Paulo Arrais und Lia Cirio vom Boston Ballet in Jorma Elos 'Bach Cello Suites'. Foto von Rosalie O'Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet. 25. Februar - 7. März.
Durch bostonballet.org/bbatyourhome .
Tanz existiert nicht im luftleeren Raum, offensichtlich ist das, was vorher kam, entweder eine Grundlage oder etwas, von dem man abweichen kann. Die Stimme eines Choreografen entwickelt sich im Laufe der Zeit, dennoch können bestimmte Interessen und Neigungen bestehen bleiben. Sowohl im Werk eines bestimmten Choreografen als auch in der Entwicklung des Tanzes im weiteren Sinne kann es interessant und informativ sein, ältere Werke anzusehen und sie mit neueren Werken ins Gespräch zu bringen.
In diesem COVID-Zeitalter tun dies viele Unternehmen aus praktischen Gründen und aus Gründen der Notwendigkeit, indem sie neue Werke, die auf für diese Zeit sichere Weise gedreht wurden, und Archivierungsarbeiten in virtuellen Programmen kombinieren. Jorma Elo feiern, innerhalb Boston BBets 'BB @ yourhome' Programm, tat genau das - Ehrung des 15-jährigen Boston Ballet Resident Choreographer durch Arbeiten, die sicher im Studio gedreht wurden, und ältere Werke, die auf der großen Bühne des Boston Opera House aufgeführt wurden. Beide Arten von Arbeiten machten die Einzigartigkeit von Elos Vision, Stimme und dem daraus resultierenden Werk im Laufe der Jahre deutlich.
Whitney Jensen, Bo Busby und Jeffrey Cirio in Jorma Elos 'Plan to B'. Foto von Gene Shiavone, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Teil I mit Plan 2 B. , eröffnet mit einem Tänzer, dem bald ein anderer beitritt. Sie bewegten sich mit einer Frenetik, die jedoch auf Gewissheit beruhte. Die Gesamtästhetik war unkompliziert: Kostüme in einfachen Schnitten und Volltonfarben, eine an Mitternacht erinnernde Beleuchtung und eine Glasscheibe, die scheinbar von hinten mit einem gelb-orangen Farbton beleuchtet wurde (Kostüm- und Lichtdesign ebenfalls von Elo). Masken signalisierten, dass die Arbeit in COVID-Zeiten erstellt wurde, da auch eine Öffnung für das Programm klargestellt worden war.
Kratzspuren
Die Tänzer wechselten nahtlos zwischen Bewegungen, die gestisch und unkonventionell waren, und Bewegungen, die eher technisch und traditionell waren. Ji Young Chae landete in einem tiefen Ausfallschritt und kreiste dann schnell wie Propellerblätter um ihre Arme und stieg dann sanft zu einer Pirouettenkurve auf. Das stimmte mit der Qualität der Instrumentalmusik überein, mit einer schnellen und feurigen Kühnheit, aber auch einer klassischen Raffinesse.
Die beiden Tänzer haben sich zusammengetan, aber auf eine Weise, bei der ihre Gesichter nicht geschlossen waren. Wenn sie nicht in einem Aufzug waren, schwenkten sie auf wundervolle krummlinige Weise in den negativen Raum des anderen hinein und aus ihm heraus. Auf einer metaphorischen Ebene kann dieser Mangel an physischem Raum heutzutage die Zuschauer treffen. Auf praktischer Ebene waren diese choreografischen Entscheidungen eine Möglichkeit für die Tänzer, Energie in unmittelbarer Nähe zu teilen, wobei das Risiko einer Schädigung für beide geringer war.
Diese ausweichenden Winkel blieben ein offensichtlicher Teil der Bewegung, als mehr Tänzer in die Gruppe eintraten und von zwei auf eins wuchsen (mit einem schnellen und einprägsamen Solo von John Lam ) bis sechs. Eine weitere Schicht von visuellem und energetischem Interesse war die Art und Weise, wie Tänzer diese krummlinigen Formen aus Formationen ausführten - wie beispielsweise einer flachen Diagonale, in der Tänzer für einen Moment posierten, wenig Platz hatten und die Arme in einer flügelartigen Form zur Seite gehalten wurden. Interessant waren auch das Tempo und die klanglichen Veränderungen in der Musik und wie die Bewegung sie ausspielte - manchmal entsprechend verschoben, manchmal in Spannung mit ihnen fortschreitend.
Die Energie erreichte gegen Ende ihren Höhepunkt, die Tänzer bewegten sich zügig durch krummlinigere Formen und fanden im Raum schnelle Interaktionen miteinander. Die Musik endete stakkato und die Tänzer machten eine letzte Pose, die Kontinuität zu vermitteln schien, indem sie sich von dort aus vorwärts bewegten - zwei Tänzer, die in einer gestürzten Position zur Seite blickten und hinter ihnen, Tänzer, die mit ihren Füßen zusammen standen und geradeaus schauten . Die Lichter gingen nach unten. Ich wäre gespannt, welchen Effekt die unterschiedliche Auswahl an Tänzern haben könnte, die sich weiter bewegen, wenn die Lichter ausgehen. So wie es war, war das Ende zufriedenstellend.
Alexander Meier
Teil II, Bach Cellosuiten , auch geschickt genutzten negativen Raum. Die Tänzer (Paulo Arrais und Lia Cirio ) würde sich nur kurz umarmen - Arme in Umarmungsform ausgestreckt und weggebürstet, blickt zur Seite, wobei die Arme seitlich ausgestreckt bleiben. Unabhängig davon, ob es sich um einen Kommentar zum Mangel an physischem Kontakt in dieser Zeit handelte oder nicht, war es ein überzeugendes Bewegungsvokabular für sich.
Zusammen mit dem Sehnsuchtston der Musik entstand ein Gefühl der Traurigkeit und des Verlustes, das für mich als Zuschauer tief in Resonanz stand. Für mich war es auch eine Resonanz, wie ich Arrais und Cirios beschleunigtes, vertieftes Atmen durch ihre Masken sehen konnte - saugen und dehnen sich in einem gleichmäßigen Rhythmus aus. Es hat mich beeindruckt, wie Tänzer wie sie derzeit vor enormen physischen und mentalen Herausforderungen stehen und sich diesen Herausforderungen voll und ganz stellen.
Teil III, Geschichte einer Erinnerung sprach zu einigen der gleichen Themen, von Verlust und Sehnsucht, in a theatralisch und technologisch versierter Weg. Zwischen ihren Tänzen, meist im Raum getrennt, lagen Bilder der Tänzer, die lachten und lächelten. Sie setzten sich auf einem riesigen schwarzen Block gegen verschiedene Seiten und sprachen poetische Linien - etwas mehrdeutig, aber scheinbar über einander, da sie auch saßen und in die Richtung des anderen sprachen (wie man versuchen könnte, mit jemandem auf der anderen Seite eines Dünnen zu sprechen Wand).
Teil IV enthielt Auszüge aus verschiedenen Elo-Werken im Laufe der Jahre. Jeder Auszug gab einen Vorgeschmack auf bestimmte bemerkenswerte Elo-Werke - alle einzigartig in Ästhetik und Konzept, aber mit dem roten Faden eines charakteristischen Elo-Bewegungsstils: dynamisch, voller Energie und reflektierend verschiedener Bewegungseinflüsse (sowohl technisch als auch fußgängerisch), die auf einem Klassiker beruhen Base.
C. bis C. (in der Nähe von Chuck) Wiedergeboren hatte eine nervöse, geheimnisvoll albtraumhafte Atmosphäre. Scharfe (er) Seite der Dunkelheit brachte etwas Reduziertes und Elegantes, fast Balanchinisch in der Ästhetik, aber sehr Elo in der Bewegungsqualität. Die Elo-Erfahrung brachte eine mysteriöse Eleganz. Hell und Dunkel waren während der gesamten Arbeit auf unterschiedliche Weise unter Spannung. Theatralik und große Formationen bauten eine Energie auf, die dieses Gefühl unterstützte.
Boston Ballet in Jorma Elos 'Creatures of Egmont'. Foto von Liza Voll, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Kreaturen von Egmont war ein bisschen heller und heller, Blues und Purpur unterstützten Bewegungen, die etwas weniger stakkato waren als die vieler anderer Elo-Stücke. Diese charakteristische Dynamik erfüllte jedoch die Luft. Von Kostümen über Formationen bis hin zur Bühnenpräsenz der Tänzer Fünfte Symphonie von Jean Sibelius hatte das Aussehen und die Haptik eines pastoralen Balletts, das für die 21 überarbeitet wurdestJahrhundert.
Es war auch herzerwärmend, ein bisschen Geschichte des Boston Ballet zu sehen, zum Beispiel durch Auftritte der ehemaligen Firmenmitglieder James Whiteside (jetzt im American Ballet Theatre) und Kathleen Breen Combes (jetzt Direktorin des Festival Ballet Providence) . Vor diesen Auszügen waren auch einige schöne Fotostills zu sehen Carmen , erst letztes Jahr (Anfang 2020) vorgestellt - eine deutliche Erinnerung daran, wie die Dinge kurz vor COVID waren und wie sehr sie sich darin verändert haben.
In diesem Programm wurden sowohl neuere, COVID-sichere als auch ältere Werke vorgestellt, die vorgestellt wurden, bevor COVID sich bittersüß anfühlte. Es war ermutigend zu sehen, dass in dieser Zeit noch Werke geschaffen und gefilmt wurden, während ältere Werke daran erinnerten, was vorher möglich war - das, was wir haben könnten manchmal als selbstverständlich angesehen. Beide Arten von Werken machten jedoch die einzigartige kreative Stimme von Elo und die wegweisende Kunst des Boston Ballet jetzt und in der Vergangenheit deutlich. Die Welt ist in ständigem, völlig unvorhersehbarem Wandel, aber Kreativität und Kunst bleiben bestehen.
nina easton alter
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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