Eran Bugge, Robert Kleinendorst und Laura Halzack in 'Airs'. Foto von Paul B. Goode. David H. Koch Theater, New York, NY.
7. November 2019.
Als sich die Menschen weiterentwickelten, bewegten sie sich zusammen, um die Geister zu preisen - diejenigen, die Gesundheit und Krankheit, viel oder Mangel, gutes oder katastrophales Wetter brachten. Kurz bevor sich die formalisierte Religion im Laufe der Geschichte weiterentwickelte, gingen wir weiter, um auszudrücken, zu protestieren, Dankbarkeit zu zeigen und vieles mehr. Wir fanden bewusst oder bewusst die Kraft der Bewegung, um unsere Spiritualität auszudrücken - genau den Geist, der in unseren Knochen, Muskeln und Sehnen liegt. Als ich das Programm von Paul Taylor American Modern Dance im Lincoln Center sah, dachte ich über diese Spiritualität in der Bewegung nach. Es war etwas Transzendentes und sogar Göttliches daran, wie sich das Unternehmen zusammen und auseinander bewegte. Einige Werke erzählten eine direktere menschliche Erzählung als andere, doch alle Werke spiegelten unsere Fähigkeit wider, sich zu erheben, höher zu gelangen und sich in Richtung Harmonie zu bewegen.
Tanzkurs für besondere Bedürfnisse
Das Programm wurde mit Paul Taylors eröffnet Airs , eine Arbeit, bei der ich mich friedlich und beruhigt fühlte. Ein ruhiges Gefühl war von Anfang an vorhanden. Blues in Licht (von Jennifer Tipton) und Kostümen (von Gene Moore) ließen mich leichter atmen. Formationen waren geometrisch und gleichmäßig. Die Bewegung klassischer Linien und eine reibungslose Freigabe brachten ästhetische Harmonie. Die Partitur, Werke von Händel, bot einen ruhigen, aber nuancierten und faszinierenden Hörrahmen für diese Elemente. Ein Motiv von Armen, die sich in einer „V“ -Form erstrecken, erzeugte das Gefühl, bis zum Himmel zu reichen, und spiegelte krummlinige Formen in der Natur wider. Diese Form kam in virtuosen Sprüngen. Sprünge und Beinarbeit - bringen neue Bewegungsmöglichkeiten in Kombination mit einem beruhigenden, erdenden Element.
Eran Bugge in 'Airs'. Foto von Paul B. Goode.
Tänzer neigten ihren Oberkörper zur Seite und stapelten ihre Wirbelsäule nach dem Drehen auf eine andere Seite der Bühne. Sie wiederholten dieses Bewegungsvokabular zu einem neuen Gesicht, fügten neue Nuancen hinzu und verstärkten die Qualität des Vertrauten mit dem Frischen und Neuen. Die virtuose Bewegung hatte eine Weichheit, die diese scheinbar übermenschlichen Techniker vor uns auf der Bühne menschlicher erscheinen ließ. Obwohl die Arbeit größtenteils nicht narrativ war, humanisierten kleine theatralische und humorvolle Momente die Tänzer weiter. Es fühlte sich alles verdaulich und zugänglich an, selbst wenn Bewegung Komplexität mit sich brachte, die die vielfältige Natur des menschlichen Geistes widerspiegelte.
Vielfältig und doch zugänglich war auch, wie sich Bewegung auf die Musik bezog - manchmal in Übereinstimmung, manchmal in Opposition. Ein denkwürdiges Beispiel für Letzteres war das Triplettieren von Tänzern (ein Muster aus drei Schritten, wechselnden Pegeln und Rhythmen), das die Geschwindigkeit der Musik, die die Bewegung begleitet, verdoppelt, während sie sich zu anderen Zeiten mit der gleichen Geschwindigkeit der Musik bewegten. Diese Unterschiede im Verhältnis von Musik und Bewegung während des gesamten Werks stellten eine herausfordernde Musikalität dar, die von den Tänzern jedoch ohne erkennbare Mängel ausgeführt wurde. Zum Schluss bildeten die Tänzer im Mittelpunkt eine verklumpte Formation und blickten mit klarer Überzeugung und Furchtlosigkeit nach vorne. Sie schienen eine Stärke zu behaupten, die in ihrer Einheit lag - stark allein, aber harmonisch viel stärker zusammen.
Die zweite Arbeit, die von Margie Gilis Umbau (2019) brachte eine bemerkenswerte Veränderung in Stimmung, Atmosphäre und Ästhetik. Tänzer traten ein und gingen langsam in Reihen, was ein Gefühl von Gleichheit und Routinisierung hervorrief. Die Beleuchtung in Erdtönen war gering (auch von Tipton). Die Kostüme waren in verschiedenen Farben für verschiedene Tänzer, aber alle auch in Erdtönen (von Santo Loquasto). Tiefe Töne in der Musik sorgten in Kombination mit dieser routinierten Bewegung für eine düstere Stimmung. Einer nach dem anderen bewegten sich die Tänzer auf ihre eigene Art und Weise und brachen aus dieser eher geordneten unisono Bewegung aus - bis sie alle ihr eigenes Bewegungsvokabular tanzten. Diese Bewegung hatte eine Überzeugung, aber eine Leichtigkeit und Leichtigkeit, die man in Gruppenbewegungen nicht sieht.
Paul Taylor Dance Company in Margie Gillis ''Rewilding'. Foto von Whitney Browne.
Ich wunderte mich über das Gleichgewicht des Zusammenbewegens, aber als Individuen. Wie es auf dieser Welt nur allzu häufig vorkommt, hat diese Gruppe das nicht gefunden. Die Gruppe schloss sich wieder einem Kreisweg an und stellte ein Gefühl von Gleichheit und Monotonie wieder her. Es war, als ob diese Individuen Originalität suchen wollten, aber irgendwie gezwungen waren, mit der Gruppe mitzuwirken. Die Rückkehr zu Bewegungsmotiven von früher in der Arbeit sowie Wiederholungen solcher Auflösungen und Zusammenhänge verstärkten das Thema, zu den Aktionen und Modi der Gruppe zurückgedrängt zu werden. Soli und Duette brachten uns im Gegensatz zur Gruppensektion weiter in die individuelle Erfahrung. Sprünge über die Bühne zeigten Freiheit und Möglichkeit. Bald zitterten die Tänzer in einer Gruppensektion wie in extremer Aufregung, ein weiterer starker Kontrast. Gruppenkonformität brachte eindeutig keine Freude und Leichtigkeit.
Zum Schluss ließen sich die meisten in der Gruppe in einer Formation nieder, doch ein Tänzer ging davon. Ich dachte über das Einzel- und Gruppenbewusstsein nach und über die Spannung, die zwischen diesen beiden Dingen entstehen kann. „Wir müssen die Technologie nicht aufgeben, sondern sie mit Erfahrungsweisheit verweben. Die Art und Weise, wie wir leben, neu zu gestalten “, heißt es in den Programmnotizen. Wir dürfen die Verbindungen, die die Technologie bietet, nicht aufgeben, sondern auch zu unserer eigenen inneren Weisheit zurückkehren, war die Botschaft, die ich in der Arbeit gefunden habe, die mit mir in Resonanz stand. Es schien mir, dass diese Botschaft die menschliche Spiritualität ansprach, die die Arbeit in Bewegung und Design angemessen ausdrückte.
Schwarzer Dienstag schloss das Programm, das von Taylor choreografiert und 2019 uraufgeführt wurde. Der Titel bezieht sich auf den Tag im Jahr 1929, an dem der Aktienmarkt so stark zusammenbrach, dass die Weltwirtschaftskrise der 1930er Jahre begann. Diese Besonderheit würde sich durch die Arbeit fortsetzen, atmosphärisch und in der Theatralik der Bewegung. Es war jedoch auch universell, zeitlos zu Aspekten des menschlichen Zustands zu sprechen - einer eigenen Spiritualität. Zu Beginn der Arbeiten füllte eine Skyline der Stadt die Kulisse und wurde schwach beleuchtet, um die Atmosphäre des städtischen Nachtlebens zu schaffen (von Loquasto entworfenes Set). Eine Gruppe zog zusammen, gekleidet in Kleidung der 1920er Jahre - einfach, aber detailliert genug, um uns in eine Welt der 1920er Jahre zu entführen (Kostüme, die ebenfalls von Loquasto entworfen wurden). Klassische Jazzmusik prägte und färbte diese Welt weiter. Ich war dabei.
Laura Halzack und George Smallwood in 'Black Tuesday'. Foto von Paul B. Goode.
Dort bewegten sich die Tänzer in diesen Gruppen mit formaler Klarheit, aber auch mit dem Gefühl der Leichtigkeit und des Spaßes, das man in alten Jazzclubs findet. Gesten bauten ein Gefühl der Verspieltheit auf. In der typischen Taylor-Bewegungssprache wurden klassische Linien und Spritzer Virtuosität gemildert und gelockert, um sich geerdeter und menschlicher zu fühlen. Es fühlte sich alles angenehm authentisch an. Duette und Soli konzentrierten uns bald von der kollektiven Erfahrung auf die des Einzelnen. Größere Gruppen und eine Gruppe von Duetten brachten uns zurück zu kollektiven Erfahrungen - und doch mit dieser individuelleren Erfahrung, die ich noch im Auge habe. Die klassische Jazzclub-Atmosphäre blieb erhalten.
Formationen und Verschiebungen zu neuen Formationen nahmen ebenfalls zusätzliche Komplexität an. Eine Nachdenklichkeit und Intentionalität des Bildes hielt alles verdaulich und befriedigend. Zum Beispiel öffnete sich ein Kreis zu einer großen Pyramide. Der Flugbogen in Aufzügen spiegelte eine Sternschnuppe wider, die sich mit den Sternen verband, die den Hintergrund füllten - einer, der einen Nachthimmel darstellt. Ich dachte an diese klassischen Synchronschwimmvideos, große Gruppen in sich bewegenden Formationen, die komplexe Bilder erzeugten, die irgendwie immer noch klar und beeindruckend blieben. In einem anderen Hinweis auf einen alternativen Bewegungsstil spiegelte eine Kickline Präzisionstanz wider. Ein denkwürdiges Solo gegen Ende vermittelte das Pathos, in der wirtschaftlichen Not der 1920er Jahre zu leben, ohne jedoch überfordert zu sein.
Der Solist bewegte sich kraftvoll durch verschiedene Ebenen und Orte auf der Bühne und gestikulierte mit Überzeugung und authentischer Emotion, während die ihn begleitende Musik „Bruder, kannst du einen Cent sparen?“ Aussprach. Das Lied erzählte poetisch eine herzzerreißende Geschichte von Reichtum zu Lumpen, die in dieser Welt immer wieder vorkommt und der Bühnenaktion ein zeitloses Element hinzufügt. Einzigartige und ansprechende Bewegung, faszinierende Konzepte, geschicktes Design - das Programm bot alles, um die Spiritualität und sogar die göttliche Natur in der Bewegung des menschlichen Körpers zu demonstrieren. Ab Ende August 2018 Paul Taylor war nicht mehr bei uns . Es scheint jedoch, dass das Unternehmen, das er unter dem neuen künstlerischen Leiter Michael Novak gegründet hat, sein Erbe und seine Mission weiterführen wird - während er zufrieden und stolz lächelt.
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Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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