Kimberly Marie Olivier und Sean Bennett in Yuri Possokhovs 'Swimmer'. Foto von Erik Tomasson. 4. bis 24. März 2021.
Zugänglich durch www.sfballet.org/sf-ballet-home .
Fast alle Tanzkünstler haben die Erfahrung eines Tanzes Ja wirklich Werden zu dem, was es in der „Tech Week“ ist - wenn Lichter, Projektionen, Kostüme und Musik, die durch einen Aufführungsraum schwingen, eine Arbeit zum Leben erwecken. Farb- und Formentscheidungen können die Bedeutung und die Erfahrung beim Betrachten eines Werks verbessern oder Ablenkung und Verwirrung stiften. Eine Ästhetik einer Tanzarbeit kann eine Atmosphäre schaffen, die die Zuschauer anzieht, oder eine, die einfach nicht übereinstimmt. San Francisco Ballett Das Digital Program 03 hat in seinem virtuellen SF Ballet @ Home-Programm gezeigt, wie wichtig und wichtig es ist, eine klare Ästhetik und Atmosphäre zu schaffen. Auf dem Programm standen zwei Pre-COVID-Performances, die im Kriegsdenkmal-Opernhaus in San Francisco und eine Filmpremiere.
Alexei Ratmanskys Sinfonie Nr. 9 , das San Francisco Ballet zum ersten Mal im April 2014 tanzte, eröffnete das Programm. Virtuosität und Dynamik erfüllten die Luft von der ersten Note und dem ersten Schritt an. Eine robuste Instrumentalpartitur (von Dmitri Schostakowitsch) trieb schnelle kleine Sprünge, Verlängerungen und Wendungen an. Es war alles ziemlich neoklassisch, aber für jazzige gestische Schnörkel - ein Symbol für eine „post-postmoderne“ Offenheit für Inspiration aus anderen Tanzformen. Die Kulisse aus verblassendem Blau (von George Tsypin) und samtigen Kostümen in Schattierungen, die scheinbar von den Farben eines Waldes (von Keso Dekker) inspiriert waren, knüpfte an eine moderne Umhüllung der Gegenwart der neoklassizistischen Bewegung an. Im balanchianischen Sinne war trotz der Entstehung der sozialen Dynamik keine Erzählung im Spiel, außer der Vereinigung von Musik und Bewegung.
San Francisco Ballet in Alexei Ratmanskys 'Symphony # 9'. Foto von Erik Tomasson.
Eine drastische Änderung des Tempos zu etwas viel Adagio und Mysteriösem brachte eine Bewegung, die eher geerdet, explorativ als ausgelassen war. Ein Pas de Deux in diesem Abschnitt hatte komplexe Aufzüge, aber auch Momente des einfachen Wenden mit einem klaren Port de Bras und einer gewichtigen Pause. Korpsmitglieder stürzten sich durch die Flügel, Port de Bras erinnerte sich an das Schwimmen durch die Luft - das sie in Passés verwandelten, bevor ihre Partner sich ihnen zum Heben anschlossen.
Wie die einfache Wendung und der Port de Bras des vorhergehenden Pas de Deux war es ein klares Motiv - eines, das ein Gefühl von Kontinuität und Zirkularität aufbaute. Möglicherweise gab es an sich keine „Erzählung“, aber die Zuschauer konnten sich mit einem Gefühl identifizieren, mit scheinbarer Ruhe und Gelassenheit durchzukommen - und dennoch wieder am selben Ort zu bleiben, während ein Hauch von etwas, das nicht ganz richtig war, verweilte. Unsere Vorstellungen könnten innerhalb dieser Strukturen unsere eigenen Erzählungen schaffen. Das kann der lustige und bedeutungsvolle Teil sein.
Tom kleine Scheidung
Auf halbem Weg wurden die Lichter gedimmt und zwei Tänzer (eine Ballerina und ein Tänzer) schmolzen langsam zu Boden, bis sie auf dem Rücken lagen. Ein Hintergrund von Silhouetten von Menschen mit roten Fahnen war sichtbar, als die Lichter wieder aufleuchteten. Ich habe diese kreative Wahl nicht vollständig verstanden und die offenen Möglichkeiten des verblassten blauen Hintergrunds vorgezogen, der zuvor in dem Stück zu sehen war.
Da die Personen in den Zeichnungen dem Modell „respektabler, wohlhabender“ Menschen in der Gesellschaft zu entsprechen schienen, war es vielleicht ein Kommentar zur Konformität und zu einem Ihnen vorgeschriebenen Leben. Das Gefühl, wieder an den gleichen Ort zurückzukehren, würde diesem Thema entsprechen. Es kann unseren Vorstellungen auch Spaß machen, Möglichkeiten innerhalb kreativer Entscheidungen zu vermuten, die wir nicht ganz verstehen! Trotzdem blieb die Bewegung sprudelnd und aufregend, mit exzellenten Auftritten der erstklassigen Künstler des San Francisco Ballet.
Die Energie stieg gegen Ende an und brachte Motive mit einem schnelleren Tempo zurück, während gleichzeitig neue Zutaten in die Mischung aufgenommen wurden. Als die Lichter ausfielen, sprang das Korps von der Bühne und ein einziger Tänzer blieb im Mittelpunkt (Wei Wang) - sprang hoch und drehte sich schnell. Als sehr faszinierende Wahl schien dies den Fokus wieder auf die individuelle Erfahrung zu richten. Dieses Ende könnte als Behauptung interpretiert werden, dass es darauf ankommt - wie wir alle die Welt individuell erleben. Ohne tiefere Analysen war alles erfreulich zu erleben.
San Francisco Ballett in 'Wooden Dimes'. Foto mit freundlicher Genehmigung von San Francisco Ballet.
Holz Groschen war das Programm Filmweltpremiere . Christopher Dennis war ausführender Produzent, Lindsay Gauthier als Herausgeber und Heath Orchard als Kameramann.
Die Besetzung zu einem bestimmten Zeitpunkt schien nicht sehr groß zu sein, daher ist es denkbar, dass die Tänzer entlarvt in „Pods“ gefilmt haben (wie es Film und Fernsehen seit mehreren Monaten tun). Die Eröffnung mit Showgirls in ihrer Umkleidekabine war klar und überzeugend Atmosphäre der 1920er Jahre . Aufregung und Kameradschaft erfüllten die Luft. Ein Mann trat ein (Luke Ingham) und führte mit einer der Ballerinas (Sarah Van Patten), die zu einer zentralen Figur wurde, zu einem leidenschaftlichen, anmutigen Pas de Deux.
Die Bewegung war größtenteils klassisch, aber jazzige Beugungen huldigten dem jeweiligen Kontext. Die nächste Szene zeigte Inghams Charakter, der scheinbar am Werk war und mit seinem Körper hämmerte und ausrief. Männer in Buchhalterschildern kreisten um ihn herum, als würden sie sein Gebot abgeben - oder forderten sie Dinge von ihm? Von dort aus wechselten die Showgirls die Perspektive und traten freudig auf. Van Pattens Charakter unterschied sich durch schwarze Streifen auf ihrem weißen Kleid, während alle anderen Tänzer ganz weiß trugen (Kostümdesign von Emma Kingsbury). Alle Szenen schienen auf der Bühne eines großen Theaters gedreht worden zu sein, die Linien zwischen Marley-Stücken waren sichtbar. Diese Wahl brachte ein spartanisches Gefühl mit sich, das die gesamte Arbeit unterstützte (Design der szenischen Eigenschaften von Alexander V. Nichols, Lichtdesign von Jim French und Matthew Stoupe).
Van Pattens Charakter tanzte mit einem mysteriösen Paar (Madison Keesler und Nathaniel Ramirez). Es folgte ein Pas de Deux von Tänzern in Rot und Schwarz, wobei die Beleuchtung geringer und die Partitur niedriger und schärfer wurde. Dieses Paar schien den ersten Mann, den wir trafen, den ersten, mit dem unsere Hauptfigur getanzt hatte, mit etwas Unheimlichem in Versuchung zu führen. Sie zerrten an ihm und manipulierten seinen Körper. Die Grenzen zwischen Vorstellungskraft und Realität schienen völlig verschwommen zu sein. Eine zusammenhängende Ästhetik, gepaart mit cleverer Choreografie, machte diese Erzählung klar und gleichzeitig flexibel für Interpretationen. Unsere Heldin tanzte als nächstes wieder, ihr Kleid diesmal mit farbigen Streifen. Sie wirkte fröhlich, wenn auch nachdenklich. Etwas hatte sich verändert!
Sie tanzte mit Atem und Ausdehnung, eine Arabeske, die nur einen halben Atemzug länger hielt und das Potenzial hatte, zu begeistern und zu beleben. Wieder trug Inghams Charakter ein Kleid mit vielen Mustern (das sich in eine Art Übergang zu verwandeln schien) und kehrte zurück. Sie verflochten sich, teilten das Gewicht - war das Erlösung? Sie tanzten wieder mit Leidenschaft und Anmut zusammen, genau wie zuvor, aber eine neue Resonanz erfüllte die Luft zwischen ihnen. Herausforderungen an die Bindungen zwischen uns können diesen Bindungen neue Schwingungen verleihen, ob gut oder schlecht.
Gegen Ende verstummte alles und alles, was hörbar war, war das Geräusch des Atems der Heldin. Die Lichter gingen langsam aus. Viele Enden von Tanzwerken fühlen sich gehetzt, ohne dass das emotionale Gewicht dessen, was gerade passiert ist, Zeit zum Verweilen hat. Nicht so bei diesem Ende. In Übereinstimmung mit dem alten Filmgefühl blitzte „The End“ über den Bildschirm. Dieser Rückstand blieb in mir, zusammen mit vielen Fragen - mit Kunst, die oft bedeutungsvoller ist als Antworten zu haben.
Joseph Walsh in Yuri Possokhovs 'Schwimmer'. Foto von Erik Tomasson.
Schwimmer , die im April 2015 auf der Bühne der War Memorial Opera uraufgeführt wurde, war eine visuelle Erkundung mit Busby Berkeley-esque surrealistische Bilder. Yuri Possokhov choreografierte die Arbeit. Das szenische Design stammt von Alexander V. Nichols und das Videodesign von Kate Duhamel. Vom 9-5 Arbeitstag bis zur Erholung am Pool vermittelte die Bewegung das Nachdenken über das Büro, das freie Schwimmen und das Flirten am Pool.
Bewegte Projektionen wirbelten durch die Tänzer hindurch - etwas, das im zeitgenössischen Tanz weitaus häufiger zu sehen ist als im Ballett. Es war eine befriedigende visuelle Süßigkeit, aber eine Süßigkeit mit einem unerwarteten Geschmack, den man nicht ganz einordnen kann. 'The Swimmer' (Joseph Walsh) verkörperte unterdessen die freie Bewegung durch Wasser und Luft. Er hatte einen schönen Ballon und Musikalität und reichte mit Energie weit über seine Extremitäten hinaus, aber auch mit einem klaren und kraftvollen Energiezentrum.
Über ihn hinaus belebte das Gedeihen zur Charakterisierung und zur Vermittlung spezifischer Handlungen im Körper eine klare und solide klassische Bewegungsbasis. Eine Pas de Deux-Sektion, die anscheinend im Zusammenhang mit einem Treffen zu einem Drink an einer Bar stand, fühlte sich strukturell etwas fehl am Platz an, war jedoch wunderschön choreografiert und getanzt. Spannung und Leidenschaft wurden durch Push / Pull-Dynamik und Bewegungsausdehnung deutlich.
Ein späterer Abschnitt der Arbeit mit einem großen Korps von Tänzerinnen hatte mehrere Bedeutungsmöglichkeiten - die Turbulenzen des Älterwerdens, ein Sturm (innerhalb des größeren nautischen Themas, das in der Arbeit zur Hand ist) oder etwas anderes? Was auch immer die Bedeutung war, sportliche Lifte und kraftvolle Sprünge waren berauschend. 'The Swimmer' hielt seine Arme wie zitternd vor die Brust - doch bald genug tanzte er wieder groß und mutig. Atemberaubende Lichteffekte ließen ihn so aussehen, als würde er tief schwimmen und Projektionen eines Mannes gegenüberstellen, der inmitten heftiger Wellen schwimmt.
Der Vorhang fiel, als das weiterging - sicherlich ein offenes Ende! Man könnte sich verschiedene Möglichkeiten vorstellen, was als nächstes passieren könnte, aber was sich bei dieser Arbeit bedeutungsvoller anfühlte, war die visuelle Möglichkeit und die bloße Kraft im menschlichen Körper. Während sich Aspekte der Arbeit unklar anfühlten, war das, was sie lieferte, eine reine Augenweide und ein narratives Potenzial für das Gehirn, an dem sie kauen konnte. Manchmal kann kühnes Experimentieren zu Lasten der Klarheit im Kunsthandwerk gehen. Kunst kann ohne dieses kühne Experimentieren nicht vorankommen, so sei es, sagt dieser Rezensent. Brava nach San Francisco Ballet, um Risiken einzugehen und das Publikum daran zu erinnern, wie viel kreative Möglichkeiten es gibt - globale Pandemie oder nicht.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
