffen und die Schatten so fallen, dass dieses gespenstische Gefühl umso deutlicher wurde. Es war alles wahre klassische Einfachheit.
Die Partnerarbeit, obwohl mit dieser klassischen Direktheit, hatte in einem denkwürdigen Moment Spritzer von Originellem und Modernem. Albrecht drehte Giselle, während sie ihren Körper horizontal hielt, zum Beispiel Arme in diesem fünften en haut. Yocum brachte immer noch diese effektiv untertriebene Klarheit, und Kapitonova brachte immer noch diese gemächliche Qualität - die sich in diesem Akt noch geschickter als charaktergetreu anfühlte. Das Drama baute sich auf und ihre Charaktere blieben dabei treu.
Die Willis näherten sich, tanzten schneller und frenetischer - sie kreuzten Linien im Mittelpunkt und bildeten zum Beispiel an einem Punkt neue Formationen - die Action war gleichzeitig dynamisch.
Albrecht war fast tödlich erschöpft von den Willis, die ihn stundenlang tanzen ließen. Giselle half ihm aufzustehen. Die Nachtkreaturen tanzten hinter den beiden, knieten und ihre Oberkörper und Arme bewegten sich vorwärts und rückwärts - vereint und klar. Als die Sonne aufging und die Wilis ihre Macht verloren, wurde Giselle aus ihrem Griff befreit, weil ihre Liebe den Tod überstieg. Albrecht wurde im Rampenlicht gelassen, um über alles nachzudenken, was sich gerade abspielte. Ein Mann allein in Gedanken - ein einfaches, klassisches Ereignis. Ein Inbegriff des romantischen Balletts wie Giselle , präsentiert mit dem Einfallsreichtum und der allgemeinen Exzellenz eines Unternehmens wie Boston Ballet, kann uns an den Wert einer solchen klassischen Einfachheit erinnern.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
Pete Hegseth Ehering
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