Island Moving Company in 'Erinnerung und Glas'. Foto von Thomas Palmer. Green Street Studios, Cambridge, Massachusetts.
22. April 2017.
Einerseits gibt es Vielfalt - die Existenz unterschiedlicher Arten zu sein und zu handeln. Auf der anderen Seite gibt es Einheit - getrennte Einheiten, die handeln und in Zusammenhalt und Harmonie sind. Die beiden Modi schließen sich jedoch nicht gegenseitig aus, da Einheit nicht unbedingt Konformität bedeutet. Unterschiedliche Seins- und Handlungsweisen können sich harmonisch verbinden und so vereinheitlicht werden. Wir sehen diesen Effekt jetzt im Konzerttanz, im Allgemeinen mit klassischen und zeitgenössischen Elementen, die sich manchmal vermischen und manchmal nebeneinander leben.
Ruth Whitney und Jacob Hoover von der Tony Williams Ballet Company in 'La Favorita'. Foto von Golden Lion Photography.
Kat Nasti, Direktorin der Green Street Studios in Cambridge, Massachusetts, brachte diesen Punkt zum Ausdruck, als sie das Ballet Showcase des Tanzkollektivs vorstellte. Die Show ist das erste einer Reihe von genre-spezifischen Konzerten, die Green Street in den kommenden Monaten präsentieren wird.
Die Ausstellung umfasste Werke in der Ballettsprache, die von klassisch über neoklassisch bis postmodern mit balletischen Inspirationen reichten. Das erste dieser Stücke, Mama Bauch Von Tai Jimenez choreografiert und aufgeführt, war eine bemerkenswerte Erforschung der Mutterschaft.
Man könnte diese Erforschung als größtenteils Kommentar zum Opfer interpretieren - vielleicht ein Teil davon als Verlust eines Teils der eigenen Identität - innerhalb der Mutterschaftserfahrung. Jimenez bewegte sich anmutig und ergreifend. Sie initiierte oft Bewegungen von den Hüften, Ellbogen und Handgelenken mit auffallender Subtilität. Kostüme und Beleuchtung ergänzten den Aufbau einer fast bedrohlichen Atmosphäre in ihrem Körper. Eine schwebende, aber erdgebundene Piqué-Wendung - als eine der wenigen offen technischen Bewegungen in dem Stück - ließ eine flüssigere Mischung aus balletischer Bewegung und der postmodernen, Release-Technik-Sprache zurück.
Ähnlich postmodern in einigen Qualitäten war ein folgendes Stück, ein Auszug aus Jorma Elos Auf scharf schneiden , aufgeführt von Thomas Davidoff vom Boston Ballet II und inszeniert von Anthony Randazzo. Es hatte jedoch eine viel sportlichere Energie. Das Werk - und Davidoffs befehlende Lieferung - erinnerte an diese wundervolle Szene im Ballettfilm Das Unternehmen wobei sich ein männlicher Tänzer, allein in einem kathedralenähnlichen Raum, schnell und kraftvoll bewegt.
Christian Pforr vom Boston Ballet II in Jorma Elos 'Slice to Sharp'. Foto von Golden Lion Photography.
Davidoff tanzte mit einer unglaublich fesselnden Art und Weise, durch eine sehr technische und komplexe Bewegung eine Wirbelsäulenschlange aufrechtzuerhalten. Dieser Kritiker aus Boston freut sich darauf, zu sehen, wohin er in der übergreifenden Struktur des Boston Ballet gehen wird. Doch die Bewegung war so schnell, so kraftvoll, so spektakulär, dass man sich nach mehr Nivellierung von Geschwindigkeit und physischer Energie sehnen könnte, wenn etwas konstant ist, aus Mangel an Widerstand bedeutet es weniger.
Dort hatten wir Postmodernismus. Mit SundanceX trat auch Jazz-Tanz auf Laune (vom Choreografen und künstlerischen Leiter / Gründer David Sun). Mit Vokabeln wie parallelen Passés, Layouts und sogar einem Italiener im Fosse-Stilkeine Katze, das Stück war sicherlich voller launischer und jazziger Spaß. Es bot eine balanchinisch anmutende Variante des Klassizismus, die mit Flair und viel schneller Beinarbeit geliefert wurde. Helle Kostümfarben, für jeden Tänzer eine andere, fügten diesem Gefühl von Spaß und Flair hinzu. Die Tänzer führten lobenswerterweise diese schwierigen Allegro-Abschnitte sowie langsamere Abschnitte mit anhaltenden Verlängerungen und Wendungen aus.
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Andererseits könnte man sich fragen, wie die gekonnte Choreografie - und ihre Ausführung - aussehen könnte, wenn die Tänzer mehr Risiko eingehen würden. Veröffentlichungen auf dem Boden fühlten sich sehr kontrolliert und sicher an, zum Beispiel ohne Drama, das überzeugend gewesen sein könnte (mit Ausnahme eines Tänzers in einem gelben Kostüm). Vielleicht befinden sich die jungen Tänzer mit ihrer beeindruckenden Technik für ihr scheinbares Alter in einem Stadium, in dem es entweder um technisches Kommando oder um eine gewagte Herangehensweise an ihren Tanz geht. Sie zeigen viel Versprechen und Potenzial. In jedem Fall nutzte Sun Ebenen in Raum- und Bühnenabschnitten, um ein ansprechendes Bühnenbild zu erstellen.
Beth Mochizuki in Kevin Jenkins 'Reverie'. Foto von Golden Lion Photography.
Das Gebäude der Atmosphäre in Träumereien trug auch maßgeblich zur Erfahrung des Stücks bei, zusammen mit einer gekonnt gestalteten, tenebristischen Hintergrundbeleuchtung (Lichtdesign von Stephen Petrilli). Kevin Jenkins 'Choreografie bot etwas Geschmeidiges und Üppiges, die beiden Tänzer (Beth Mochizuki und Ruth Whitney) rollten die Handgelenke und bewegten ihre Köpfe mit anmutigen Drehungen und Verlängerungen. Ballettbrötchen und die langen Ärmel sowie die knielangen, fließenden Röcke ihrer dunklen Kostüme verstärkten diese einfache, aber kraftvolle Bewegung.
Es war Mark Morris-artige freudige Leichtigkeit, die durch alles hallte. Zu dieser Qualität kommt hinzu, dass die instrumentale Streichmusik, eine Solovioline, genau wie der Satz. Alles in allem kamen all diese Elemente zusammen, um eine ästhetische Erfahrung zu schaffen, die nicht vergessen werden darf. Eine einzige Kritik ist jedoch der Wunsch, die Tänzer mehr interagieren zu sehen. Die Seelenfülle ihres Auseinandertanzens und die der relativ seltenen Momente, in denen sie sich anschlossen, warfen die Frage auf, was das zu dem Stück beitragen müsste. Damit könnte das Stück eine noch auffälligere, unvergesslichere und atemberaubendere Erfahrung gewesen sein.
Dann kam das Finale, Island Moving Company Speicher und Glas , choreographiert von Rodney Rivera . Ein völlig angemessener Titel, da der emotionale Inhalt lebendig genug war, um mit den Erinnerungen jedes einzelnen Publikums in Verbindung zu treten. Mit Blick, Gesichtsausdruck, Bewegungsqualität und Art der Interaktion mit anderen Tänzern schuf die Besetzung eine emotionale - aber nicht melodramatische - Erfahrung der Tanzkunst. Zu dieser Erfahrung trug auch Riveras clevere, innovative Formation bei.
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In einem Abschnitt lag zum Beispiel eine Reihe rein männlicher Tänzer weit oben auf der Bühne auf dem Rücken, wobei ein Arm zum Himmel ausgestreckt war. Die Einfachheit kontrastierte effektiv die virtuose Bewegung, die im Mittelpunkt stand. In einem Moment, der subtiler und dramatischer war, lag eine (der insgesamt drei) Ballerinas in fötaler Position. Sie hielt die Knöchel zweier männlicher Tänzer fest, um sich langsam und sanft zu bewegen (es war nicht so aggressiv oder gewalttätig, wie es das „Ziehen“ implizieren würde).
Island Moving Company in „Memoria y Vidrio“. Foto von Golden Lion Photography.
Das Bühnenbild sprach dann viele tausend Worte, etwas darin schien Bindegewebe zu den Jahrtausenden von Verlust, Liebe, Sehnsucht und Hoffnung auf eine bessere Zukunft innerhalb der kollektiven menschlichen Erfahrung zu haben. Sie erhob sich jedoch ebenso wie andere Tänzer, die ähnliche Level-Änderungen durch (und direkt darin) anmutig konstruierte Phrasenarbeit ausführten. Es schien alles Maya Angelous poetische Linie zu wiederholen: 'Und immer noch stehe ich auf ... und immer noch stehe ich auf.' Fallen, dann wieder aufstehen gehört nicht nur der Vergangenheit oder der Gegenwart an.
Tanzstile, klassisch über modern bis postmodern, müssen es auch nicht sein. Erinnerung und Glas , zusammen mit anderen lobenswerten Arbeiten in diesem Programm, hat bewiesen, dass dies wahr ist. Sie können sich verweben, Seite an Seite gehen und im Dialog stehen. Dies alles kann Teil der entscheidenden Beobachtung und des Kommentars sein, die uns die Kunst bieten kann. In einer Zeit, in der die Werte Vielfalt und Einheit manchmal uneins zu sein scheinen, wenn wir manchmal Schwierigkeiten haben, Divergenz und Konvergenz in Einklang zu bringen, sollten wir uns - wie dieses Programm zeigt - daran erinnern, dass sie tatsächlich eins sein können.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
