Das Sanctuary Theatre, Cambridge, MA.
29. Oktober 2016.
Mit der Reife und Raffinesse kommt das Wissen, dass weniger mehr sein kann. Understatement kann mehr sagen als Overstatement. In Bezug auf Kunst ermöglicht das Implizieren und nicht das Erzählen dem Publikum, über ihre eigenen Interpretationen eines Werks nachzudenken. Wir befinden uns in einer Zeit, in der Social Media und Fernsehtanz Künstler haben, die die breite Öffentlichkeit mit sportlichen Leistungen begeistern und mit dramatischen Geschichten an den Herzen ziehen. Das Programm des Jose Mateo Ballet Theatre in Massachusetts Antriebskräfte Auf der anderen Seite zeigte sich die Kontrolle über den Blitz und das Geheimnis über die offensichtliche Angst.
Das erste Stück, Mozart provoziert begann mit sehr klassischer Technik, Inszenierung und Performance-Qualitäten. Bestimmte Abschnitte könnten während der Arbeit im Zentrum aus einer Ballettklasse transplantiert worden sein. Ein Bühnenbild, das sehr geometrisch war - faszinierend, aber klar und einfach -, signalisierte eine Abkehr vom Klassizismus. Diese kamen mit jazzigem Flair in der Choreografie und unerwarteten Gruppenformationen. In den ersten Trios und Quartetten waren Tänzerinnen technisch einwandfrei. Ihre Erweiterungen waren nicht himmelhoch, sondern kontrolliert und sauber. Unison-Teile hätten jedoch unisono sein können.
Bei rein männlichen Sektionen war diese Übereinstimmung vorhanden, aber haben die Tänzer vielleicht Macht und persönliche Unterschrift in ihrer Bewegung geopfert, um dies zu erreichen? Selbst mit einem der beiden kleinen Mängel war das Tanzen wunderschön anzusehen. Es schien einen Untertext emotionaler Verbindungen und Bindungen zwischen den Zeilen zu unterstützen. Ein Mann-Frau-Paar erkundete die Möglichkeiten der Romantik, und eine Tänzerin löste sich aus dem Rudel, um ihre Sachen zu stolzieren.
Unerwartete Elemente der Fußgängerbewegung (häufiger im zeitgenössischen Tanz zu sehen), wie z. B. das Gehen von Ferse zu Fuß, sprachen für einen Verstoß gegen die Konvention. War dies ein Blick in den mentalen Dialog der Tänzer während des Technikunterrichts? Solche Interpretationen zuzulassen, ließ das Offensichtliche zu und hielt die Dinge zurückhaltend.
Die Tänzer zeigten im zweiten Stück mehr Persönlichkeit und Charakter, 1796 (2015) . (Die Musik wurde 2015 aus einer Mozart-Komposition von 1796 adaptiert.) Obwohl etwas klarer, wurde die zugrunde liegende Geschichte immer noch nicht diktiert. Faszinierende Formationen, wie zwei Tänzerinnen zusammen auf der Bühne und ein Tänzer, jeweils rechts unten und links oben, erzeugten räumliche Spannungen. Es sprach für Verschiebungen in den Beziehungen zwischen ihnen. Sie tanzten mit Kontrolle und Anmut und mussten nicht undenkbar viele Runden drehen, um diese Dinge zu vermitteln. Tatsächlich hätte ein solcher Blitz nur eine Ablenkung sein können.
Die Kostümierung hatte auch diese effektiv diskrete Qualität. Tänzerinnen waren zum Beispiel in verschiedenen Rosa- / Lila-Tönen (Magenta bis Himbeere). Das festigte sie als Individuen, die Teil eines Kollektivs waren. Ihre einzigartigen Bewegungssignaturen unterstützten die ersteren - eine mit einem sehr stolzen Brustwagen und eine mit einer einzigartigen Energie in der Beinarbeit.
Die verschiedenen Farben trugen auch dazu bei, sie als bestimmte Zeichen zu unterscheiden - hilfreich, wenn ein Liebesdreieck wuchs. Nachfolgende Pas de Deux stellten fest, dass die Frau in der Beziehung nach Untreue (oder zumindest einem gewissen Grad der Erforschung ihrer Möglichkeit) herausfand. Und war nicht erfreut. Am Ende war es jedoch der Mann, der ging. Dies war eine faszinierende neue Art, eine alte, sogar banale Geschichte zu erzählen.
Das dritte und letzte Stück, Über und über , wechselte zu einer Philip Glass Komposition. Die Musik schien den Ton für eine eher zeitgenössische Bewegung zu geben, doch ein Großteil davon war klassisch. Dies funktionierte jedoch mit einer intelligenten Mischung aus klassischem, jazzigem und zeitgenössischem Bewegungsvokabular. Eine gebeugte Handfläche nach oben durch den anderen Arm (der am Ellbogen gebogen war, und diese Hand am Herzen) wurde zum Beispiel zu einer charakteristischen Bewegung.
Tänzer führten dieselbe Bewegung zu verschiedenen Zeiten und auf ihre eigene Weise aus. Dies stützte eine Gesamtidee, dass die Tänzer in einem zusammenhängenden Kollektiv waren, aber jedes autonome Individuum. Das Stück schien eine Spannung zwischen diesen beiden Seinsarten zu speisen. Insbesondere ein zielgerichtetes, gut ausgeführtes Lob und ein Blick trugen dazu bei, diese Spannung spürbar zu halten. Smart Staging unterstützte diese Elemente. Ein auffälliger Moment war zum Beispiel, als zwei Tänzer auf einer Diagonale rückwärts ineinander gingen und dann langsam blickten und sich einander zuwandten. Es sprach Romane, weit mehr als jeder himmelhohe Sprung sprechen konnte.
Das Stück endete wie es begann, mit einem einzigen Tänzer auf der Bühne. Sie führte diese Unterschriftenbewegung bis zum Himmel aus, als würde sie in den Himmel flehen. Diese Aktion, kombiniert mit den Angeboten des Stücks insgesamt, implizierte, dass wir in der Tat in einer wunderbaren Gemeinschaft mit Mitmenschen sind - und doch allein in unserem einzigartigen Bewusstsein. Es ist eine innere Kraft, die manchmal im Konflikt mit den äußeren Kräften um uns herum steht.
Mit Understatement, Weisheit und Kreativität stellte das Jose Mateo Ballet Theatre beide Arten von Kräften als treibend dar. Wir sind gezwungen und gezwungen, einige der Antworten für uns selbst zu finden - in der Kunst und im Leben. Wir wachsen dann und wachsen die Gemeinschaften, in denen wir leben wollen.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
Foto (oben): Jose Mateos 'Impelling Forces'. Foto von Gary Sloan.
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