Tabula Rasa Tanztheater in 'Inside Our Skins'. Foto von Jared Siskin / PMC. New York Live Arts, New York, NY.
15. Mai 2019.
Kunst zu machen und sie einem Publikum zu präsentieren, ist ein Risiko. Es erfordert Mut. Dies ist oft umso mehr der Fall, als sich die Arbeit auf kontroverse Themen in der Welt und im öffentlichen Diskurs konzentriert. Künstler, die solche Arbeiten präsentieren, bringen oft das Gewissen zum Ausdruck, kommentieren das Unrecht, das sie in der Welt sehen, und drängen darauf, dass sie angesprochen werden. All diese Überlegungen lagen im Tabula Rasa Dance Theatre in der Luft In unseren Skins Im Mittelpunkt steht die Inhaftierung von Massen und wie sie die Geschichte der sozioökonomischen und rassistischen Ungerechtigkeit in dieser Nation fördert.
Die in New York City ansässige zeitgenössische Tanzkompanie mit dem künstlerischen Leiter Felipe Escalante an der Spitze will „eine Explosion künstlerischer Produktivität und sozialen Erwachens auslösen“ und „glaubt, dass Choreografie starke und manchmal störende Emotionen hervorrufen muss“. In unseren Skins fühlte sich voll im Einklang mit diesen beiden Punkten.
Das zweite Werk der Nacht, In unseren Skins - - - Für die Frau, die Gerechtigkeit anstrebt war das Hauptfleisch der Show (auf die sich diese Rezension konzentrieren wird). Der erste Teil des Titels leitet sich aus einer Reihe von Dramatikern aus Tennessee Williams ab: 'Wir sind alle lebenslang zu Einzelhaft in unserer eigenen Haut verurteilt.' Man kann die zweite Hälfte des Titels grob aus dem Lateinischen als „wer im Namen der Gerechtigkeit verfolgt“ übersetzen. Es ist das Motto des Justizministeriums innerhalb der Bundesregierung. Dieser Titel ist vielschichtig und aussagekräftig, genau wie ich es bei der Arbeit sehen würde.
Der Anfang war ziemlich überzeugend - Tänzer erhoben sich langsam aus einem Klumpen, und die sehr schwache Beleuchtung machte es mir ein bisschen rätselhaft, was ich sah. Ich habe mich gefragt, ob Ihr durchschnittlicher Betrachter bei dem melasseähnlichen Tempo der Bewegung bleiben könnte oder ob seine Gedanken woanders hin reisen würden. Es entwickelte sich ein innerer und äußerer Kreis mit einer Bewegung, die glatt, aber gewichtet war und das Tragen einer schweren Not hervorrief.
Ein Sirenengeräusch ertönte, als zwei Tänzer in Gasmasken eintraten und sich mit mysteriösen Gesten bewegten. Ein Tänzer erhob sich im Scheinwerferlicht, als andere unter ihnen sich in Wellen durch ihre Gelenke bewegten. Die Tänzerin oben, die sich über andere erhoben hatte, hatte eine Gewichtung für ihre Bewegung. Diese Schwere der Not war offensichtlich. Zusätzlich zu diesem Gefühl der Not vermittelten die grün / grauen Kostüme mit zerlumpten Ausfransungen auch das Gefühl, etwas Gewichtiges zu tragen (erfinderischer als stereotype Gefängnisoveralls gewesen wären).
Nach diesem Abschnitt stiegen die Tänzer höher, um auffallend schöne Bewegungsvokabeln in einem Kreis mit langen Linien von den Beinen auszuführen, die sich rückwärts durch die Oberseite des Kopfes erstrecken und in eine geerdete Kurve und dann in eine höhere Kurve verschoben wurden. In dieser Bewegung und Struktur herrschte ein Gefühl der Zwangsbeschränkung und Gleichheit. Die mitreißende, dramatische klassische Partitur passt gut zu diesem Sinn.
Dieser kreisende Abschnitt verlagerte sich in einen anderen Tänzer, der nach hinten blickte, und Cyc wurde blau. Ein Solist kam herein, trug einen weißen Ganzkörper (eine Farbe des Lichts und der Reinheit) und bewegte sich mit mehr Sinn für Hoffnung. Dennoch gab es ein Gefühl der Kontrolle und eine Strenge in ihrem Verhalten und ihrer Bewegungsqualität. War sie ein Engel des vorsichtigen Optimismus?
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Ein nächster denkwürdiger Abschnitt waren Tänzer, die sich in ihren eigenen Lichtabschnitten wie durch Gefängnisstangen vorwärts und rückwärts bewegten. Das Bühnenbild, das diese Wahl kreierte, war beeindruckend und fühlte sich konzeptionell brillant an. Doch seine Wirksamkeit begann zu schwinden, als sich Tänzer aus diesen Lichtbalken herausbewegten und so die Idee des Bildes zu brechen schienen. Die Balken verschwanden nacheinander, viele der Tänzer hatten sich bereits aus ihren Lichtabschnitten herausbewegt.
Tabula Rasa Tanztheater in 'Inside Our Skins'. Foto von Jared Siskin / PMC.
Es hätte mehr bedeuten können, die Lichter einzeln zu verdunkeln, während sich die Tänzer immer noch in dem Raum bewegten, in dem sie gewesen waren. Die Programmnotizen sprachen von einem anhaltenden mentalen Trauma durch Inhaftierung, und die Idee, sich auch ohne Lichtbalken auf die gleiche Weise zu bewegen, hätte vielleicht dazu beitragen können, diese Idee zu vermitteln.
In einem folgenden Abschnitt wurde anscheinend die gesamte Besetzung vorgestellt, von Soli über Quartette bis hin zu Trios - innerhalb und außerhalb verschiedener Gruppierungen. Die Bewegung war voller technischer Meisterschaft und mehr Bewegung. Die Tänzer begannen auch, Kostümteile, insbesondere ihre Oberteile, wegzuwerfen, um cremefarbene Ganzkörper zu enthüllen. Der Abschnitt fühlte sich lang an, als würde es um die technische Meisterschaft gehen. Die Frage wird dann, was das Ziel ist.
Trotzdem gab es hier viel, was visuell überzeugend war. Dieses visuelle Interesse setzte sich fort, als ein Teil eines Tänzers von mehreren anderen Tänzern auf den Kopf gestellt wurde und ihre Beine mit Ketten und Glocken in die Pedale trat. Schatten fielen hinter die Gruppe und tanzten eindringlich über den hinteren Teil der Bühne. Dieser Abschnitt fühlte sich auch für die Aufmerksamkeitsspanne eines durchschnittlichen Zuschauers etwas lang an, obwohl einige Zuschauer ihn in seiner meditativen und ästhetischen Qualität schön fanden.
Vor und nach diesem Abschnitt blickten die Tänzer zurück und bewegten sich, als würden sie sich waschen, die Ellbogen nach oben und zur Seite, während ihre Hände arbeiteten. Diese Bewegungen waren für jeden Tänzer leicht unterschiedlich und in ihrer komplizierten Qualität wunderschön. Es erinnerte an die Bedeutung einfacher, alltäglicher Handlungen und Notwendigkeiten, die während und nach der Inhaftierung übertrieben werden.
In einem anderen Gruppenabschnitt, der diesem Abschnitt folgte, begannen alle Tänzer auf einem Quadrat. Es gab wieder ein Gefühl der Beschränkung und Gleichheit. Sie verließen diesen Platz mit virtuoserer Bewegung - ein Festmahl aus Aufzügen, Sprüngen und Wendungen, die ein zeitgemäßes Ballettgeschmack hatten. Schreie später schienen psychische Krankheitskämpfe zu vermitteln. Ich fragte mich, ob diese Idee auf eine Weise durch den Körper gebracht werden könnte, die für ein breiteres Publikum besser verdaulich wäre.
Der Kontrast zwischen der angehobenen, energischen Bewegung und diesen Schreien fiel mir ebenfalls auf. Ich konnte darin ein Beispiel für das Gleichgewicht der Gegenwart von Hoffnung in schwierigen Zeiten sehen. Am Ende bewegten sich alle in einem Klumpen zur linken Bühne, zu einer Lichtquelle - langsam, aber nicht so langsam, dass sie die Aufmerksamkeit der modernen Zuschauer herausforderten. Es gab eine wunderschöne Kontinuität in der langsamen Bewegung, auf eine schöne Art und Weise, eine Bewegung zu Licht und Hoffnung zu vermitteln.
Ein paar andere Elemente in der Aufführung sind bemerkenswert. Erstens saß und tippte eine Person auf ihrem Handy, manchmal „selfie-ing“. Dies war eine scharfsinnige Darstellung, wie wir mit unserem Leben weitermachen, wenn all diese Ungerechtigkeiten innerhalb der Massenhaft geschehen. Ich fragte mich, ob diese kluge Wahl erfolgreicher gewesen wäre, wenn sie auf einer anderen Seite der Bühne gespiegelt worden wäre, vielleicht von einer Person, die Männer präsentiert. Zweitens kosten Tickets dreiundsechzig Cent - der durchschnittliche Tageslohn einer inhaftierten Person in New York City. Ticketumschläge für Spenden waren in jedem Programm enthalten, und eine Nachricht über einen Lautsprecher ermutigte die Zuschauer, angesichts der sehr niedrigen Ticketkosten zu spenden.
Dies war eine Entscheidung, die dem allgemeinen Mut und der Überzeugung in der Arbeit entsprach, eine Entscheidung zu einem kontroversen gesellschaftspolitischen Thema. Escalante und andere Entscheidungsträger im Unternehmen vertrauten darauf, dass die Zuschauer die Arbeit und ihre starke Botschaft genug schätzen würden, um insgesamt genug zu geben Produktionskosten zu decken. Sie vertrauten darauf, dass ihre Botschaft Resonanz finden würde, vielleicht sogar genug, um die Zuschauer zum Handeln zu bewegen. Vielleicht war es das Gewissen, das sie dazu anspornte, an einer Ungerechtigkeit zu arbeiten, die sie dort draußen sehen. Vielleicht gab es einige von beiden. Auf jeden Fall bin ich froh, dass sie es getan haben und dass ich diese facettenreiche, mutige Arbeit erleben konnte.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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