Boston Ballet in William Forsythes 'Artefakt'. Foto von Rosalie O'Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
23. Februar 2017.
Die postmoderne Kunst entstand aus gesellschaftspolitischen Veränderungen der westlichen Gesellschaft nach dem Zweiten Weltkrieg. Einige behaupten, dass der rationale künstlerische Klassizismus angesichts der enormen Fähigkeit, die Menschheit auf Knopfdruck zu vernichten, die Fragen und Bedenken, mit denen wir konfrontiert waren, nicht mehr beantwortet hat. Künstler haben sich sowohl dem „Meta“ (der vorliegenden Form, die sich selbst diskutiert) als auch dem Absurden zugewandt. Es gab Neudefinitionen der Virtuosität, der Darsteller- und Publikumsrollen und der Natur des Bewusstseins selbst. Wir stehen im 21 erneut vor neuen Herausforderungen und FragenstJahrhundert, und unsere Kunst könnte sich wieder verschieben, um diesem Beispiel zu folgen.
Boston Ballet in William Forsythes 'Artefakt'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Vielleicht ist diese post-postmoderne Kunst eine Ablehnung des Binären, der Idee, dass etwas das eine oder andere sein muss. Vielleicht ist unsere sich entwickelnde Kunst eine, in der Spektren leben und atmen - virtuos und fußgängerisch, rational und absurd, von Tradition und Innovation. William Forsythes Artefakt wurde ursprünglich 1984 gegründet, wurde seitdem mehrmals überarbeitet und für 2017 neu erfunden. Das Boston Ballet präsentiert derzeit diese Überarbeitung und eröffnet damit den Dialog über diese (und andere) Aspekte der Kunst. Anstelle von Binärdateien gibt es in dieser wunderbaren Arbeit nicht-binäre Fluiditäten.
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In der Tat war die gezeigte Choreografie eine wahre Fließfähigkeit von Virtuosität und einfacher Fußgängerbewegung. Um die Show zu eröffnen, ging ein einsamer Tänzer langsam - nicht so langsam wie Quecksilber oder Melasse, aber mit einer ähnlich anhaltenden und schmelzenden Qualität. Ihre Arme bewegten sich auch in unkonventionellen Mustern und in einer ebenso anhaltenden Qualität. Die Hausbeleuchtung war noch an, was sicherlich auch unkonventionell war. In ähnlicher Weise trieb die einfache Fortbewegung Formationen und menschliche Grenzen an anderen Stellen der Show voran. Wiederholte Armmuster erzeugten fast meditative bewegte Bilder, die manchmal den negativen Raum ausfüllten und manchmal nicht.
Als die Virtuosität ihren Anspruch geltend machte, tat sie dies wirklich, jedoch ohne Ankündigung oder Fanfare. Ein Teil des Allegro männlicher Tänzer mischte schnelle und komplexe Beinarbeit, um so natürlich wie das Gehen zu wirken. Eine spätere Allegro-Sektion, eine virtuose Klaviermelodie, die sie begleitete, war so schnell, dass sich ihre Ausführung irgendwie nicht menschlich möglich anfühlte. Aber die Boston Ballet-Tänzer fielen kein einziges Mal aus dem Takt.
Misa Kuranaga und Patrick Yocum in William Forsythes 'Artefakt'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Pas de Deux bot triefende, schmelzende Beckenverschiebungen und bogengetriebene Beinarbeit an. Andere Pas de Deux waren eckiger, mit spektakulären Erweiterungen und visuell ansprechenden Partnerschaften. Als etwas, das während des gesamten Werks angeboten wurde, wuchs die faszinierende räumliche Spannung aus getrennten Pas de Deux, die in Punkt-Kontrapunkt-, Kanonen- und ähnlichen Techniken zur Manipulation choreografischer Phrasen getanzt wurden. Daraus füllte ein Magnetismus die Luft zwischen getrennten Paaren.
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Gleichzeitig boten andere Tänzer in Linien im krassen Gegensatz zu solch einer überaus technischen Bewegung eine angenehme Körperpercussion und andere beiläufige Fußgängerbewegungen. Ein faszinierendes Motiv waren Arme in Form eines Kaktus mit gebogenem Ellbogen und ein hörbares Klatschen, bei dem sich die Arme gelegentlich vor der Brust schlossen. Es verschmolz alles, um ein Bühnenbild und eine allgemeine Hörnote zu bieten, die entzückt und verblüfft waren. Der Haupttenor dieser Partitur, vom Sounddesigner Niels Lanz, ging auch von der gehobenen Klassik zur mysteriösen postmodernen Art über, die von dieser Allegro-Klavierbegleitung bis zu einer Kakophonie aus Körperpercussion, Klavier und Sprache reichte.
04_Teil ICaralin Curcio und Gastkünstlerin Dana Caspersen in William Forsythes 'Artefakt'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Diese Rede beinhaltete die Erzählung einer älteren Frau in historischen Kleidern und eines Mannes, der in ein Megaphon sprach. Sie präsentierten ein Wortspiel, das an das Absurde des Theaters erinnerte. Es gab Wendungen, Zeitänderungen und Wortarten, die die Bedeutung veränderten - aber zu welcher Bedeutung könnte unklar sein. Trotzdem tauchten Schlüsselwörter wie „erinnern“, „vergessen“, „sehen“ und „denken“ in den Themen Erinnerung, Erfahrung, Wahrnehmung und Wahrheit auf. Als die Show begann, sagte die Frau: 'Treten Sie ein.' Als die Show endete, drängte sie: 'Treten Sie nach draußen.' All dies zusammen deutete auf einen Kommentar zur Theatererfahrung hin - ein Kunstgriff, der auf der Wahrheit basiert und an festgelegten Punkten beginnt und endet, aber vorher und nachher mitschwingt.
In dieser Interpretation war eine vielleicht ironische Beleuchtungswahl (Lichtdesign auch von Forsythe) industriell helles und gelbes Licht, das ausschließlich von links oben auf der Bühne zu sehen war - ganz im Gegensatz zu den Grundlagen der Herstellung einer angenehmen Theaterbeleuchtung. Andere Beleuchtungen waren klassisch schön, wie z. B. schwaches Bernsteinlicht, das auf Tänzer in goldfarbenen Kostümen fiel (Kostüme auch von Forsythe). Ein sehr innovativer und unvergesslicher Moment in der Beleuchtung war ein Effekt, der die Tänzer in eine schwarze Silhouette vor einem weißen Hintergrund brachte.
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Boston Ballet in William Forsythes 'Artefakt'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Diese Interpretation der Show als Kommentar zur Theatererfahrung ist jedoch nur eine von vielen, die gültig sein könnten, mit Beweisen, die sie irgendwo innerhalb der vielen reichen und komplexen Aspekte der Arbeit stützen. Forsythe hat gesagt, dass jeder Zuschauer eine einzigartige Erfahrung ins Theater bringt und daraus ein Verständnis und eine Interpretation dessen bildet, was man sieht, was für ihn / sie gilt.
Das ist alles zum Guten, denn unsere Kunst muss nicht eins sein. Angesichts der Natur unserer Welt im Jahr 2017 dient uns unsere Kunst am besten, wenn sie die Pluralität unterstützen kann - wenn wir vielleicht nicht mit konkreten Antworten aus dem Theater hervorgehen, sondern besser auf unsere Reise zu diesen vorbereitet sind. Das Boston Ballet bietet diese Art von Kunst bei Forsythe an Artefakt 2017. Mögen alle Zuschauer es als etwas weit mehr als das eine oder andere annehmen und umso mehr bereit für ihre Reise zu ihren eigenen Antworten.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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