OnStage Dance Company 'Was ist Liebe?'. Foto von Andres Calderon / Fama Films. OnStage Dance Company, Malden, Massachusetts.
12. Juli 2019.
Gute Schriftsteller schreiben über das, was sie wissen, geht ein alter Aphorismus. Gilt das auch für Choreografen? Kommt die effektivste Tanzkunst aus einer Quelle persönlicher Erfahrung? Das ist vielleicht keine Frage, die wir wissenschaftlich beantworten können, aber die von Jennifer Kuhnberg Was ist Liebe? zeigten, dass persönliche Erfahrung tatsächlich zu kraftvoller Tanzkunst führen kann.
Kuhnberg, Gründerin und künstlerische Leiterin der OnStage Dance Company, choreografierte das Programm aus ihrer Erfahrung als lesbische Frau. Die Konzepte waren packend und die Leistungen voll investiert. In Kuhnbergs choreografischer Arbeit stachen insbesondere zwei Dinge heraus - starke Musikalität und frisches Bewegungsvokabular. Clevere, einzigartige Entscheidungen in diesen und anderen Bereichen wurden bereits im ersten Stück „Astronaut“ deutlich.
Tänzer begannen das Stück im hinteren Teil des Hauses, so weit wie möglich vom Publikum entfernt, als ob es dort an die Wand geklebt wäre. Die Lichter waren schwach und in Rot und Blau (Lichtdesign von Jason Ries). All diese Dinge zusammen fühlten sich geheimnisvoll an. Sofort rannten die Tänzer auf das Publikum zu und verteilten sich über den Bühnenraum. Sie tanzten ihre eigene Bewegung, aber alle bewegten sich mit frenetischer Energie, die der Partitur entsprach („Astronaut“ von Amanda Palmer). Die Tänzer formierten sich in Linien und bewegten sich im Einklang, was einen starken Kontrast zu dem bildete, was gerade vorher war.
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'Was ist Liebe?' Der OnStage Dance Company. Foto von Andres Calderon / Fama Films.
Die Art und Weise, wie die blauen Lichter an der Seite der Bühne die Tänzer während ihrer Bewegung beleuchteten, fühlte sich ebenfalls befriedigend dramatisch an. Die unisono Bewegung rückte näher an den Boden und kehrte zu dieser frenetischen Qualität zurück. Kuhnberg traf auf eine Vielzahl verschiedener Möglichkeiten, wie sich die Gruppe bewegen konnte - in Qualität, im Raum, in Bezug auf die Musik. Bewegung schien Kraft und Entschlossenheit zu vermitteln, sogar ein Gefühl des Kampfes - gebeugte Füße, angehobene Knie, nach unten schlagende Arme. Die Bewegung insgesamt hatte eine einzigartige, überzeugende Mischung aus Kreis und Winkel in ihrer Form.
Tiffany Rivers Alter
Ein weiterer Wechsel zwischen unisono und individueller Bewegung füllte den Rest der Struktur des Stücks aus, einschließlich einiger auffälliger Partnerschaften. Um das Stück zu beenden, kehrten die Tänzer zur Rückwand zurück und blieben dort scheinbar festgeklebt, genau wie zu Beginn des Stücks. Diese Struktur sprach davon, Freiheit zu finden, aber dann wieder in die Enge zu gehen, abgesehen davon, dass es sich um eine einfach einzigartige, faszinierende kreative Wahl handelt.
'Jugend' kam zwei Nummern später. Wie viele andere Stücke im Programm verwendete es Voice-Over als poetisch prägnante Methode, um Thema und Bedeutung zu verstärken. Tänzer gingen durch den Raum, als Voice-Over aus Tiffany Grahams TEDxUSD-Vortrag alarmierende Zustände von obdachlosen LGBT-Jugendlichen zitierte. Sie trugen alle Rucksäcke und einige hatten Kapuzenpullover an. Von Anfang an war eine raue, raue Atmosphäre zu spüren.
Schon bald ersetzte Musik („Youth“ von Daughter) das Voice-Over. Die Tänzer wechselten in „Fensterkästen“ (versetzte Linien, damit alles sichtbar war) und begannen sich gemeinsam zu bewegen. Die Organisation, die hierher kam, gab dieser rohen Atmosphäre, die immer noch präsent und eindrucksvoll war, eine angenehme Form. Die Bewegung setzte auf sehr befriedigende Weise musikalische Akzente - in einer denkwürdigen Phrase, Hände an einer Hüfte und dann an der anderen, ein Arm reicht nach oben und dann explodiert ein Bein mit einem gebeugten Knie zurück.
Die Tänzer brachen an bestimmten Stellen aus dem Einklang aus, was zu einigen besonders auffälligen Momenten führte. Als eine unterstützten einige Tänzer eine andere Tänzerin und halfen ihr aufzustehen. Sie schien der Hilfe zunächst zu widerstehen. Diese choreografische Wahl sprach Bände über das Geben und Empfangen von Unterstützung in schwierigen Zeiten (für den Empfänger) und Geber). Die Tänzer gingen mit ihren Rucksäcken davon. Es bestand das Gefühl, dass sie keine andere Wahl hatten, als weiterzumachen, trotz der Herausforderungen, denen sie gegenüberstehen. Ich war traurig, aber auch inspiriert von der Stärke und Belastbarkeit solcher junger Menschen.
Mary Carey van Dyke
„Flowers“ war ein denkwürdiges Solo im zweiten Akt, das in Zusammenarbeit mit Marisa Cohen aufgeführt und choreografiert wurde. Voice-over war wieder wirksam bei der poetischen Übermittlung von Nachrichten. Es vermittelte die Scheidungserfahrung einer lesbischen Frau. Das Maß an Energie und Angriff in Cohens Bewegung stimmte mit dem Auf und Ab im Voice-Over überein. Virtuose Bewegungen, wie ein auffallend kontrollierter Schulterroll in einen in der Luft gehaltenen Spalt, verschmolzen zu Momenten, die mehr über ihre Gefühle und das Drama von allem sprachen.
In einigen dieser Momente, die mehr auf Theatralik ausgerichtet waren, verteilte sie Papiere und andere Gegenstände im Raum, an einigen Tischen (was an einen Wohnraum erinnert). Es war, als wollte sie, dass ihre physische Umgebung ihre mentale Umgebung widerspiegelte. An bestimmten anderen denkwürdigen Punkten ruhte sie sich auf einem der Tische aus, als ob ihr geistiger und emotionaler Kampf es zu schwer machte, ihr eigenes Gewicht zu tragen, um damit fertig zu werden. Insgesamt zeigte die Arbeit, wie Theatralik und komplexe Bewegung zusammenkommen können, um etwas wirklich Sinnvolles zu schaffen.
'Ich bin hier drin' war konzeptionell auffällig. Drei Tänzer - Sarah Drinkwater, Teresa Farella und Alice Rufo - - gekleidet und ausgezogen, jede mit ihrem eigenen Spiegel. Es zeigte Frauen, die mit dem Körperbild zu kämpfen hatten und gleichzeitig mehr als nur ihr Aussehen sehen wollten. Die Präsenz dieses Themas in diesem speziellen Programm unterstrich, wie lesbische Frauen die Triumphe und Kämpfe von Frauen im Allgemeinen teilen.
'Kissing You' ging noch einen Schritt weiter und illustrierte die Dynamik innerhalb einer lesbischen Beziehung, die genau wie die in heterosexuellen Beziehungen ist. Es scheint, als ob Kuhnbergs Erfahrung es ihr ermöglichte, diese Wahrheiten in diesem Programm herauszubringen. Ihre einzigartige choreografische Stimme, der kluge Einsatz von Musik und Voice-Over und das geschickte Engagement der Besetzung haben diese Stärke nur gestärkt. Es kam alles zusammen, um ein bedeutungsvolles, unvergessliches Produkt anzubieten.
Heutzutage gibt es viele Gespräche über Identität und den Schutz der Ausgegrenzten unter uns. Künstler mit direkt verwandter Erfahrung in diesen Gesprächen können mit ihrer Arbeit einen echten Einfluss auf sie haben - insbesondere auf Arbeiten, die so gut gemacht sind wie die von Kuhnberg Was ist Liebe?
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
Jessica Rothe Reinvermögen
