Mesma Belsare in 'Shilpa Natana'. 21. bis 27. September 2020.
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Als Tanzautor und jemand, der tief in vielen verschiedenen Tanzuntergemeinschaften verwurzelt ist, höre ich von vielen Auftritten. Ich kann sie nicht alle sehen. Manchmal fällt mir jedoch eine Leistungsförderung auf - in einem Social-Media-Beitrag eine E-Mail, die ich fast nicht gelesen habe, oder eine Erwähnung von einem Freund. Selbst wenn ich zu beschäftigt bin, um daran teilzunehmen (oder es heutzutage per Film anzusehen), lasse ich es funktionieren, um die Aufführung zu erleben. Ich bin fast immer so froh, dass ich es getan habe. Es erinnert mich fast immer daran, dass es keinen Mangel an wunderbarer Kunst gibt, das Produkt von einfallsreichen und hingebungsvollen Menschen, die sich dort draußen in der Welt aufhalten. Es ist, als würde man jedes Mal einen Schatz an einem erwarteten Ort finden.
Das 2020 Erasing BordersFestival des Indo-American Art Council war genau das für mich. Es bietet jedes Jahr klassische und zeitgenössische indische Tanzkünstler sowie das diesjährige Festival musste natürlich virtuell sein . Auf so vielen Ebenen fühlte es sich für mich so an, als würde das Festival Grenzen aufheben - Grenzen zu meinen eigenen typischen Interessen als Tanzbegeisterter, Grenzen zu der Art und Weise, wie wir dieses Festival normalerweise einnehmen, und andere, kulturelle Grenzen durch Kontakt mit der Kunst einer anderen Kultur, und vieles mehr.
Vishwakiran Nambis zeitgenössisches Werk Scheiterhaufen war das erste Werk des Festivals, das ich mir angesehen habe. In dem Film, der vor dem Film des Werks gezeigt wurde, erzählt er, wie wichtig die Erfahrung ist, die seine Kunst für den Betrachter schafft, als jede bestimmte Bedeutung, die dies bedeutet sie können wegnehmen. Das Geheimnis und der ästhetische Zusammenfluss des Anfangs dieser Arbeit zeugen von diesem Interesse und dieser Perspektive. Resonante Töne erklingen, während Tänzer langsam auf die Bühne gehen - auf ungewöhnliche Weise miteinander verwoben, andere Tänzer unterstützen und von ihnen unterstützt werden. Einmal in der Formation, bewegen sich Bewegungsqualität und Timing um 180 Grad auf frenetisch und schnell.
Vishwakiran Nambi.
Arthur Mitchell Tänzer
Diese Spannung zwischen unterschiedlichem Timing und unterschiedlichen Qualitäten ist in einem Großteil der Arbeit vorherrschend. Zusammen mit der Einrichtung der Tänzer, der eindrucksvollen Beleuchtung und den verlockenden Rhythmen der Partitur bringt es mich in diese Erfahrung. In tieferer Weise ist es eine Verkörperung der Erfahrung selbst, wobei das Leben eine Reise auf unzähligen Spektren zwischen Gegensätzen ist.
Eine andere vorherrschende Spannung in der Arbeit, die ich in der Arbeit sehen kann, ist die zwischen dem Individuum und dem Kollektiv und den Individuen im Kollektiv, die sich gegenseitig unterstützen (oder nicht unterstützen) und dem Kollektiv selbst. Die meiste Zeit bewegen sich Tänzer im Einklang - gestisch, geerdet, aber auch mit Aufwärtsbewegung und unglaublich rhythmisch. Einfaches Treten und komplexere Gesten erzeugen sogar eine ästhetische Harmonie, die fast wie Trance wirkt. Zu anderen Zeiten spricht Partnering und Soloarbeit - durch Formen und Manipulationen physikalischer Gesetze, von denen ich glaube, dass ich sie noch nie zuvor gesehen habe - für Aktionen, bei denen andere überwältigt, andere unterstützt und absichtlich gegen die mächtige Strömung der Größeren gestanden werden Gruppe.
Die Tänzer treten im gemeinsamen Rhythmus auf die Bühne zu, und die Lichter und die Musik werden leiser, bis das Stück zu Ende ist. Darauf folgt ein weiterer Kurzfilm, der durch kurze Interviews mit den Tänzern und Nambi mehr Kontext rund um die Arbeit teilt. Der Choreograf erklärt die Bedeutung des Titels als Hinweis auf die spirituelle Praxis, über heiße Kohlen zu gehen. Er ist fasziniert von der Idee, dass Menschen einen unglaublichen Kampf um das Versprechen eines besseren Lebens oder eines Traums führen, erklärt er, und seine eigenen Kämpfe und die seiner Tänzer um das, was sie suchen, waren kreatives Futter für das Stück.
Die Erfahrungen und Reflexionen der Tänzer sind ebenfalls faszinierend zu hören - wie zum Beispiel die rhythmische Natur der Arbeit, die Parallelen zu ihnen hat Bharatanatym Die Anpassung an die Einzigartigkeit dieses Stils und das Hinzufügen eigener Einflüsse durch den kreativen Prozess und die Art und Weise, wie an dem Stück gearbeitet wird, haben für sie zu Recht das Leben verändert. Auf der anderen Seite scheint dieser hohe Grad an Kontextualisierung im Spannungsfeld mit der Idee zu stehen, die Erfahrung des Publikums über die Bedeutung zu betonen - und im Allgemeinen habe ich immer das Gefühl, dass es etwas zu sagen gibt, um genug Unbekanntes für die Zuschauer zu hinterlassen mit ihrer eigenen sehr persönlichen Bedeutung und Erfahrung der Arbeit. Trotzdem ist es für mich auf intellektueller und erfahrungsbezogener Ebene sehr erfreulich, die Stimmen dieser Künstler und den zwingenden kreativen Prozess dahinter zu hören Scheiterhaufen .
jenny winton schmutziges tanzen
Als nächstes schaue ich mir ein Bharatanatym-Werk an, das von Mesma Belsare getanzt und von Maya Kulkarni choreografiert wurde. Auf der Bühne und im Scheinwerferlicht beginnt Belsare, sich zu ducken, tief im Raum, langsam und nachdenklich zu bewegen. Ihr klassisches Kostüm aus Gold und Rot - Armbänder, Knöchelglocken, Haarpflegemittel - gibt ihr ein königliches Gefühl. Klassische indische Instrumentalmusik begleitet sie - sie bietet Energie, Freude und emotionale Tiefe durch ihren Klangumfang. Geste, körperliche Positionierung und Gesichtsausdruck scheinen eine Geschichte zu erzählen. Ich spreche nicht die physische Sprache dieser alten Tanzform und wenn ich sie beobachte, möchte ich dazu in der Lage sein. Dennoch erzählt sie eindeutig eine Geschichte und ist ganz offensichtlich vom Geschichtenerzählen als Darstellerin fasziniert, was immer wieder Spaß macht.
Mesma Belsare in Shilpa Natana. Foto von Gajen Sunthara.
Bewegungen wie das horizontale Kreisen ihrer Arme, als würde ein auf einem Herd gekochtes Gericht umgerührt, vermitteln Häuslichkeit. Zum Schluss streckt sie die Hand aus - Arme in einem „V“, Blick zum Himmel - und wir sehen, wie sich ihr Magen mit dem beschleunigten Atem ihrer körperlichen Arbeit bewegt. Ich liebe diese Momente, in denen Tänzer Stille finden, nachdem sie sich angestrengt haben, und wir sehen, dass ihr Atem hart arbeitet, wie sie ihren Körper und Geist in die Arbeit investiert haben, ist in diesen Momenten so schön klar.
Sie erreicht große Mengen und nimmt ebenso wie Sauerstoff Platz ein - stark und stolz in ihrer Gegenwart. Was auch immer in dieser Geschichte passiert sein mag, das bedeutet mir genug. In der Diskussion nach der Show diskutieren sowohl Belsare als auch Kulkarni, wie im Tanz ihre Interessen an Musik, Bewegung und visueller Kunst zusammenkamen. Diese Liebe zum Tanz als Zusammenfluss sensorischer Gaben zeigt sich in der dynamischen, befriedigenden Arbeit. Kulkarni diskutiert auch den Unterschied zwischen dem bloßen Erzählen durch Tanz und dem tatsächlichen Verkörpern der Geschichte durch Ausdruck und körperliches Engagement. Belsare ist ein Beispiel für Letzteres - ein wesentlicher Teil der Gründe, warum mich die Arbeit fasziniert hat, glaube ich.
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Endlich schaue ich zu Es ist ein neuer Anfang , mit Choreografie und Konzept von Divyaa Unni und Gesang / Musik von Bhagyalakshmi Guruvayur. Es ist eine schöne Verbindung von Bewegung und Musik in unvergesslichen Außenbereichen. Unni’s klassische Gesten und Beinarbeit sind präzise aber nicht starr. Guruvayurs Gesang ist ebenso sicher und dynamisch. Die Energie ist optimistisch und freudig, wenn sie eine Geschichte durch Bewegung erzählt, ein schöner Teil von Bharantanymas, eine Kunstform.
Ein Teil von mir möchte die Geschichte selbst wissen, aber es gibt etwas zu sagen für die Kunstform, die in ihrer wahrsten und authentischsten Form präsentiert wird - und wer ich bin, um etwas anderes zu bitten. Die Energie verschiebt sich an einem Punkt zu etwas Langsamerem und Kontemplativerem. Ihre Gesten deuten mehr auf häufige Handlungen hin: Essen, Kochen, Begrüßung von jemandem. Diese Änderung macht die Handlung der Erzählung für mich weniger undurchsichtig.
Divyaa Unni. Foto von Jamesh Kottakkal.
Die nächste Schicht beinhaltet ihren Umzug in zunehmend modernisierte, zunehmend von Menschen beeinflusste Orte - einen Park mit beschnittenen Bäumen, auf der Rückseite eines Gebäudes mit Parkschildern und schließlich eine städtische Straßenecke, an der sie Schüsse hört. Dabei kauert sie vor Angst. Vor einem Holzzaun tanzt sie mit Wildheit und intensiver Konzentration. Die Wirkung dessen, was sie gehört und gesehen hat, scheint tief in ihre Knochen und Sehnen eingedrungen zu sein.
Jesse und Jeana Alter
Sie kehrt an den Fluss zurück, wo sie angefangen hat. Sie scheint erleichtert und froh zu sein, wieder in sicherer Verbindung mit der Natur zu sein. Im letzten Teil des Films tanzt sie - mit klarer Absicht und Leidenschaft - auf einem weiten Feld, Wolkenkratzer im Hintergrund. Sie scheint eine Art Gleichgewicht zwischen dem natürlichen und dem künstlichen Rohstoff gefunden zu haben. Die Beleuchtung und die ruhige Ruhe des Raumes rufen eine neu gefundene Harmonie hervor.
Zum Schluss kommen ihre Hände zu ihrem Herzen und sie duckt sich tief. 'Shanti, Shanti, Shanti', singt Guruvayur - 'Frieden, Frieden, Frieden.' Unni und ihre begleitenden Künstler scheinen ein Gebet für die Menschheit zu sprechen - für einen „Neuanfang“, bei dem wir nach COVID eine Welt zurückbauen, die für uns alle besser ist. Ich bin nachdenklich, emotional berührt und inspiriert, mich zu bewegen - bewege meinen eigenen Körper und bewege mich für eine bessere Welt. Solche Schätze können an unerwarteten Orten gefunden werden, also halten Sie die Augen offen. Du wirst es nicht bereuen.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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