Von Rebecca Martin.
Sprechen Sie über das Öffnen einer Dose Würmer. Mit der Veröffentlichung von Jennifer Homans 'Buch Apollos Engel , der die Geschichte des Balletts aufzeichnet, hat eine Flut von Debatten über den Epilog ausgelöst, der am Ende des Buches enthalten ist. Darin schlägt Homans vor, dass Ballett entweder tot ist oder stirbt. Eine solche Aussage wird sicherlich eine Reaktion von Ballettliebhabern, Tänzern und Studenten gleichermaßen anregen, ob diese Antwort ein weises Nicken der Zustimmung oder eine wütende Widerlegung ist.
'Nachdem ich jahrelang versucht habe, mich von etwas anderem zu überzeugen', schreibt Frau Homans, 'bin ich mir jetzt sicher, dass das Ballett im Sterben liegt.'
Der Kern der Argumentation von Homans liegt in der Idee, dass Stücke wie die von George Balanchine Spaß Nr. 15 sind trivial geworden und haben nicht mehr die Fähigkeit, das Publikum zu bewegen. Während viele Kunstwerke den Lauf der Zeit nicht überleben, ist es bei klassischen Ballett- und modernen Ballettstücken, die jahrzehntelang Bestand haben und bis heute aufgeführt und genossen werden, nicht das Stück, das trivial geworden ist. Es ist die Auseinandersetzung des Publikums mit neueren Werken, größerer Technik und beeindruckenderer Inszenierung von Produktionen, die die Art und Weise verändert hat, wie wir ältere Werke betrachten. Der Choreograf, Tänzer, Ballettmeister und Regisseur Robert Kelly sagt: 'Zu sagen, dass Ballett im Sterben liegt, ist dasselbe wie zu sagen:' Klassische Musik ist Passe 'oder' Surrealismus ist tot '. Es ist eine Kunstform mit einem wunderbaren Erbe und einer reichen Geschichte. “ Ähnlich wie bei populären Songs oder Modestatements, die bei der Veröffentlichung ein großer Erfolg waren und jetzt eine Quelle der Lächerlichkeit sind und größtenteils vergessen werden, werden viele Ballettstücke bei der Premiere gelobt und ebenso schnell aus dem Gedächtnis gestrichen. Sie werden veraltet und banal. Nicht jede Produktion wird zum Klassiker, noch wird jede Aufführung unvergesslich.
Das australische Ballett spielt The Possibility Space von Nicolo Fonte. Foto Jeff Busby
Der künstlerische Leiter des australischen Balletts, David McAllister, glaubt, dass das Ballett lebendig und gesund ist. „Es gibt so viele Unternehmen auf der ganzen Welt, die eine Vielzahl neuer Werke schaffen, die sich mit der Balletttechnik befassen und sie auf völlig neue und innovative Weise einsetzen. Die Produktionen des Ballettkanons aus dem 19. Jahrhundert werden unter Verwendung von Technologien und Techniken des 21. Jahrhunderts aktualisiert und präsentiert, um dem heutigen Publikum neues Leben einzuhauchen. Junge Tänzer nehmen immer noch an Ballettkursen auf der ganzen Welt teil und dank einer Online-Welt aus Facebook, Blogs und Youtube wird der Tanz von einem immer größer werdenden Publikum gesehen. “
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Dank der Technologie können kleinere Projekte auf den Weg gebracht, bekannt gemacht und finanziert werden. Wo einst Ballett als Aktivität für die Oberschicht und Unterhaltung für die Elite angesehen wurde, erreichen Ballettkompanien ein jüngeres Publikum und bewegen sich mit der Zeit. Die hohen Kosten für die Besichtigung einer großen Ballettkompanie bleiben jedoch für viele Familien, Studenten und Erwachsene gleichermaßen unerreichbar.
Homans vernachlässigt es, ihre Einschätzung der Vitalität des Balletts auf die modernen Produktionen zu verweisen, die das Publikum begeistern, Tänzer herausfordern und sich für wiederholte Aufführungen einsetzen. Zugegeben, es ist noch zu früh zu sagen, ob viele dieser Stücke, wenn überhaupt, zu Klassikern werden und die Langlebigkeit der Kunstform gewährleisten. Sie lehnt zeitgenössische Werke direkt als „gymnastisches oder melodramatisches Übermaß“ ab, was darauf hindeutet, dass nur die alten Tutu-Ballette im gegenwärtigen Klima einen Platz haben. Eine solche Meinung klingt sehr nach der gleichen Kritik, die am frühen Rock'n'Roll oder an Allen Ginsbergs revolutionärem Gedicht geäußert wurde Heulen. Bahnbrechende Kunst wird immer ihre Kritiker haben und es wird immer ein Element der Anpassung geben, wenn der Tanz voranschreitet. Am besten bleibt es, als stagniert und in Vergessenheit gerät.
Natürlich ist Ballett eine strukturierte Kunstform und es kann nur so viele Variationen geben, bevor es aufhört, Ballett zu sein, während andere Tanzformen wie Hip Hop oder Jazz viele verschiedene Formen annehmen und ihren Ursprüngen treu bleiben können. Dies ist keine Kritik, sondern eine Beobachtung. Die Struktur des Balletts ermöglicht es, im Laufe der Zeit konstant zu bleiben und nicht dem Zerfall zum Opfer zu fallen. Um ein neues und jüngeres Publikum zu halten, das einer so großen Auswahl an Medien für Unterhaltung ausgesetzt ist, die sich für Ballett interessieren, ist es jedoch wichtig, dass die Kunst Technologie umfasst und ihre verschiedenen Formen nutzt, um Menschen zu motivieren. Wenn sich unsere Einstellungen zur Unterhaltung ändern, muss sich auch die Unterhaltung selbst weiterentwickeln. McAllister sieht, dass sich das Ballett „weiterentwickelt und weiterentwickelt, um die Umgebung widerzuspiegeln, in der wir leben. In jeder Generation gibt es Menschen, die innovativ sind und neue Ideen und neue Energie in das Ballett bringen. Ihre Werke ergänzen den Kanon und ihre Meisterwerke werden zu Klassikern der Zukunft. Während es wichtig ist, die großen Werke der Vergangenheit, die die Grundlage des Balletts bilden, zu bewahren und zu präsentieren, ist es ebenso wichtig, die Choreografen von heute zu entwickeln und zu fördern, um die Entwicklung unserer Kunstform lebendig und lebendig zu halten! '
Julie Kent und Marcelo Gomes vom American Ballet Theatre in Romeo und Julia. Foto Rosalie O’Connor.
Ballettfirmen setzen mehr auf Mode ausgerichtete Werbung mit leuchtenden Farben und einer kantigen Interpretation einer klassischen Tradition. Vor ein paar Jahren hatte das San Francisco Ballet das Bild von zwei Tänzern, die sich auf ihren Werbeplakaten auf der Rückseite eines Cabrio-Autos küssten. Viele Bars und Geschäfte brachten die Plakate an, was für sie das erste Tanzplakat war, das sie jemals gezeigt hatten. Die Tänzer des australischen Balletts sind häufig zwischen den Seiten von Modemagazinen sowie zwischen Sport- und anderen Veröffentlichungen zu sehen. Die Idee ist, Balletttänzer als sexy, vital und modern zu präsentieren, im Gegensatz zu dem veralteten Bild von ihnen als stickig, eindimensional und altmodisch.
Trotzdem hat das Ballett in diesem modernen Klima immer noch Grenzen. Sarah Keough von der Washington Post schreibt: „Geldprobleme belasten das Ballett wie ein Stein um den Hals: Gehälter, Miete, Kostüme, Zehenschuhe, Versicherungen, Musiker, Lagerung und so weiter. Schulden sind ein wichtiger Faktor bei allen konservativen Programmen. Das Hauptproblem ist jedoch folgendes: Das Ballett leidet unter einem ernsthaften Mangel an Selbstvertrauen, der immer lähmender wird. “ Sie fährt fort: 'Es gibt nichts Langweiligeres als sichere, hübsche Kunst. Nichts fühlt sich weniger relevant an. Ballett muss größer denken. Ja, das Geld ist knapp, aber das Ballett hat sich selbst in Schwierigkeiten gebracht, indem es das Prestige eines Opernhauses ohne die stabileren Budgets seiner europäischen Kollegen anstrebt. Um in der Zukunft zu überleben, sollte die durchschnittliche Ballettkompanie besser verkleinern, auf Aufregung abzielen, den Topf umrühren - und die Ballette in voller Länge fallen lassen, die besser den wenigen größeren, reicheren Operationen überlassen bleiben. “
Alexei Ratmansky probt mit dem New Yorker Ballett. Foto Paul Kolnik
Für Ballettliebhaber ist es jedoch nicht alles Untergang und Finsternis. Mit Choreografen wie Twyla Tharp, Christopher Wheeldon und Alexei Ratmansky, die die Grenzen des Balletts überschreiten und Werke schaffen, die Abstraktion mit klassischen Linien verbinden, bleibt Ballett eine lebendige, atmende Kunstform. Eine krasse Lücke in Homans Einschätzung des modernen Balletts ist der amerikanische Choreograf William Forsythe, der Ende des 20. Jahrhunderts das Ballett auf den Kopf stellte und die Tänzer technisch und das Publikum intellektuell herausforderte.
Die Leute sagen uns, dass Ballett so wichtig und beliebt wie immer ist. McAllister gibt an, dass das Publikum für das australische Ballett jedes Jahr wächst und die Abonnementraten die höchsten seit Anfang der neunziger Jahre sind.
Der Landestheater Coburg Ballet Master und der internationale Tänzer Griffin Doug schlagen vor, dass der Puls des Balletts in Europa stark ist. „Ich sehe (Ballett) als die einzige‚ hohe Kunst ', auf die man sich verlassen kann, um konstante Häuser zu bringen. Mit Ausnahme bekannter Musicals sind Tanzprogramme die normalerweise sichere Wahl für einen Theaterintendanten. Die Häuser sind möglicherweise nicht jede Nacht ausverkauft, aber die Tanznächte verkaufen mehr Sitzplätze als andere Aufführungen. Für McAllister geht es jedoch nicht nur um Sitzplatznummern, sondern vielmehr darum, den Zuschauern ein ganzes Balletterlebnis zu bieten.
Wie Doug betont, hat Ballett den wichtigen Vorteil, eine universelle Sprache zu sein, die es einer Produktion ermöglicht, den Globus ohne Kommunikationsbarrieren zu durchqueren. Und wie alle Tänzer bezeugen können, kann ein Ballettunterricht in jeder Sprache überall auf der Welt mit wenig bis gar keiner Verwirrung abgehalten werden. Die Sprache des Tanzes ist überall gleich. „Von allen Live-Performance-Genres ist Ballett am anpassungsfähigsten für Veränderungen. Tanz kann leicht in großen und kleinen Hausumgebungen aufgeführt werden, auch in spontanen und sorgfältig geprobten Produktionen. Tanz kann mit voller Symphoniebegleitung aufgeführt werden, wird aber auch vom Publikum mit aufgezeichneten Soundtracks akzeptiert. Tanz ist keine sterbende Kunstform oder Museumskunst, sondern lebendig und gesund. Es ist die anpassungsfähigste Kunstform mit der breitesten Publikumsbasis. “
Das Ballett selbst ist die Grundlage für alle anderen Tanzformen. Ein Jazz-Tänzer mit klassischer Technik ist jemandem ohne Ballettausbildung meistens weit überlegen, und das gilt auch für Musiktheater-, Kabarett-, Stepp- und sogar Hip-Hop-Tänzer. Mit der zunehmenden Beliebtheit des Tanzes dank der Fülle von Fernsehshows, Filmen und Filmclips, die die breite Anziehungskraft, Vielfalt und Geschicklichkeit der Kunst demonstrieren, geht das Ballett nicht so schnell voran.
Top Foto: Aurelie Dupont & Herve Moreau vom Pariser Opernballett. Copyright Anne Deniau
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