Boston Ballett in Jorma Elos 'Bach Cello Suites'. Foto von Rosalie O'Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
10. März 2018.
Eine bemerkenswerte Sache am Tanz kann sein, wie manche Dinge optische Täuschung sind und manche Dinge tatsächlich physisch mit Körpern im Raum geschehen. Das geistige Auge verbindet Bewegungen und Formationen mit Handlungen und Bildern, die wir aus dem Leben kennen. Zu anderen Zeiten sind wir beeindruckt, wie real - egal wie schwierig - Tänzer sein können und fühlen können. Zusammen mit der herausragenden Verwendung von Sound / Musik, Beleuchtung, Kostümen und Struktur war all dies die dreiteilige Rechnung des Boston Ballet Teile in der Suite.
Boston Ballet in Jorma Elos 'Bach Cello Suites'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Die Nacht zu eröffnen war Bach Cellosuiten, eine Weltpremiere der Resident Choreographer Jorma Elo. Ein minimalistisches Gefühl war sofort spürbar, als ein Cellist links oben auf der Bühne spielte und ein großes geometrisches Versatzstück darüber hing. Ein Solist trat ein, um sich stetig weiteren Tänzern anzuschließen. Zu den anmutigen und dennoch starken Partnern gehörten Motive wie Tänzer, die mit Füßen und Beinen über den Boden streiften, um dann höher gehoben zu werden.
hat mandelmilch phosphor
Andere Bewegungen lenkten sich ähnlich vom klassischen Mandat ab, wie zum Beispiel mit schrulligen Erschütterungen und Zuckungen. Zusammen mit dieser Qualität gab es geringe Verlängerungen und einzelne statt mehrerer Pirouetten. Elo hat nicht immer auf 100 Prozent gedrängt, was bedeutet, dass 100 Prozent mehr bedeuten, wenn es darum geht. Alle diese choreografischen Entscheidungen schienen im Einklang mit der Musik zu stehen, wenn die Noten in Bewegung gerieten, würden sie das sein, was auf der Bühne stand. Die Tänzer verkörperten diese metaphorische Illusion, die sie auch so greifbar realisierten.
Lichtveränderungen (von Designer John Cuff) und die Bewegung dieses Overhead-Versatzstücks (sich kreuzende Metalllinien, szenisches Design des künstlerischen Leiters des Boston Ballet, Mikko Nissinen) weckten auch mein visuelles Interesse. Ballerinas trugen schwarze Trikots und weiße Strumpfhosen, und Tänzer trugen alle schwarz. Dieser ästhetische Minimalismus bot eine Struktur, mit der die tiefere Komplexität der Bewegung besser erfasst und gewürdigt werden konnte. Canon könnte sich überbeansprucht fühlen, aber vielleicht war diese häufige Verwendung eine absichtliche Widerspiegelung des sich wiederholenden, meditativen Gefühls der Musik.
Engel Sara
Zum Schluss standen zwei Tänzer senkrecht zueinander - einer in der Mitte der Bühne, der andere rechts unten auf der Bühne. Sie schauten nach außen und nicht aufeinander. Die Vorhänge fielen. Dieses Ende könnte als existenziell düster interpretiert werden - eine Darstellung der Isolation in unserem eigenen Bewusstsein. In einer hoffnungsvolleren Einstellung blickten die Tänzer trotz dieser Isolation mutig in die Zukunft, im Geiste eines schroffen Individualismus. Wie sowohl in optischen Täuschungen als auch in der Realität kann die Wahrnehmung, die wir zur Interpretation bringen, den Unterschied ausmachen.
Lawrence Rines und Boston Ballet in Justin Pecks 'In Creases'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
In einem ziemlichen Stilwechsel das zweite Stück - Justin Pecks Erhöht sich begann mit einem wahren Knall. Die Lichter waren hell und golden, die Musik raste und die Tänzer führten flotte Choreografien durch. In ähnlicher Weise wie im vorherigen Stück lieferten zwei Klavierspieler an einem zweiseitigen, gigantischen Klavier eine Live-Partitur. Es gab schnell ein Gefühl der Ordnung gegenüber dem Chaos. Klare Kreise lösten sich in undefinierbare Formen auf, zurück zu einem Kreis und zurück zum Auflösen. Jazzige Bewegungen wie parallele Kurven tauchten auf. In einem Satz stellten die Tänzer L-förmige Arme im Jazz-Stil her, wobei sie einen Teil des L hervorhoben, der sich nach außen und dann den anderen erstreckte, während sie in einem tiefen Plié in einer geneigten Linienformation gingen.
John Molner Alter
Andere Phrasen waren offener klassisch - sich kreuzende Linien, in denen Ballerinas in einer Linie strahltendurch eine Reihe von Tänzerinnen, damit sie reisenklein allegrotritt durch die Ballerinas, um dann die Ballerinas zu habensprang hochundgeworfener Turmdurch die Tänzer. Innerhalb dieses klassischen Vokabulars befand sich weniger konventionelle Formationsformung, die zwingende visuelle Illusionen erzeugte. Als eine schlossen sie sich an den Händen und drehten sich in einer Linie aus einem Kreis. Gleichzeitig wurde ein Solist solideausgepeitschtDrehungen, die die Illusion erzeugen, dass ihre Drehungen das Auflösen des Kreises verursachten.
Als andere wurde dieselbe Solistin als Partnerin eingesetzt, um sich mit einem ausgestreckten Bein nach vorne zu drehen. Die Tänzer kreisten in einem Kreis unter ihren Händen und senkten ihre Arme, damit sich ihr Bein ungehindert weiter drehen konnte. Die Tänzer im Kreis koordinierten das Timing so, dass es den Anschein hatte, als würde das Bein des sich drehenden Tänzers auf natürliche Weise die Wellenbewegung des Absenkens der Arme im Kreis vorantreiben, genauso natürlich wie die Schwerkraft ein Objekt zum Fallen bringt. In dieser Hinsicht war das Stück am angenehmsten und erfolgreichsten.
Die Kombination ästhetischer Elemente war weniger erfolgreich. Blaue und weiße Kostüme und helles Licht boten eine friedliche, elegante Atmosphäre, die nicht mit dem angespannten, fast aggressiven Gefühl von Musik und Bewegung übereinstimmte. Vielleicht war diese Gegenüberstellung beabsichtigt, als postmoderner Trotz der Notwendigkeit, Harmonie in solchen Elementen zu schaffen. Es scheint, als könne Peck auch von viel Elo lernen, wie wichtig es ist, sich manchmal von der vollen Virtuosität zurückzuhalten, so dass es mehr bedeuten kann, wenn es vorhanden ist. Trotzdem brachte das Ende ein hoffnungsvolles Gefühl des Fortschritts mit sich. Tänzer gingen mit hoch erhobenem Kinn davon, während sie stolz und aufmerksam nach außen blickten.
John Lam Misa Kuranaga und Isaac Akiba in William Forsythes 'Pas / Parts 2018'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Als der Vorhang für das dritte Stück aufging, William Forsythes Pas / Teile 2018 Ich verstand plötzlich, warum die Pause länger war. Das Set war eine einzigartige, beeindruckende Struktur aus zwei fast deckenhohen weißen Wänden. Ein Solo von Chyrstyn Fentroy eröffnete das Werk. Sie bewegte sich mit einer elastischen Qualität - biegsam, aber unerschütterlich stark und mit nuancierter Dehnung in der Zeit ihrer Bewegung. Ein weiterer schnell wahrnehmbarer ästhetischer Effekt war ihr zweifarbiger Trikotanzug - hinten und vorne in einer anderen Farbe -, so dass beim Drehen ein auffälliger Kaleidoskopeffekt auftrat.
Dieser Effekt setzte sich während des gesamten Stücks fort, wobei jede Ballerina in einem ähnlich zweifarbigen Trikot getragen wurde. Forsythe hätte diesen Kaleidoskop-Effekt mit mehreren Umdrehungen weiter vorantreiben können. Dies könnte sich jedoch unpassend mit der Bewegung des Stücks angefühlt haben. Obwohl diese Bewegung eine technische Basis hatte, ist sie am besten durch Onamonapeia gekennzeichnet: Pop-Pang-Pow, Swish-Swoop-Swipe! Eine Bewegung floss in die nächste, so dass die technische Basis weniger aussagekräftig wurde, ein Mittel zu einem schönen Zweck.
Andere Bewegungen waren langsamer und definierter, insbesondere (und möglicherweise notwendigerweise) Aufzüge und Effekte in ihnen. In einem besonders denkwürdigen Lift hoben zwei Tänzer eine Ballerina unter ihre Achselhöhlen, als sie ihre Beine mit einer Scherenbewegung öffnete und schloss, gefolgt von kleineren Schaltern ihrer Beine, als das Trio die Inszenierung verließ. All dies geschah durch verschiedene Soli, Duette, Trios, Ensemble-Sektionen und verschiedene andere Gruppierungen. Ich war ermutigt zu sehen, dass jeder Tänzer im Programm für seine / ihre Sektion gutgeschrieben wurde (obwohl es ziemlich schwierig sein könnte, im dunklen Theater mitzumachen).
schrott deleon mama
Ein weiterer denkwürdiger Moment war, dass das gesamte Ensemble plötzlich innehielt, als sich ein Solist in der Mitte der Bühne umdrehte und durch komplexe Beinarbeit sickerte. Die qualitative Verschiebung von der vorherigen Ensemble-Sektion, von diesem Wechsel von vielen zu einem Tanz, war wirklich faszinierend. Faszinierend war auch das futuristische Gesamtgefühl der Arbeit.
Gleichzeitig war elektronische Musik die Partitur des Stücks, was im Ballett sicherlich nicht typisch ist. Forsythe hat keine Angst, diese Grenzen zu überschreiten. Ich bin so froh, dass er es nicht ist. Es sind Schöpfer wie er in jeder Kunstform, die die Kunst vorantreiben. Übrigens sind Elo und Peck in dieser Kategorie bei ihm. Mehr oder weniger erfolgreich, haben sie keine Angst davor, das darzulegen, was sie hervorbringen müssen - in der Kunstfertigkeit und der sehr realen Natur dessen, was auf der Bühne geschieht.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
für dich empfohlen
