Aaron Carr, Morgan Lugo und Robbie Moore von LADP in Sibi Larbi Cherkaouis 'Harbour Me'. Foto von Laurent Philippe. Boch Center, Boston, Massachusetts.
20. Mai 2017.
Tanz ist offensichtlich eine Kunstform, die auf Bewegung basiert. Doch wenn Bewegung konstant ist, ist es wirklich Bewegung oder nur eine Norm - was ist immer, war und wird sein? Mit anderen Worten, Bewegung bedeutet mehr, wenn wir das andere Ende des Spektrums erleben - die Stille. In einem vielleicht größeren und metaphorischeren Sinne kann Bewegung im Tanz ein Greifen sein, um zu beweisen, zu erreichen und zu vermitteln. Stille kann sein, dass etwas so ist, wie es ist, und dass es für sich selbst spricht.
Die Zusammenstellung von drei Werken aus dem L.A. Dance Project, die in Boston im Rahmen der Celebrity Series gezeigt werden und derzeit landesweit auf Tour sind, zeigt diese Dynamik. Einige dieser Arbeiten bauen emotionalen Inhalt auf und zeigen die Schönheit des sich bewegenden menschlichen Körpers, indem sie Momente der Stille einbeziehen. In solchen Momenten sehen wir ein höheres Maß an Raffinesse. Einige dieser Werke beruhen auf der Kunst und Wahrheit, die sie sind, während andere sich bemühen, eine bestimmte Botschaft zu konstruieren und zu vermitteln.
LADP in Sibi Larbi Cherkaouis 'Harbour Me'. Foto von Rose Eichenbaum.
Die erste Arbeit, die von Sibi Larbi Cherkaoui Hafen mich, ist eher der erstere, mit dem Mut, Risiken einzugehen, aber einer scheinbaren Akzeptanz dessen, was das Stück als genug bieten kann. Das Stück beginnt mit Licht, das von rechts oben auf der Bühne hereinströmt und wie kalt durch Gefängnisstangen blockiert wird. Ein Solo mit sanften, sehnigen Bewegungen beginnt. Schatten tragen zur Intrige einer wunderschönen Erkundung subtiler Bewegungsmöglichkeiten bei. Ein weiterer Tänzer kommt hinzu, dann ein dritter. Zwei Tänzer treten aus und ein Solo von muskulöserer und sportlicherer Qualität beginnt.
Molly Ackermann Crosby
Weiter durch das Stück geht diese Drei-und-Eins-Strukturierung weiter. Mehr Duette könnten wertvolle choreografische Erkundungen bieten, da ungerade und gerade Gruppierungen bedeutende Unterschiede aufweisen können. Was die Bühne betritt, ist jedoch auffällig und bedeutungsvoll. Das dunkle Farbschema (Beleuchtung und Kostüme von Fabiani Piccioli) fügt weiterhin Schatten und Konturen des Lichts hinzu, die atemberaubend sein können. Bestimmte Momente der Partnerschaft sind ebenfalls unvergesslich und innovativ - beispielsweise eine Gewichtsverteilung, bei der drei Tänzer als ein Körper erscheinen, während drei Arme, die in drei verschiedenen Winkeln schwimmen, geschickt Löcher in die optische Täuschung stechen.
Eine Programmnotiz impliziert, dass das Stück darauf abzielt, die Herausforderungen und die innere Welt der Flüchtlinge sowie die Gesamtsituation ihres Staates in der Welt zu veranschaulichen - sicherlich ein relevanter und zeitgemäßer Schwerpunkt im Jahr 2017. Die buchstäbliche Dunkelheit des Stücks sowie Die choreografische Strukturierung sowohl des gemeinsamen Gewichts als auch der Trennungsabschnitte zeigt, dass wir auch ohne vollständige Beleuchtung des anderen noch Unterstützung anbieten können. Unsere Ähnlichkeiten können die Dunkelheit überwältigen, die unsere Unterschiede betonen könnte.
Das nächste Stück, Justin Pecks Mordballaden zielt auch darauf ab, eine bestimmte Situation und ein bestimmtes Thema darzustellen (wenn nicht eine offene Botschaft). Dies geschieht jedoch expliziter, beispielsweise mit einer Programmnotiz, in der die Entstehung des Stücks und der kulturelle Hintergrund an seiner Wurzel erläutert werden. Die Behauptung ist, dass im Zentrum der Massenerschießungen in Amerika eine Kultur steht, die auf Gewalt basiert und auf Volkslieder über Mord zurückgeht.
L.A.-Tanzprojekt in Justin Pecks 'Murder Ballades'. Foto von Laurent Philippe.
Die Kostüme gehören zum amerikanischen Alltag, und einige Ihrer typischen Teenager (wie kurze Röcke und abgeschnittene Ärmel) scheinen sich auf Schießereien in der Schule zu beziehen. Häufige unisono Abschnitte spiegeln auch den Wunsch von Teenagern wider, sich in die Gruppe einzufügen. Einige Abschnitte der Choreografie wirken aggressiv, während andere Unterstützung zu zeigen scheinen. In diesen Implikationen ist das Stück weniger erfolgreich darin, seine Wahrheit zu vermitteln, als es das erste war, das weniger zu bedeuten scheint, während es direkt mehr sagt.
Die Arbeit bietet jedoch Momente schöner und gut gemachter Bewegung. In einer Phrase lehnt sich beispielsweise ein Tänzer an einen anderen. Der Tänzer, der Unterstützung erhält, hebt einen gebeugten Fuß auf 45 Grad an und derjenige, der ihn gibt, pliés in das gegenüberliegende Bein. Dieser Satz nimmt durch nachfolgende Wiederholungen leicht unterschiedliche Farbtöne an. Die Bewegung ist auch am sinnvollsten, wenn sie ein Gefühl der Nachhaltigkeit annimmt, eine teigige Ausdehnung. Die Tänzer bekennen sich wirklich zu solchen Bewegungsqualitäten, die die Choreografie fordert.
Die Arbeit hat den Rohstoff weiteren Potenzials, ein großartiger Kandidat für Workshopping und andere Verfeinerungsprozesse. In Wirklichkeit trifft dies bis zu einem gewissen Grad auf jedes Kunstwerk zu. Die dritte und letzte Arbeit, Auf der anderen Seite , von Artistic Director Benjamin Millepied, erscheint in diesem Prozess weiter. Bei der Gefahr einer simplen Reduktion handelt es sich um ein impressionistisches Gemälde, das in Bewegung zum Leben erweckt wird. Ein geometrisches Gefühl, sowohl durch Formationen als auch durch Phrasen, impliziert eine natürliche Ordnung, die vielen impressionistischen Themen innewohnt.
Eine gleichzeitige Unvorhersehbarkeit impliziert jedoch, dass wir nie wirklich wissen können, wie etwas seinen Lauf nehmen wird - „auf der anderen Seite“ des gegenwärtigen Bewusstseins. Genau wie bei impressionistischen Gemälden besteht eine Klarheit der Struktur neben einer faszinierenden qualitativen Unschärfe - wie bei einem Perspektivwechsel gibt es mehr zu sehen und zu erfassen. Dahinter verbirgt sich ein neoimpressionistisches Gemälde des Künstlers Mark Bradford. Helle Farben in Kostümen (Kostümdesign von Alessandro Sartori) passen zu dieser visuellen Energie.
LADP in Benjamin Millepieds 'Auf der anderen Seite'. Foto von Laurent Philippe.
Die Tänzer in diesem Stück zeigen auch die volle Energie und das Kommando über die vorliegende Bewegung. Man möchte, dass zwei Soli - eines von einem Tänzer in Rot und eines in Grau - länger sind, einfach weil sie so stark und auffällig sind. Ja, Stärke, aber es gibt auch eine Weichheit, eine Leichtigkeit in der Bewegung, manchmal technisch, manchmal mehr Fußgänger (und in den Übergängen zwischen diesen beiden Eigenschaften) à la Mark Morris. Zu der Stärke dieser Bewegung trägt der Kontrast in der Stille bei, Tänzer in gelegentlichen Tableaus.
Anstatt offen zu schweigen, strahlen die Tänzer immer noch die Resonanz der gerade ausgeführten Bewegung aus. Ein Teil dieser Bewegung bietet eine Metapher für etwas von der natürlichen Welt, wie eine scheinbare Umlaufbahn der Gruppe um eine Mittelachse, wobei eine Hand in der Mitte und die andere über einem gebogenen Ellbogen liegt. Umlaufende Bilder scheinen nicht viel mit einem leicht abstrahierten Blumengemälde und einer Gesamthelligkeit (in Farbe und Bewegung) zu tun zu haben.
Mit einer Haltung der Offenheit für Nuancen schätzt man jedoch die Feier der Bewegung der Bewegung um uns herum, nah und fern - in einer Blume direkt vor dem Fenster oder in einer Lichtjahre entfernten Galaxie. Es gibt auch Stille, aber selbst in der „Stille“ bleibt die Energie der Bewegung erhalten. Umgekehrt ist Bewegung Bewegung, weil Stille existiert. In ähnlicher Weise können Abstraktion und Subtilität es ermöglichen, dass etwas Sinnvolles wirklich gehört wird. Durch die Zusammenstellung dieser drei Werke von L.A. Dance Project können Tänzer, Tänzer und Tanzliebhaber aller Art diese Wahrheiten klarer erkennen.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
