Boston Ballet in George Balanchines 'Donizetti Variationen'. Foto von Rosalie O'Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
23. März 2017.
'Alles ist fair in Liebe und Krieg', sagen sie. Man könnte dem Kunst hinzufügen - was bedeutet, dass alle künstlerischen Ansätze einen Wert haben können, wenn sie gut ausgearbeitet und beabsichtigt sind. Angesichts der unendlichen Möglichkeiten des menschlichen Körpers und seiner Verschmelzung mit anderen künstlerischen Medien gilt dies insbesondere für den Tanz. Einige Tanzkompanien weisen die Vielseitigkeit und zielgerichtete Arbeitsweise auf, die es ihnen ermöglichen, Arbeiten in jedem künstlerischen Ansatz mit Anmut und Stil anzubieten. Mit Wachsflügel Das Boston Ballet hat erneut gezeigt, dass es sich um eine solche Gesellschaft handelt.
Boston Ballet in George Balanchines 'Donizetti Variationen'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Die erste von drei Arbeiten auf dem Programm war Donizetti Variationen, eine eher klassisch gestaltete George Balanchine-Neuinszenierung. Die visuelle Ästhetik der Kostüme in Babyblau, Weiß und Pink (für die Ballerinas) und eine passende babyblaue Kulisse bildeten eine harmonische, angenehme Grundlage für den kommenden Tanz (Kostüme mit freundlicher Genehmigung des Miami City Ballet). Casting von drei männlichen Tänzern und sechs Ballerinas ermöglichten die geordnete Bildung von Dreiecken, Paarlinien und anderen numerischen Erkundungen. Häufige Änderungen in diesen Formationen sowie das Tempo brachten dieser geordneten Qualität Intrigen und Spaß.
Charakteristisch für Balanchine-Werke,allegrowar halsbrecherische Geschwindigkeit. In mehrSprichwortAbschnitte, Linien und Verlängerungen waren fließend und pulsierten vor Energie. Ein Abschnitt, der beide Qualitäten enthielt, enthielt eines von drei Paaren, in denen sich die erste Ballerina drehteArabeskeundlehnenund die beiden anderen Paare folgten ihr. Ebenfalls charakteristisch für Balanchine-Werke waren ironische Momente, die auf postmoderne Trends wie Metaanalysen (Kunst, die sich selbst kommentiert) hinwiesen - darunter eine Ballerina, die sich scheinbar den Zeh sticht und sie überprüftPunktSchuh und zurück zu ihrem Platz in der Formation. Eine insgesamt eher klassische Arbeit, aber modernere Momente waren sicherlich ein faires Spiel und trugen zur Freude bei, die das Stück bot.
Die folgende Arbeit war der Namensgeber des Programms:Jirí Kylián’S Wachsflügel. Sofort fiel ein auf dem Kopf stehender Baum auf, dessen viele Äste kahl waren. Schwache Beleuchtung und schwarze Kostüme trugen zu einer insgesamt reduzierten spartanischen Qualität bei. Ein umherziehender Suchscheinwerfer, der über ihm kreiste, trug zu dem übergeordneten Rätsel bei. Manchmal kamen die Tänzer den untersten Zweigen des hängenden Baumes ziemlich nahe, und die Anspielungen auf die Geschichte von Ikarus und seinen schmelzenden Flügeln waren ziemlich klar. Diese Anspielungen waren jedoch vielschichtiger und nuancierter als nur ein Hinweis, vielleicht eine Neuformulierung der alten Geschichte für die Komplexität der modernen Welt.
Boston Ballet in Jirí Kyliáns 'Wings of Wax'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Ein Teil dieser Neuformulierung waren Verweise auf die Eigenschaften menschlicher Interaktionen. Die Tänzer teilten und widerstanden dem Gewicht des anderen und manipulierten gekonnt die Zugkraft der kinetischen Kräfte. Bei Paaren mit gekreuzten Handgelenken lief beispielsweise eine Tänzerin in einem niedrigen, saftigen Plié scheinbar über Marley. Es gab sowohl einen Zug zum anderen als auch einen Widerstand gegen den anderen. Ohne jeden sozialen Kommentar war diese Verwendung von Gewicht und Schwerkraft wunderschön anzusehen. Es gab andere so großartige Sätze, die einen starken sozialen Kommentar hätten liefern können, aber ansonsten ziemlich wertvoll sind.
Ein solcher Moment war mit einer Gruppe von Tänzern, die langsam an Ort und Stelle gingen, während ein anderer sportlich und schnell vor und um sie herum tanzte. Wir bewegen uns oft mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten und vermissen uns manchmal. Aber wir teilen unweigerlich Raum und Zeit. Doch dieser Abschnitt war ohne eine solche Interpretation wirklich etwas zu erleben. Die Arbeit endete auf ähnliche Weise mit einem Mann-Frau-Paar, das sich von Brust bis Kopf umeinander wickelte, sich einfaltete und dann losließ, um die Seite zu wechseln. Sie wechselten weiterhin die Seiten mit dieser Bewegung, als der Vorhang fiel. Es war ein faszinierendes Ende der Erfahrung und auch ein potenziell bedeutungsvolles Ende der zyklischen Natur unseres Lebens und der Beziehungen in ihnen. Das Stück brachte uns weit in das postmoderne Reich, als das erste es wagte. Dennoch bot jedes Werk etwas Besonderes für sich.
Die dritte und letzte Arbeit des Programms, die von Alexander Ekman Kakteen war noch postmoderner. Der metaanalytische Fokus war von Anfang an offensichtlich, mit Kommentaren darüber, wie klassische und zeitgenössische künstlerische Kräfte zusammenstoßen, sich dann aber durch Kompromisse und Zusammenarbeit versöhnen können. Musiker tauchten aus den Schatten auf, als sich Tänzer erhoben und sich faszinierend und unkonventionell bewegtenPort de BrasMuster. Nebel stieg aus den Schatten in die gedämpften Lichter auf (Lichtdesign von Tom Visser). Diese mysteriöse Atmosphäre war eher freudig und energisch als voller Angst. Körper- und Bodenpercussion zum Beispiel trugen zu einem fesselnden Rhythmus bei. Überaus athletische Bewegungsphrasen waren ebenso faszinierend.
Andere Momente im Tableau boten einen überzeugenden Kontrast zu dieser frenetischen, athletischen Bewegung. Ein malerischer Moment war zum Beispiel einer, in dem alle Tänzer knieten und einen Arm auf Schulterhöhe ausstreckten, während alle in diese Richtung schauten. Das allgemeine Niveau im Raum stieg an, als Tänzer ihre weißen Bretter hoben, um sie zu senken und wieder anzuheben. Sportlichere Leistungen zierten die Bühne, als Tänzer aufsprangen und hinter ihren Brettern verschwanden. Die Bedeutung vertiefte sich, als die Erzählung wieder begann. Der Sprecher identifizierte diese weißen Bretter als „Elfenbeinsockel“ und verwies darauf, wie Künstler auf diesen Sockeln gelebt und sich dahinter versteckt haben.
Boston Ballet in Alexander Ekmans 'Cacti'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Angesichts der rassistischen Spannungen in Amerika der letzten Zeit kann man nicht anders, als dies zu absorbieren. Dies ist ein Kommentar dazu, wie die Künste - im Zugang zu ihrer Schöpfung, Bildung und Zuschauerzahl - Teil dieses notwendigen Dialogs über Rassen sind. Doch alles wurde vermieden, um zu berauschend, ernst oder proselytisierend zu sein. 'Sie sind die Kakteen', versicherte der Erzähler mit vielen möglichen Interpretationen, ja, aber nur unerwartet und scheinbar unsinnig genug, um die Zuschauer zum Lachen zu bringen. Abgesehen davon war die Schönheit von Tänzern, die langsam gingen - wie in einer Laufmeditation, bei schlechten Lichtverhältnissen - atemberaubend. Die Tänzer verwendeten dann ihre „Elfenbeinsockel“, um etwas zu schaffen, das wie die Vorderseite eines Gebäudes aussah. Rennen als Konstruktion? Man kann also vermuten.
Trotzdem blieb alles unbeschwert genug, um die Zuschauer nicht in eine Diskussion über Rassen zu stürzen. Ausschlaggebend für diese Leichtigkeit war ein Duett mit zwei Tänzern, die anscheinend in der Probe waren. Mehr Voice-Over-Erzählungen boten ihren ironischen Dialog, während sie bestimmte Bewegungsphrasen durcharbeiteten. Die beiden Tänzer widerstanden und falteten sich so natürlich wie beim Gehen. Ihr Komfort bei der Partnerschaft hat dem Publikum wahrscheinlich geholfen, sich rundum wohl zu fühlen - bequem genug, um zu lachen. Von Belustigung über Ehrfurcht, Neugierde bis hin zu tieferem Denken kann Kunst alles bieten. Und Boston Ballet ist eine Kompanie, die die Offenheit und den künstlerischen Befehl besitzt, all diese Möglichkeiten zu erkunden. Es ist alles faires Spiel.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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