Erin Carlisle Nortons 'Walled Reach'. Foto von Kathyrn Butler. Es ist etwas, das viele Tanzschüler zu treffen scheint, wenn der Abschluss in Sicht ist: 'Was jetzt ? ' Wie kann man Werkzeuge, Fähigkeiten und Netzwerke aus akademischen Tanzabschlüssen nutzen, um ein nachhaltiges Leben im professionellen Tanz aufzubauen? Wie unterscheiden sich die Dinge von vor dem Abschluss? Kann die akademische Tanzwelt die Schüler besser auf diese Veränderungen vorbereiten, und kann sich die akademische Tanzwelt besser mit ihnen verbünden? Tanz passiert 'außerhalb des Campus' ? Auf welche Aspekte sollte man achten, wenn man ein BFA oder MFA im Tanz betrachtet?
Um sich eingehender mit diesen und anderen Fragen zu befassen, sprach Dance Informa mit vier Tanzkünstlern, die wertvolle Einblicke in akademische und professionelle Tanzbereiche erhielten: Autumn Eckman, MFA, Tänzer für Hubbard Street Dance Chicago und stellvertretender künstlerischer Leiter / ansässiger Choreograf von Giordano Dance Chicago Stephen Ursprung, MFA, Professor für Tanz am Dean College und Gründungsdirektor des Reject Dance Theatre (Boston, MA) Ellice Patterson, MS, Gründungsdirektorin von Abilities Dance Boston und Erin Carlisle Norton, MFA, Gründungsdirektorin von The Moving Architects (NJ / NYC) ).
Herbst Eckman.
Einige Tanzkünstler wie Eckman wissen, dass sie sich sowohl mit der Wissenschaft als auch mit dem professionellen Konzerttanz beschäftigen möchten. Als sie ihren MFA in Tanz an der University of Ohio und später eine Lehrstelle an der University of Arizona erhielt, während sie noch arbeitete und auftrat, fand sie dieses Ziel nicht unzugänglich (wenn auch viel zu unterstützen). Sie sieht diese Bereiche der Tanzwelt als 'nicht unterschiedlich' an und fügt hinzu: 'Ihre Gemeinschaften sind so miteinander verflochten.'
Eckman sieht diese Gemeinschaften - oft in der Hochschulbildung geschmiedet - als weitreichend, kontinuierlich und unterstützend an. In der Graduiertenschule für Tanz lernte sie auch Schreib- und Verwaltungsfähigkeiten sowie die Fähigkeit, über ihre Arbeit zu sprechen und anderen zuzuhören, die auf konstruktive Weise darüber sprechen. Higher Ed kann eine Tänzerin auf ihre „Reise des Lernens, wer sie wirklich als Künstler sind“, starten, glaubt sie.
Ursprung fand im akademischen Tanz einen Weg, der sich vom kommerziellen Tanz oder einer großen Konzerttanzkompanie abwandte - was er, als er jünger war, als mögliche Wege zum professionellen Tanzen angesehen hatte. Er war Professor und Direktor für Kompositionslehrpläne, während er das Reject Dance Theatre leitete und in REP (Repertory Etudes Project) tanzte.
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Stephen Ursprung.
„Meine Abschlussarbeit hat mich darauf vorbereitet, gut recherchierte Arbeit zu leisten“, teilt er mit. „Choreografische Projekte sind Forschungsprojekte. Sie müssen Informationen beschaffen, kritisch darüber nachdenken, was Sie finden, Entwürfe erstellen, bearbeiten, Feedback erhalten, überarbeiten und bearbeiten. “ Ein Teil dieser strengen Fähigkeiten, die die Graduiertenschule in ihm aufgebaut hat, schließt er ein Feedback-Prozesse (Geben und Empfangen) und verschiedene Aspekte, die letztendlich dazu beitragen, Arbeit auf die Bühne zu bringen. Er glaubt nicht, dass die Hochschulbildung der einzige Ort ist, an dem diese Fähigkeiten erworben werden können, aber es ist ein Schlüssel.
Für Carlisle Norton boten ihre akademischen Grade wertvolle Werkzeuge und Perspektiven, um ihren Hunger nach Lernen und natürlicher Neugier zu stillen und eine Gemeinschaft von Künstlern aufzubauen, die sie bis heute Freunde und Mitschöpfer nennt. Als Tanzstudentin an der Ohio State University bildete sie sich in Bereichen wie Kunstverwaltung, Videobearbeitung und Photoshop aus - was sie in Richtung The Moving Architects in Anspruch nimmt.
Während eines Jahres der Graduiertenschule bildete sie sich als Pilates-Lehrerin aus und arbeitete dort. Sie konnte morgens unterrichten, bevor sie am Nachmittag zum Unterricht ging. Sie plädiert dafür, eine solche Arbeit zu finden, während sie Tanz studiert oder als Tanzkünstlerin auf einen finanziell nachhaltigeren Ort hinarbeitet, 'etwas, das körperbasiert ist und Ihre Kunstform nährt'. Die anderen zwei Jahre arbeitete sie als Lehrassistentin für Hochschulabsolventen und leistete sowohl Unterricht als auch Bezahlung.
Die bewegenden Architekten in der Probe. Foto von Gwen Charles.
Patterson studierte Biologie im Grundstudium und anschließend Business durch ein Master-Zertifikat. Wie Carlisle Norton bestätigt sie, dass sie aus dieser akademischen Erfahrung in der künstlerischen und Führungsarbeit ihres Unternehmens auf Konzepte, Perspektiven und spezifische Fähigkeiten zurückgreifen kann. Zum Beispiel bot das Studium der Biologie ihr Wissen über Anatomie, Kinesiologie und die Funktionsweise von Systemen in Systemen in der natürlichen Welt an. Kreative Inspirationen aus diesen Hochschulerfahrungen sind ebenfalls entstanden, beispielsweise bei der Erstellung einer Arbeit aus einem Gemälde eines Segelboots, das durch ihre Biologiestudien mit dem Segeln über den Atlantik verbunden ist.
Die Unternehmen boten ihr Wissen und ihre Tools für den Aufbau der steuerlichen Gesundheit und Nachhaltigkeit ihres Unternehmens sowie die Fähigkeit, „schnell zu entscheiden, die Fakten zu verdauen und umgehend so effektiv wie möglich zu reagieren“. Obwohl sie keinen Hochschulabschluss in Tanz hat, waren tiefgreifende Lernerfahrungen - wie das Bates Dance Festival und das Urbanity Dance Summer Intensive (Boston, MA) - für sie eine Art Hochschulbildung, glaubt sie.
Evelyn Melendez
Insbesondere die Erfahrungen von Eckman und Ursprung belegen die Vernetzung von akademischem und professionellem Tanz. Andererseits weisen Ursprung und Carlisle Norton auf einige wesentliche Unterschiede zwischen diesen Sektoren hin. Zum einen ist der Proberaum in akademischen Tanzumgebungen frei, und es gibt oft längere Zeiträume für die Erstellung eines Werks. In den meisten Fällen gibt es viel weniger Zeitdruck und mehr Zeit, um wirklich in eine Arbeit einzutauchen, während sie erstellt wird. Beide Künstler erkennen dies als einen wichtigen Bestandteil der kreativen Entwicklung an, die für Künstler in der Hochschulbildung stattfindet, aber auch als etwas, das die Studenten nach dem Abschluss nicht zur Hand haben sollten.
„Viel Tanz in der Wissenschaft wird so esoterisch, dass er die Zugänglichkeit der Publikumsattraktivität verliert und zugunsten des Intellektualismus beiseite geworfen wird“, glaubt Ursprung. 'Wenn das Publikum in der professionellen Konzertwelt Ihre Arbeit nicht mag, werden Sie wahrscheinlich nicht sehr erfolgreich darin sein, den Ticketverkauf oder, was noch wichtiger ist, Spender zu sichern.' Sie müssen eine Arbeit machen, die das Leben außerhalb der Akademie widerspiegelt. “
Carlisle Norton beschreibt, wie sie einerseits aufgrund von Schulerfahrungen „sich um das Publikum kümmert“, während sie andererseits auf Einstellungen stieß, bei denen sie die Erfahrungen des Publikums missachtete, was sie frustrierend fand.
Ellice Patterson.
Alles in allem hat Carlisle Norton die Bedeutung der Publikumserfahrung für den Erfolg ihrer Arbeit, ihrer Kompanie und des gesamten Konzerttanzbereichs weggenommen. Urspring ist der Ansicht, dass der Tanz in der Hochschulbildung dankenswerterweise dazu führt, dass Tanzstudenten diese Art von praktischen Überlegungen anstellen - „Kenntnisse über persönliche Finanzen, Nutzung eingebetteter Fähigkeiten in Tagesjobs und Suche nach Wegen, um sich auf Erfolg vorzubereiten.“ Er fügt hinzu: „Akademische Tanzprogramme stehen bereits unter dem Druck, mehr praktische Überlebensfähigkeiten zu vermitteln. Es ist selten, Programme zu finden, die ausschließlich kreative Prozesse und Techniken vermitteln. '
Pattersons Weg zeigt die Bedeutung solcher praktischer Werkzeuge und Fähigkeiten sowie die Gültigkeit - und sogar den Vorteil -, alternative Wege des formalisierten akademischen Studiums zu finden, die man dann zum professionellen Konzerttanz bringen kann. „Es gibt Möglichkeiten, weiter zu tanzen und andere Dinge zu studieren, und es gibt den Vorteil, andere Perspektiven aus anderen Bereichen einzubringen“, bestätigt sie. Eckman, der als klassische Ballerina zum Tanzen in der Hochschulbildung gekommen ist, sieht alles als eine Reise, die für jeden Künstler einzigartig ist - eine Reise, die zu jedem Zeitpunkt Geduld mit dem individuellen Ort erfordert. 'Es kann nicht gehetzt werden', glaubt sie. 'Die Dinge werden in ihrer eigenen Zeit kommen.'
All dies in Betracht gezogen, was sind einige wichtige Überlegungen für einen Künstler unter Berücksichtigung eines BFA oder MFA - Vielleicht zwischen dem wählen und alles direkt in eine professionelle Konzerttanzkarriere einfließen lassen? Ursprung sagt, dass er junge Tänzer immer zu einem BFA führen wird. „Ihr Weltbild und Ihr Verständnis für das Tanzfeld im Alter von 18 Jahren sind so begrenzt“, unterstreicht er. Er wird jedoch dazu ermutigen, sich zwischen BFA und MFA Zeit zu nehmen, „um zu üben, Arbeit zu machen und in das Feld einzutauchen. Verbessern Sie Ihr Handwerk und erstellen Sie eine Liste mit Dingen, die Sie verbessern müssen, und suchen Sie nach Programmen, die die richtigen Möglichkeiten bieten, um Sie auf Ihrer Reise bestmöglich zu unterstützen. “
Berühmte Choreografen 2015
Foto von Melissa Blackall Fotografie.
Patterson unterstreicht die Notwendigkeit von Hochschulabschlüssen, wenn man als Professor unterrichten oder auf andere Weise führend im Hochschultanzraum sein möchte. Insgesamt scheint Eckman auch ein starker Verfechter des Hochschultanzes zu sein. Sie weist auf den Vorteil eines breiten Netzwerks von Künstlerkollegen hin, das die Hochschulbildung bieten kann. Sie erkennt auch, welche Erfahrungen im Konzerttanz zum akademischen Studium des Tanzes beitragen können - zum Beispiel ein hohes Maß an Professionalität (einschließlich Höflichkeit, Schnelligkeit, Anpassungsfähigkeit, ausgeprägte Arbeitsmoral) und die Pflege des eigenen physischen Instruments. Wenn man sich für einen Hochschulweg entscheidet, rät Eckhart, die Augen offen zu halten und keine Angst zu haben, eine Beziehung zu seinem Professor aufzubauen. 'Du wirst dich für das interessieren, was mit dir in Resonanz steht und was letztendlich dein Stamm sein wird', denkt sie.
Ursprung hebt hervor, wie sich Tanzprogramme im Hochschulbereich an die Realität der aktuellen professionellen Tanzwelt anpassen. Und Eckman stimmt zu und bemerkt: 'Tanzkompanien sehen nicht ganz so aus, wie sie vor 20 Jahren ausgesehen haben, und der Hochschultanz passt sich entsprechend an.' Gibt es jedoch andere Möglichkeiten, wie die Hochschulbildung die Realitäten und Angebote der „realen Welt“ des professionellen Konzerttanzes anerkennen kann (mangels eines besseren Begriffs)?
Herbst Eckman.
Ursprung würde es begrüßen, wenn die Tanzabteilungen der Hochschulbildung ihre Ressourcen häufiger für aufstrebende Künstler und Künstler in der Mitte ihrer Karriere öffnen würden. „Oft sind diese Ressourcen großen Unternehmen vorbehalten, aber die Möglichkeit, neue und bestehende Arbeiten in einem College-Umfeld zu erstellen und zu bearbeiten, gibt Künstlern die Möglichkeit, tiefer in ihre Arbeit einzutauchen“, teilt er mit.
Er fördert Modelle wie die kürzlich umstrukturierten Lehrpläne des Dean College und vermittelt den Studenten Praktikumserfahrungen verschiedene Gemeinschaften und Sektoren der professionellen Tanzwelt . Er glaubt, dass dieser Ansatz 'sicherstellt, dass die Schüler sowohl ihre Möglichkeiten kennen als auch ein Leben im Tanz testen, um zu sehen, ob es wirklich das ist, was sie wollen.'
In diesem Modell sowie in all den Erfahrungen dieser Künstler ist klar, dass es viele mögliche Wege in einem Leben im Tanz gibt - im nicht-akademischen professionellen Konzerttanz, im akademischen Tanz oder in einer Mischung aus beiden. Wie Eckman feststellt, ist es wichtig, dass jeder Künstler den Weg findet, der am besten zu ihm passt und ihn als einzigartiges Individuum unterstützt - und das Beste aus den Erfahrungen, Werkzeugen und Freundschaften macht, die er auf seinem Weg findet.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
