Brooklyn Ballett. Das Actors Fund Theatre, Brooklyn, NY.
13. Februar 2020.
In dieser post-postmodernen Zeit werden sowohl die Moderne als auch die Klassik gefeiert und kritisiert. Alle Stile und Qualitäten sind ein faires Spiel zum Erkunden. Die Konventionen und Werte, die klassische und moderne Werke offenbaren - ob sie zusammen oder getrennt präsentiert werden - sprechen Themen wie Repräsentation, Privilegien und Macht an. Wir können sehen, wie sich unsere Kultur verändert und weiterentwickelt hat und wie sie sich nicht verändert hat. Brooklyn Ballet Revisionistische Geschichte II sprach kühn auf diese Weise, durch Konzept und andere kreative Entscheidungen.
marcia suzanne lawler
Eine Neuinszenierung der Ikone Nicht vier zeigte vier farbige Frauen (Paunika Jones, Miku Kawaruma, Christine Emi Sawyer und Courtney Cochran), eine kraftvolle Aussage über Repräsentation und Rasse in der Ballettwelt und darüber hinaus. Darauf folgte ein Quartett mit vier farbigen Männern, die verschiedene Hip-Hop-Stile tanzten - ungefähr so verschieden von der ursprünglichen romantischen Ballettarbeit, wie man sie nur in derselben Struktur bekommen konnte. Die Nacht endete mit Überschneidung , ein Werk, das sich mit dem modernen städtischen Zustand ständiger Bewegung und dem Mangel an wahrer Gemeinschaft befasst - zeitgenössisches Ballett mit einer soliden klassischen Basis.
Nicht vier begann in diesem archetypischen Tableau - Ebenen, Blicke und Port de Bras, die wunderbar für ästhetische Harmonie sowie ein Gleichgewicht zwischen Verbindung und Einsamkeit für jeden Tänzer geschaffen wurden. Der engagierte Fokus der Tänzer war sofort klar. Ihre Kostüme hatten das gleiche Thema (in Farbe, Designstil, Material), aber jeder Tänzer trug etwas anderes - was jedem ein konkretes Zeichen von Individualität verlieh.
Sie bewegten sich durch Solo-, Duett- und Gruppenabschnitte und boten alle ihre eigene Bewegungsqualität und Ästhetik. Ein Tänzer war besonders sanft und klar. Einer kam mit einem Gefühl von konzentriertem, akzentuiertem Angriff. Ein anderer hatte ein irgendwie weiches Gefühl der Bodenhaftung. Noch eine andere hatte eine ausgesprochen fröhliche, schüchterne Präsenz und eine lebhafte Bewegung.
Es gab mehrere Abwechslungen, und ich fragte mich, ob die Choreografie hätte geändert werden können, um dies zu verhindern. Es hat die schöne klassische Choreografie und die unerschütterliche Präsenz der vier Tänzer beeinträchtigt. Auf der anderen Seite lag es vielleicht an den Bedingungen des Veranstaltungsortes - wie einem rutschigen Boden oder einer Beleuchtung, die das Erkennen erschwert.
Insgesamt boten die Tänzer jedoch kühne, wilde Individualität sowie harmonische Anmut. Sie waren voll auf ihre Gruppe und Partner eingestellt. Ich konnte ihre Spitzenschuhe über die Bühne hören. Die strenge technische Lehre besagt, dass Sie das nicht hören möchten, aber dieser Effekt bot eine weitere Hörschicht, die mir gefallen hat. Alle Formationen waren strukturell klar und optisch angenehm.
Die Arbeit endete zu Beginn in einem Tableau - die vier Frauen als ihre eigenen einzigartigen Geister, aber in freudiger, harmonischer Gemeinschaft miteinander. Ich habe über die Kraft der Bilder hier nachgedacht, vier Frauen in Farbe, die in einem ikonischen Werk tanzen, dieser ikonischen Natur, die speziell weiß ist. Ich fragte mich, welches farbige Kind - oder überhaupt welche farbige Person jeden Alters -, das zur Show kam, sich zum ersten Mal im Ballett sehen und sich inspirieren lassen könnte, selbst Ballerinas anzuziehen.
Quartett Es folgten Choreografien der Tänzer und Konzepte von Lynn Parkerson (künstlerischer Leiter des Brooklyn Ballet). Vier farbige Männer (Michael 'Big Mike' Fields, James 'J-Floats' Fable, Bobby 'Anime' Major, Ladell 'Mr. Ocean' Thomas) tanzten in einer ähnlichen Struktur wie Nicht vier - jede in ihrer eigenen Signatur unter dem größeren Dach der Hip-Hop-Bewegung. Man bewegte sich in einem „Biegestil“, bog und platzierte Gelenke auf eine Weise, die menschlich nicht möglich schien. Einer „knallte und schloss“, betonte mit Kraft und ließ dann los. Ein weiterer angespannter Muskel in Brust, Gesäß und Armen auf komödiantische Weise brachte das Publikum zum Lachen. Noch ein anderer hatte einen weicheren, lyrischeren Stil, der sanft winkte und mit den Beats durch seine Gelenke floss.
Interessant, Nicht vier übersetzt aus dem Französischen als Quartett . Sie begannen und endeten in einem Tableau mit verschiedenen Ebenen und Formen, genau wie das vorherige Stück. Als Variation von Abschnitten in Nicht vier Als die Tänzer in einem Kreis herumwirbelten und nach außen blickten, taten die Männer dasselbe, jedoch auf flachen Füßen und wechselten sich mit ihren Armen an den Ellbogen ab (was optisch und energetisch ansprechend war). . Die Musik begann und endete in der gleichen Partitur wie Nein Qu zu rte Doch zwischen „R & B“ und Hip-Hop-Melodien begleiteten die Tänzer.
Es gab auch humorvollere und theatralischere Momente in diesem Werk als im vorherigen Stück, was den zunehmenden Platz offener Theatralik im modernen, postmodernen und postmodernen Tanz unterstreicht. Doch wie im vorigen Stück wurden klassische und soziale Vorstellungen von Tanzkunst stark in Frage gestellt, indem eine unterhaltsame, gut gemachte Alternative angeboten wurde - abgesehen davon, dass sie sich in einer sehr ähnlichen Struktur befand.
Überschneidung Es folgte eine nachdenkliche und gut ausgearbeitete Arbeit über den modernen städtischen Zustand ständiger Bewegung und des Mangels an echter menschlicher Verbindung. Parkerson choreografierte diese Arbeit. Tänzer traten ein und aus und wechselten durch paarweise Abschnitte. Audio von Nachrichten aus dem MTA (New Yorks Transitsystem) klingelte durch das Theater. Die Tänzer trugen stilisierte Alltagskleidung, jede in einem etwas anderen Outfit (allerdings mit einigen ähnlichen Stücken und Mustern). All diese Entscheidungen und Qualitäten verschmolzen, um die Illustration von Menschen zu bilden, die sich geschäftig und schnell in einem städtischen Raum bewegen.
Die Frauen trugen Spitzenschuhe und tanzten eher im klassischen Stil, während die Männer eher im Hip-Hop-Stil tanzten. Parkerson forderte lineare Aspekte in beiden Bewegungsstilen, um eine überzeugende Partnerschaft zu schaffen - wie zum Beispiel ein Motiv von Männern, deren Arme gerade als Unterstützung ausgestreckt sind und deren Partner Arabesque hinter sich haben. Zu anderen Zeiten bewegten sie ihren Oberkörper durch Quadrate, die die Männer auch mit ihren Armen machten. Ein weiteres denkwürdiges Motiv waren Partner, die sich gegenüberstanden, und die Frauen, die sich zu voller Spitze und dann wieder zu flach zusammenrollten - einfach, aber sauber, faszinierend und unvergesslich.
Die Tänzer bewegten sich weiter durch verschiedene Formationen und Gruppierungen, wobei diese MTA-Intercom-Nachrichten zeitweise abgespielt wurden. Wenn dies nicht der Fall war, begleiteten Live-Cello (von Malcolm Parson) und Schlagzeug (von Killian Jack Venman) die Tänzer. Die resonanten Töne dieser Instrumente brachten ein Gefühl von etwas Tieferem unter die äußere Darstellung der Pendler im Trubel und die unzähligen sensorischen Reize, die für die in der Stadt lebenden Menschen beim Pendeln vorhanden sind.
Die Tänzer gingen einzeln und in Gruppen aus und die Lichter gingen aus. Die Arbeit endete, aber es hatte eine neue Vibration im Raum hinterlassen. Klassische und moderne Elemente in Bedeutung und Ästhetik hatten zusammen wirklich einen Eindruck hinterlassen. Wir können die Vergangenheit ehren, während wir daran arbeiten, ihre schädlichen Fehler zu korrigieren, so gut wir können. Kunst kann ein Ausgangspunkt sein.
jun sung ahn höhe
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
für dich empfohlen
