Dylan Crossman Dans (c) e. Foto von Julie Lemberger. 92ndStraße Y, New York, NY.
16. März 2019.
Das Leben im Jahr 2019 scheint voller Veränderungen, Veränderungen und Unruhen zu sein - in unseren Gedanken, wie wir reisen, wo wir arbeiten, wo wir leben. Soziopolitisch haben viele auf der ganzen Welt das Gefühl, dass die Dinge einfach nicht verankert und entwurzelt sind. Dylan Crossman Dan (s) ces Nie wieder (grob aus dem Französischen übersetzt als 'nie mehr') forderte die Verschiebung und Zerstörung von Körpern, Objekten und dem Immateriellen im Raum, um dieses Gefühl der Wurzellosigkeit zu veranschaulichen.
Dylan Crossman Dans (c) e. Foto von Julie Lemberger.
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Gleichzeitig gab es eine Grundlage in der „Menschheit mit all ihrer Schönheit und Dunkelheit“ - in „Liebe, Zweifel, Angst und Anerkennung [unserer] Unterschiede“ und einem „Zurückschieben gegen die täglichen Handlungen von Gewalt “inmitten„ politischer Unruhen “, wie im Programm beschrieben. Als einige Zuschauer anfingen, diesen Sinn zu entwickeln, waren sie vielleicht etwas verunsichert, als sie sahen, dass Tänzer bereits bei ihrer Ankunft auf der Bühne auftraten („Sind wir zu spät?“, „Können wir noch reden?“, Einige fragten sich vielleicht). Doch die weiche, sehnige und doch so klare und absichtliche Bewegung ließ mich zumindest ziemlich zufrieden sein.
Präzise Geometrie in bekannten Formen hatte unkonventionelle Berührungen, wie Hüften, die von geerdeten Schultern und Füßen abgehoben wurden („Brückenhaltung“ im Yoga), und einen Arm, der sich zur Seite verlängerte (vom Körper weg). Die Tänzer flippten von hier auf eine Planke, wobei ein Knie gebeugt war und der Fuß zum Himmel zeigte. Alles in allem war die Bewegung eine Sammlung von Winkeln und Kurven. Wir im Publikum wussten kaum, dass wir es wieder sehen würden.
Dieser Bewegung lag die ganze Zeit eine Musikpartitur zugrunde, die an einen Sturm in der Ferne erinnerte (Sounddesign von Jesse Stiles). Wir haben auch ein kleines Fenster in die Welt der Tänzer bekommen, von Zeit zu Zeit sagte man 'Halten!', Und das taten sie, machten eine Pause, wo sie waren, und fingen dann in ein paar Atemzügen wieder an, als man 'Los' sagte. Schon bald begann eine Geigerin (Pauline Kim Harris) hinter der Bühne zu spielen, und die Lichter auf der Bühne gingen an, als die Lichter des Hauses ausfielen. Okay, das musste wirklich der Anfang der Aufführung sein, dachte ich.
Die drei Tänzer, die getanzt hatten, machten so weiter, als ein vierter Tänzer eintrat. Sie bewegten sich langsam, immer noch am Boden, als der vierte Tänzer hoch und in verschiedenen Tempi tanzte. Hier gab es einen klaren Kontrast zwischen dem, was etwas Meditatives hervorbrachte, und dem, was etwas Anspannenderes hervorbrachte. Dieser Kontrast war unter anderem ein Werkzeug, das Crossman im Dienst der Bedeutung und Stimmung während der gesamten Arbeit verwendete.
Auch während der gesamten Bewegung hatte die Bewegung offensichtlich eine erfreuliche Untertreibung. Das Ziel war nicht die Höhe der Sprünge und Erweiterungen oder die Anzahl der Umdrehungen in Kurven, sondern die Kontrolle und das Engagement. Dies diente auch Sinn und Stimmung. Zu beiden trug die Art und Weise bei, wie der Geiger ein- und ausstieg. Irgendwann ging das Licht an, als sie an der Seite spielte, und nach und nach tauchte auch die Bühne auf, um einen tanzenden Solisten zu enthüllen (Lichtdesign von Davidson Scandrett). Diese Entwicklung stimmte mit häufigen Verschiebungen und Veränderungen in der Arbeit und dem Gefühl des unerwarteten Geschehens überein.
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Dieser Tänzer schloss sich bald anderen Tänzern auf der Bühne in einer vertikalen Linie an und alle tanzten eine langsame Phrase des Kehrens und Suchens. Das Drama baute sich auf. Die Einfachheit blieb in der Bewegung, auch wenn eine virtuosere Bewegung auftauchte. Es fühlte sich alles erfolgreich an, obwohl im Verlauf dieses Abschnitts der Abstand und das unisono Timing klarer hätten sein können. Diese Qualität fühlte sich wahrscheinlich nur offensichtlich an, weil diese Elemente fast überall in der Arbeit so klar waren.
Einige Tänzer gingen, um drei Tänzer auf der Bühne zu lassen, die eine weitere kontrastierende Dynamik zwischen zwei und einem kreierten. Eine bewegte sich langsam, während sich die anderen beiden schnell bewegten. Crossman zeigte seine Vorliebe für die Arbeit mit einer Vielzahl von Tänzern auf diese überzeugende Art und Weise während der gesamten Arbeit. Das Gefühl der Winkligkeit in der Bewegung verstärkte sich, obwohl es immer noch eine Weichheit gab - wie bei einer Einweihung aus geschmeidigen Ellbogen. Ebenfalls fortgesetzt und intensiviert wurde das Gefühl der Verdrängung, des entwurzelten Absetzens, aber nur für einen Moment, bis eine neue Formation Gestalt annehmen würde.
Ein weiterer Beitrag zu diesem Gefühl war, dass in einem späteren Solo ein Scheinwerfer im Mittelpunkt stand, der Solist jedoch außerhalb davon tanzte. Aus dieser Wahl ergab sich das Gefühl, im falschen Raum zu sein, aber nicht in der Lage zu sein, sich in den richtigen zu bewegen. Diesen Sinn für „etwas nicht ganz Richtiges“ brachte auch ein Gruppenabschnitt in fast völliger Dunkelheit, etwas später in der Arbeit. Die Bewegung war auffallend schön und gekonnt geliefert, doch die Wirkung von gedämpftem Licht fühlte sich praktisch etwas übertrieben an, es war ziemlich schwer zu sehen.
Ein weiterer denkwürdiger Abschnitt kurz danach war ein Tänzer, der Stühle ansammelte und einen immer größer werdenden Stapel mit dem Kopf nacheinander schob. Er fügte Stühle hinzu und schlich auf die Bühne zu, als der Stapel größer wurde. Die einfachen Stapelstühle mit schwarzer Rückenlehne waren in Reihen aufgestellt und von einer Tänzerin einzeln dort aufgestellt worden. Nach einer überzeugenden Abschnittsbewegung mit unisonoem und individuellem Timing kam die Bewegung dieser Stühle am Kopf, die Bewegung mit einer Kreisförmigkeit und einem langsamen Aufbau wie ein wachsender Zyklon. Etwas Formalisiertes, Ordentliches und Geordnetes würde jedoch nicht lange so bleiben.
Dylan Crossman Dans (c) e. Foto von Julie Lemberger.
Auch die Musik wechselte und wechselte häufig - von mehr oder weniger atonalen Instrumentalpartituren über den Live-Geiger bis hin zu Instrumentalpartituren. Die ganze Musik war dramatisch und etwas beunruhigend genug, um ein Drama und dieses unverankerte Gefühl aufzubauen. Trotz all dieser Verschiebung und Störung waren die Tänzer verwurzelt und stark. Ihre versicherte, nuancierte und dennoch essentielle Bewegungsqualität sprach für Crossmans Thema, 'unsere Menschlichkeit mit all ihrer Schönheit und Dunkelheit' zu verwurzeln.
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Bewegungsmotive waren ebenfalls geerdet - wie eine Drehung in der Luft mit fest zusammengedrückten Beinen (Turm in der Luft) und weit gespreizte Arme wie ein fliegender Hubschrauber, gesehen an verschiedenen Stellen in der Choreografie. Diese Bewegungen der Oberflächenerneuerung lieferten ein Element der Gleichheit inmitten so vieler Veränderungen. Die Bewegung, die aus dem Eröffnungsabschnitt zurückkam, war ebenfalls interessant und seltsam beruhigend zu sehen: „Ich erinnere mich daran!“ Dachte ich bei mir und fühlte mich leicht lächeln.
Was weniger als tröstlich war, war das Ende, ein Duett mit zweiTänzerdas fühlte sich an wieCapoeiramit absichtlichem Kontakt hinzugefügt (an Punkten, tatsächliches Wrestling). Sie trennten sich, sahen sich an - einer stand, der andere auf dem Boden - und die Lichter gingen aus. Diese Schlussfolgerung ließ mich verwirrt sein, weil ich keine Lösung gefunden hatte, aber eine kurze Pause von den Kämpfen einlegte. Bedeutete dies einen kontinuierlichen Kreislauf von Gewalt und angespannter Ruhe? Es schien auch das sorgfältig gestaltete Drama zu fehlen, das an anderer Stelle im Stück zu sehen war. Als Zuschauer wollte ich, dass es länger und vielschichtiger wird, gründlicher und klarer.
Alles in allem jedoch Dylan Crossman Dan (s) ces Nie wieder war eine überzeugende Erforschung der Tanzkunst von Störung, Vertreibung und Verwurzelung in unserer Menschlichkeit. In einer modernen Welt, die versucht, uns zu entflechten und unsere Menschlichkeit von Tag zu Tag zu testen, bin ich dankbar, diesen Kommentar auf der Bühne zu sehen.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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