Les Ballets Jazz de Montréal. Foto von Jeremy Coachman. Cutler Majestic Theatre, Boston, Massachusetts.
2. Februar 2018.
Der sich bewegende Körper kann eine auffallend schöne Sache sein. Fügen Sie die jahrelange engagierte Ausbildung und die natürlichen Fähigkeiten professioneller Tänzer hinzu, und es gibt unzählige Möglichkeiten, Bewegungen von herzzerreißendem, hochästhetischem Kaliber zu schaffen. Umrahmt von den komplementären Elementen Musik, Kostüme und Beleuchtung kann diese Bewegung ein Thema unterstützen - eines, das auf einzigartige Weise zu einem bestimmten Thema in unserer Welt oder in der universellen menschlichen Verfassung sprechen kann. Manchmal kann es kathartische Schönheit schaffen und dann anbieten, die für sich genommen wertvoll ist.
Les Ballets Jazz de Montréal. Foto von Jeremy Coachman.
Unzählige Choreografen können gekonnt ästhetisch ansprechende Bewegungen kreieren und formen. Die Herausforderung für viele kann darin bestehen, diese Formgebung zu strukturieren, die zu überzeugender, bedeutungsvoller Kunst führt. Struktur ist herausragend. All dies wurde auf der jüngsten Repertoiretour von Les Ballets Jazz de Montréal mit drei separaten Stücken in Boston deutlich. Das erste Stück begann mit einer recht erfolgreichen Struktur, die sich durch verschiedene Gruppierungen von Tänzern und Bewegungsqualitäten bewegte.
Atonale Musik, jedoch mit einer darunter liegenden harmonischen Schicht, begleitete den Beginn des ersten Stücks, der Weltpremiere von Itzik Galili Opfer der Erinnerung . Tänzer mit Hintergrundbeleuchtung (Lichtdesign auch von Galili) bewegten sich mit kontinuierlicher und krummliniger Phrasenarbeit. Bestimmte schärfere Bewegungen, wie Aufwärtsimpulse von „kaktusförmigen“ Armen, waren faszinierende Akzente. In der Partner- und Trio-Arbeit, mit umwerfend schönen Liften und Gewichtsverteilung, gab es keinen Kampf oder Wettkampf der Stärke.
Ob männlich oder weiblich, Tänzer bewegten sich harmonisch zusammen. Ein Motiv waren zwei Tänzer, die sich gegenseitig ausgleichen, indem sie sich in entgegengesetzte Richtungen lehnen. Die Beine erden manchmal und strecken sich manchmal. Die Programmnotizen spielen auf eine Welt zeitloser und harmonischer Gleichstellung der Geschlechter an. Interessanterweise gab es ein überzeugendes Gefühl von Androgynie, da alle die gleichen Kostüme trugen (auch von Galili entworfene Kostüme) und keine offen weibliche oder männliche Bewegung.
Das Geschlecht schien nicht offensichtlich oder wichtig zu sein. In gewisser Weise befriedigte diese Atmosphäre die Absicht, eine Welt der ewigen Gleichstellung der Geschlechter aufzubauen. Die gemeinsame Menschheit hat das Geschlecht weit abgelöst. Es war alles unglaublich kunstvoll und nachdenklich, bis sich alles zu lang anfühlte. Um zu loben, wo es fällig ist, war die Bewegung faszinierend. Die Tänzer waren vielseitig, stark und dennoch anmutig und zu 150 Prozent engagiert.
Les Ballets Jazz de Montréal. Foto von Marc Montplaisir.
Aus der Perspektive hoher Standards, basierend auf dem Erfolg dieser Bewegung und der Art und Weise, wie Galili sie in Gruppen und Formationen im Bühnenraum formte, musste dieses letzte Drittel des Stücks reduziert werden. Es fühlte sich überflüssig und repetitiv an. Autoren können Probleme haben, Inhalte zu „nixen“, die sie mit Gedanken und Energie erstellt haben, ebenso wie Choreografen.
Die Beratung von Tänzern und anderen Choreografen mit einer distanzierten Haltung kann Künstlern aller Art helfen, das freizugeben, was für den Erfolg ihrer Arbeit nicht notwendig ist. Trotzdem hat die Arbeit viel zu bieten und noch viel Potenzial zu bieten. Interessanterweise ist die zweite Arbeit, Tanze mich (mit Beiträgen verschiedener Regisseure und Choreografen) hatte das gegenteilige Problem - den Kreis der (scheinbar) beabsichtigten Botschaft und Wirkung zu schließen.
Zugegeben, das Stück für diese Repertoire-Performance enthielt nur Auszüge des gesamten Werks, was möglicherweise das Gefühl einer unvollständigen Struktur erklärt.
Gwu-Tanz
Die kreative Vielfalt stärkte es mit vielen Bewegungsqualitäten und -stilen (vom lateinischen bis zum klassischen Ballettvokabular) sowie einem schönen Live-Gesang und einem kraftvollen gesprochenen Wort. Beleuchtung und Kostüme (Lichtdesign von Cédric Delorme-Bouchard und Kostümdesign von Philippe Dubuc) waren einfach, aber effektiv und tiefgreifend. Céline Cassone, eine feurige Solistin, sowohl in ihren roten Haaren als auch in ihrer Energie, bot eine präzise und dennoch reibungslose Ausführung vieler verschiedener Arten von Bewegungen.
Die thematische Konstruktion nahm viele verschiedene Wendungen oder mögliche Gesamtinterpretationen an, z. B. vom Voice-Over-Charakter bis zum Gefühl eines Konzerts (mit einer Gruppe von Tänzern im vollen Lied bis zu einem Solisten mit aufgenommenem Applaus, scheinbar im Lied). Verschiedene Vignetten waren für sich genommen kunstvoll, gefüllt mit diesen verschiedenen künstlerischen Medien und dem Bewegungsvokabular. Ein strukturelles Problem bestand darin, dass diese Vignetten nicht miteinander verbunden wurden, um einen klaren Erzählbogen zu bilden. Auch hier vielleicht eine Herausforderung, Auszüge aus einer längeren Arbeit anzubieten.
In Anbetracht dessen fühlte sich das endgültige Ende inhaltlich und tiefgreifend an. Ein Tänzer, der seinen Partner blitzschnell hochhob, wurde beleuchtet. Vielleicht könnte dieser Effekt die Vergänglichkeit leidenschaftlich romantischer Liebe implizieren, aber - alles andere in der Arbeit wie sie war - war dies keine klare Schlussfolgerung, die sie aufbaute. Tatsächlich zeigte eine Vignette die Hälfte eines älteren Paares, das mit dem baldigen Tod seiner langjährigen Liebe fertig wurde.
Céline Cassone von Les Ballets Jazz de Montréal. Foto von Ken Browar und Deborah Ory.
Abgesehen davon bot die Bewegung viel, worüber sich Augen, Herz und Seele wundern konnten. Die Tänzer waren sowohl technische Handwerker als auch Theaterschwergewichte und erfüllten jede Bewegung mit authentischen Emotionen (ohne „Überhandlung“ oder „Schinken“). Die lateinamerikanische Tanzarbeit war knackig, aber ohne harte Kante. Stattdessen verschmolz alles angenehm in nachfolgenden Schritten. Glatte Bodenarbeit kontrastierte die gehobene Qualität dieses mehr gehobenen Bewegungsvokabulars.
Abschnitte von Tänzern, die in einer Gruppe improvisierten, scheinbar durch ein Drehbuch, das alles zusammenhängend und nicht chaotisch halten konnte, waren eine erfrischende Abwechslung von der hohen Verbreitung von Unisono im ersten Stück. Viele der Aufzüge waren die Art, bei der das Publikum nach Luft schnappte und dann klatschte - jene, die sich scheinbar der Schwerkraft und den Grenzen menschlicher Stärke widersetzten. Ein Tänzer balancierte zum Beispiel auf nichts Breiterem oder Stabilerem als der Seite des Halses des Partners. All dies ist so hochkarätig, dass eine Struktur und Kohärenz des Themas genauso stark sein soll.
Galili choreografierte und entwarf auch das dritte und letzte Stück der Nacht. Der Balcao de Amor , inspiriert von der Musik und kreativen Energie, die er während seiner Zeit in Kuba erlebte. Es begann humorvoll, als ein Macho-Mann (oder ein Mann, der versuchte, einer zu sein) versuchte, im Scheinwerferlicht zu stehen - und das Scheinwerferlicht wanderte woanders hin, als hätte es einen eigenen Geist. Das Publikum kicherte freudig. Ein Freund schloss sich ihm an und sie begannen zu tanzen - zusammen mit noch mehr Tänzerkollegen.
Schließlich bewegten sich die großen Darsteller, jeder Tänzer in einem einzigartigen Kostüm und scheinbar einem einzigartigen Charakter, auf der ganzen Bühne zusammen. Große, mutige und lustige lateinamerikanische Bewegungen füllten die Bühne und prallten dann von der Rückseite des Hauses ab. Die Energie und pure Freude war überall. Balletische Berührungen - wie Arme in fünfter Positionoben, sowie jazzige Beinarbeit und Extensions, salzte und pfefferte die Bewegung im lateinamerikanischen Stil.
Die schnelle, nervöse Musik - offensichtlich vom kubanischen Jazz der alten Zeit inspiriert - untermauerte die Bewegung, trieb sie aber vielleicht auch voran. Wagemutige Sprünge - wie ein Tänzer, der über den Rücken einer Reihe von Tänzerkollegen im flachen Rücken springt, um von einem anderen Tänzer in der Verlängerung erwischt zu werden - waren umwerfende Leistungen in Bezug auf Körperlichkeit und Physik. Selbst mit diesen Tricks fühlte sich alles unglaublich authentisch an, ein Moment der Zeit in Kuba, eingefangen im Tanz.
Les Ballets Jazz de Montréal. Foto von Svetla Atanasova.
Die Nation hat viele Menschen aus dem gleichen Grund fasziniert, wie sie in der Zeit gefangen zu sein scheint (aufgrund gesellschaftspolitischer Kräfte, die dazu führen, dass sie von modernen Technologien und allgemeinem Konsumismus isoliert ist). Die Arbeit schien all dies zu ehren - obwohl sie nicht politisch war, nichts zu erklären versuchte, sondern nur Authentizität und Spaß bot. Als Teil dieses Gefühls durchdrang eine lateinamerikanische Schwüle die Bewegung und unterstützte künstlerische Medien. Mehr vorherrschend waren jedoch Humor und Freude.
'' Wer ist das? ' riefen die Tänzer. Es war sicher eine Party. Die Party begann sich zu entspannen, Tänzer gingen und ein Tänzer ärgerte sich, dass sie ihn alle verlassen hatten, ohne ihren Plan anzugeben. Ein Tänzer kam zurück und die beiden boten ein Duett an - schwül, lustig und herzerwärmend zugleich. Die Besetzung schloss sich ihnen wieder an, um einen letzten Abschnitt festzunageln.
Aufgrund des Kontextes und ohne notwendigerweise die Anstrengung, ein Thema zu etablieren, machte diese Struktur Sinn. Es war befriedigend als eine gute alte Zeit an einem bestimmten Ort auf dieser Erde. Dies, kombiniert mit den beiden früheren Stücken, demonstrierte die Bedeutung der Struktur. Schöne, kraftvolle Bewegung ist eine Sache. Wie man alles erfolgreich zusammen strukturiert, ist eine andere. Die beste Tanzkunst hat sie beide.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
