Bewertungen | April 2024

New England Balletttheater von Connecticut. Foto von Jeff Holcombe.

26. bis 28. September 2020.
Online unter onstagedanceco.com .

Eine bedeutungsvolle Sache an den Künsten ist, wie sie Menschen eine Stimme geben können, einen Raum, um sich auszudrücken und ihre Erfahrungen auszutauschen. Die Möglichkeit, seine Stimme hören zu lassen, ist auch ein Schlüssel zur Stärkung der Menschen. Beide OnStage Dance Dance Company (Malden, MA) und Nozama Dance Collective (Boston, MA) haben Menschen durch die Kunst des Tanzes als Schlüsselelement ihrer Mission befähigt - erstere als Raum für erwachsene Tänzer, um in anderen Karrieren aufzutreten, und letztere konzentrierten sich darauf, Frauen durch Tanz zu befähigen. Das Sich gegenseitig stärken Die Serie ist die Idee der beiden Unternehmen (OnStage unter der Regie von Jen Kuhnberg und Nozama von Gracie Baruzzi und Natalie Nelson-Schiera) und basiert auf der Überzeugung, dass die Zusammenarbeit alle Beteiligten befähigen und etwas wirklich Besonderes schaffen kann.

Durch die Anzahl der präsentierten Künstler ist es auch eine Plattform für viele Künstler, eine Stimme zu haben - alle vielfältig, alle einzigartig, alle auf ihre Weise etwas Besonderes wert. Baruzzi und Kuhnberg wollten nicht zulassen, dass eine globale Pandemie dieser wichtigen Arbeit im Wege steht. In der Tat, dieses Jahr Sich gegenseitig stärken (das zweite Jahr) könnte in diesem Jahr mehr Künstlern eine Stimme geben als die Serie in der Vergangenheit hat. Darüber hinaus bot ein virtuelles Videoformat Platz für ein kurzes Video von jedem Choreografen vor seinem Stück, in dem sie ein wenig über sich selbst und die Arbeit, die wir sehen werden, austauschen konnten - und wir konnten ihre Stimme buchstäblich hören.

sonnenverwöhnte Höhe

Allo Movement Projects Nicht zu schätzen: V4 , aufgeführt von Allison Rebecca Penn und mit Videografie von Jesse Pierce, belegt den dritten Platz in der virtuellen Show. Tänzer bewegen sich an verschiedenen Orten im Freien, ein Gefühl der Einsamkeit, wenn sie alleine tanzen. Ist es Einsamkeit oder Einsamkeit? Das bleibt eine offene und faszinierende Frage. Penn, der in diesen Räumen tanzt, verleiht der Arbeit zusammen mit ihrer Fußgängerkleidung ein alltägliches Gefühl. Sich tief im Raum zu bewegen, fügt ein Gefühl der Schwere hinzu, als würde sie sich mit schwerem Herzen bewegen. Evokative Momente, in denen Passanten durchziehen und sie nicht anerkennen, tragen zum Gefühl der Einsamkeit bei.

Die Partitur, ein gefühlvoller R & B-Song, trägt zu diesem Gefühl bei. Der Sprecher des Liedes scheint viel Verwirrung zu empfinden und ist auch allein in diesem mentalen Raum. Die Energie der Bewegung - manchmal hektisch (daher diese Verwirrung), aber immer noch gewichtig - scheint mit all dem übereinzustimmen. In einer Zeit, in der wir die, die wir lieben, nicht immer umarmen können und die Unsicherheit schwer in der Luft liegt, fühlt sich die Arbeit relevant und nachvollziehbar an. Wenn wir unsere Erfahrung wie manchmal in der Kunst wiedergeben, können wir sie auf neue Weise sehen. Was kann von dort aus passieren? Nur die Zeit kann es zeigen.

Dana Alsamsam Muttersprache (n kommt als nächstes. Alsamsam erklärt, wie die Arbeit unsere Beziehungen zu unseren Müttern kommentiert und welche Auswirkungen sie während unseres gesamten Lebens auf uns haben. Fünf Tänzer bewegen sich durch verschiedene Ebenen, Formen klarer Geometrie und Orte im Raum relativ zueinander. Sie beginnen mit vier Tänzern, die in einer Art seitlichem Ausfallschritt knien und sich mit breiten Armen in ihre Beine lehnen. Es ist eine faszinierende Form, die durch das Stück zurückkehrt. Ein Tänzer tanzt auch im Weltraum über ihnen. Diese Hierarchie durch Platzierung bleibt nicht, dass sich Tänzer während der gesamten Arbeit auf alle Arten in Bezug zueinander bewegen. Sie weben ineinander und auseinander heraus, als ob sie unter Spannung stehen, selbst wenn sie koexistieren. Die Partitur ist eindringlich, eine einsame Stimme, die lange, leise Töne erzeugt, während andere Stimmen Vokabeln machen, die stakkatoer und rasender sind. Kastanienbraune und schwarze Kostüme in sauberen, einfachen Schnitten unterstützen die Stimmung des Stücks und tragen zu einer ansprechenden ästhetischen Organisation bei.

'Sprechen' von Shae Forest. Foto von Paul Bloomfield.

Ich stelle mir vor, dass diese lange Stakkato-Stimme die einer Mutter in der eigenen Psyche ist, ob bewusst oder unbewusst, während sie gleichzeitig eine Kakophonie anderer Stimmen in der umgebenden Welt hört. Das Ein- und Ausweben durch den Raum fühlt sich an wie diese Stimmen und diese Einflüsse, die sich treffen und eine Art Toleranz für einander finden. Die Vielfalt, die sich aus all diesen Wegen durch den Raum ergibt, fühlt sich ähnlich an wie die Vielfalt, die aus dieser Kakophonie von Stimmen resultiert, die sich auf uns auswirken können. Trotzdem bleibt die Stimme der Mutter. Zum Schluss sitzt ein Tänzer sitzend vor den vier anderen Tänzern - die Umkehrung der Struktur zu Beginn der Arbeit. Ich denke über all die verschiedenen Arten nach, wie das Hören der Stimme unserer Mutter uns beeinflussen kann, und über all die verschiedenen Situationen, in denen wir uns befinden, in denen wir sie hören.

Shae Forest Sprechen untersucht, wie Tanz als Sprache fungieren kann und welche Bedeutung dies für die Kommunikation in der Gesellschaft hat, teilt sie in ihrem einleitenden Ausschnitt mit. Leider ist dies kein Thema, das für eine breitere Gesellschaft im Vordergrund steht, denkt ein vielleicht zynischer Teil von mir. Dennoch kann jeder die ästhetischen Angebote dieses Stücks schätzen. Die Tänzer, die elegant geschnittene, cremefarbene Trikotkleider tragen, bewegen sich mit unglaublicher Leichtigkeit durch ein sehr technisches und herausforderndes Bewegungsvokabular. Sie bewegen sich mit Leidenschaft und Engagement durch diese herausfordernde Arbeit, so dass sie sich ausdrucksstark und bedeutungsvoll anfühlt und nicht nur Bewegungstricks um ihrer selbst willen.

Die abgedunkelte Beleuchtung und die sensationelle Instrumentalpartitur sorgen für Drama und Ausdruck. Forest strukturierte auch geschickt Gruppierungen in der Arbeit, so dass Tänzer kommen und gehen und Gruppen sich genug verändern, um faszinierend zu sein, aber nicht so sehr, dass sie das Gefühl haben, dass diese Veränderungen zu schnell kommen - diese Verschiebungen repräsentieren vielleicht eine Art eigene Kommunikation. Manchmal hat Kunst eine allgemein zugängliche Bedeutung, manchmal ist sie ästhetisch ansprechend oder einprägsam, und manchmal hat sie beides. Keine dieser Optionen ist von Natur aus falsch. Sie sind alle etwas wert.

Rachel Linskys Auswahl ist eine denkwürdige und zum Nachdenken anregende Arbeit. Wichtige Bedeutung trifft auf technische Kompetenz, und das Ergebnis ist wirklich spannend. In ihrem Pre-Performance-Snippet erklärt Linsky, dass das Stück den Prozess der „Auswahl“ untersucht, durch den die Nazis diejenigen, die arbeitsfähig sind, und diejenigen, die sofort getötet würden, wenn sie jüdische Gefangene in Konzentrationslager bringen, voneinander trennen. Familien wurden durch diesen Prozess auseinandergerissen, teilt Linsky mit, der im Laufe der Geschichte ein weit verbreitetes Werkzeug der Unterdrücker der Unterdrückten war. Außerhalb des Holocaust-Museums in Boston bilden die Tänzer gerade Linien - in unheimlicher Ausrichtung mit jüdischen Gefangenen bei der Ankunft am Ort ihres (wahrscheinlichen) Todes. Rauch steigt auf, ein weiterer erschreckender Hinweis hier.

Rachel Linskys 'Auswahl'. Foto von Lisa Link.

Sie bewegen sich (innerhalb dieser Linien) mit einem bestimmten Grad an gebundener Qualität, beugen sich seitlich und rollen durch die Schultern, um sich nach vorne zu krümmen - was Verkürzung und mangelnde Autonomie verkörpert. Sie unterstützen diesen Sinn und den Wunsch, der Verengung zu entkommen, während sie dazu nicht in der Lage sind. Sie greifen in den Himmel, fallen aber zu anderen Zeiten in einem tiefen Ausfallschritt auf den Boden oder direkt darüber. Die Tänzer tragen offensichtlich wegen COVID Masken, aber es erinnert mich auch an eine Krankheit - wie die, bei der sechs Millionen Juden und sechs Millionen andere als Bedrohung für die Macht der Nazis getötet wurden. Während sie sich bewegen, blinken Zahlen vor den Tänzern, die die Identifikationsnummern der KZ-Häftlinge darstellen. Das Gewicht dieses historischen Traumas, dieses Schmerz in der Geschichte, trifft mich auf einer sehr viszeralen Ebene.

Das wirklich Erschreckende hier ist jedoch nicht das Gewicht der Vergangenheit für sich - es ist die Vergangenheit, die sich mit den heutigen Dingen reimt. Gegen Ende hören wir unter den Stimmen anderer Überlebender des Konzentrationslagers, wie Bernard Marks den Sheriff und den amtierenden ICE-Direktor in einem Rathaus in Sacramento, Kalifornien, konfrontiert. Er spricht mit Offenheit und Wildheit und zieht Parallelen dazu, wie er in den Konzentrationslagern von seiner Familie getrennt wurde und wie dies heute in Migrantenhaftanstalten hier in den USA geschieht. Ich nehme mir einen Moment feierlichen Nachdenkens, nachdem ich mir das Werk angesehen habe, und schwöre, niemals zu vergessen und niemals Hass zu entschuldigen. Werke wie das von Linsky mit ästhetischem Kommando und einer wirklich starken Bedeutung können diese Wirkung haben.

Bald jedoch bieten Ballerinas vom New England Ballet Theatre in Connecticut etwas viel Leichteres und Freudigeres. Sanfte Klaviermusik begleitet ihre sprudelnde balletische Bewegung durch verschiedene Orte im Freien - sie springt groß an einem See entlang, stürzt und gestikuliert mit den Armen auf die Stufen eines klassischen Hauses und dreht sich auf einer Veranda. Zeitlupeneffekte verbessern das Gefühl der Freiheit im Flug, und Filter sorgen für eine visuelle Harmonie, die wirklich angenehm ist. Es fühlt sich alles wie eine Flucht aus der Realität von COVID an. Die Tänzer tragen nicht einmal Masken (was ich gut finde, weil sie sich nicht besonders nahe kommen, wenn sie im selben Schuss tanzen). Die Ruhe und Freude der Arbeit, ganz zu schweigen von der Geräumigkeit und Freiheit, mit der sich die Ballerinas bewegen, fühlt sich in dieser Zeit wie eine Medizin für die Seele an (oder könnte es jederzeit sein) .

Doch die Arbeit ist gegen Ende nicht ganz ohne emotionale oder konzeptionelle Reichweite. Tänzer machen Kratzbewegungen an den Seiten eines Gebäudes - abgesehen von der Schönheit, die eine Reichweite und Sehnsucht nach Unerforschten und Unerforschten vermittelt (trotz aller Räume, die sie haben) in der Arbeit angetroffen haben). Egal was wir finden und erleben, es gibt immer etwas außerhalb davon. Das New England Ballet Theatre in Connecticut hat eine Stimme, die uns all dies bringen könnte, so wie andere Stimmen durch ihre Stimme eigene Geschenke anboten. Brava an OnStage Dance Company und Nozama Dance Collective für die Schaffung des Raums für all diese Stimmen.

Von Kathryn Boland von Tanz informiert.