Boston Ballet in William Forsythes 'Playlist (EP)'. Foto von Angela Sterling, mit freundlicher Genehmigung von Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
7. März 2019.
Wie fühlst du dich beim Tanzen? Nun, man könnte sagen, es hängt von der Arbeit ab. Diese Reaktion wird stimmungsvoll, das Gefühl, das ein Tanzwerk hervorruft - das Choreografen meistens erfolgreich oder weniger erfolgreich aufbauen wollen. Das Boston Ballet tanzte drei Werke von William Forsythe in Voll auf Forsythe , jeder mit seiner eigenen Stimmung. Als bildender Künstler, Kostüm- und Lichtdesigner für diese Werke zeigte der legendäre Choreograf William Forsythe seine Vorliebe dafür, in jedem Werk so klare Stimmungen zu erzeugen. Ebenso lobenswert waren die Auftritte der Tänzer als Schlüsselbausteine dieser Stimmung.
Derek Dunn in William Forsythes 'Blake Works I'. Foto von Angela Sterling, mit freundlicher Genehmigung von Boston Ballet.
Akt II angeboten Blake arbeitet ich , eine Boston Ballet Premiere (Weltpremiere im Juli 2016 mit dem Paris Opera Ballet). Eine luftige, verträumte Partitur leitete den ersten Abschnitt „Ich brauche einen Waldbrand“ mit einem Lied dieses Titels ein. Ein Großteil der Musik während des gesamten Acts war ähnlich, mit einigen Melodien, die etwas jazziger und optimistischer waren. Die Bewegung hatte eine überzeugende Leck- und Läppqualität mit einer sickernden Glätte. Gleichzeitig hatte es eine traurige Eigenschaft - mit dem Gefühl, etwas zu erfassen, das man liebt, während man befürchtet, es zu verlieren.
Dies stimmte mit dem Thema der meisten Songs überein, Liebe und Verlust in romantischen Beziehungen. Interessanterweise gab es 2019 Zugangspunkte zum Leben und wie sich dies auf die Beziehungen auswirkt - zum Beispiel war der zweite Abschnitt „Legen Sie das weg und sprechen Sie mit mir“, was implizierte, dass „das“ ein Mobiltelefon ist. Die Bewegung in diesem Abschnitt hatte urbane / Hip-Hop-Tanzqualitäten, wie akzentuierte Hüftbewegungen und eckige (statt klassisch abgerundete) Port-de-Bras-Formen. Dies schien die Musik als 'Rhythm and Blues' zu ehren, was mich zum Lächeln brachte.
Wie es für Forsythes Stil charakteristisch ist, hat sich das Bühnenbild ständig verändert - Trios in Duette in Septette in größere Gruppenabschnitte. Es summte einfach alles vor Action. Die Phrasenarbeit war ebenso voll, abwechslungsreich und komplex. Es war auch oft ziemlich schnell und ich fragte mich, ob mehr Pausen und Tempowechsel es schneller und fabelhafter machen könnten, das Schnelle und Fabelhafte in der Bewegung wirklich zu schätzen.
Einige der erfolgreichsten Momente des Stücks waren wohl jene relativ seltenen Momente, in denen diese Pausen und langsameren Geschwindigkeiten auftraten.
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Zum Beispiel traten in diesem zweiten Abschnitt Reihen von Tänzern ein und gingen in Richtung Mittelpunkt. Bei einem starken und wiederholten Auftakt in der Musik schauten sie alle zusammen zum Publikum, blickten nach Luft und schauten dann zurück zur Mitte der Bühne. Es war perfekt zugänglich, unvergesslich und angenehm. 'The Colour in Anything', getanzt von Chrystyn Mariah Fentroy und Roddy Doble, hatte sowohl in der Bewegung als auch in der Musik unterschiedliche Tempi. Es folgte „I Hope My Life“, das mit einer Explosion von Energie begann und schnell und kraftvoll blieb - was sich angesichts des Tempos und des Gefühls der Sektion von dem, was wir gerade gekommen waren, auffällig und beeindruckend anfühlte.
Was sich unbestreitbar erfolgreich und erfreulich anfühlte, waren Kostüme und Beleuchtung. Einfache Schnitte von einfachen hellblauen Kostümen harmonierten leicht mit der etwas dunkleren blauen und hellvioletten Beleuchtung. Forsythe entwarf auch Beleuchtung und Kostüme (für dieses und alle anderen Stücke) und - kombiniert mit der üppigen Bewegung - war seine ästhetische Vision klar. Diese ästhetische Vision trug dazu bei, eine seelenvolle, tiefe Stimmung vollständig zu verwirklichen. Ich war bereit, mich mitten im Theater an mein Herz zu klammern und über Liebe und Verlust in meinem eigenen Leben nachzudenken. Es scheint mir, dass dies ein Zeichen dafür ist, dass in der Kunst etwas Erfolgreiches passiert - dass es das Publikum zu einer sinnvollen Selbstreflexion führt.
Lia Cirio und Viktorina Kapitonova in William Forsythes 'Playlist (EP)'. Foto von Angela Sterling, mit freundlicher Genehmigung von Boston Ballet.
Akt III, die Weltpremiere EP - Wiedergabeliste , fühlte sich wie eine gute Wahl für die nähere Show, weil es ist ausgeprägte Stimmung war groovig und lustig. Eine klare ästhetische Vision fühlte sich auch in diesem Akt hervorzuheben. Dunkelblaue und magentafarbene Kostüme harmonieren mit Blau- und Lila-Tönen in der Beleuchtung. Die Bewegung war üppig und doch technisch kompliziert, mit sozialen Tanzsignaturen, die die Identität der Musik genau wie die des zweiten Aktes würdigten. Es gab jedoch eine zusätzliche Sassiness, die zu dem lauten und stolzen Gefühl der Musik passte.
Zum Öffnen bewegten sich die Tänzer im Abschnitt „Sicherlich kurz“ von einer Seite zur anderen, angeführt von ihren Schultern. Dies entwickelte sich zu nach oben reichenden Armen und zu fahrenden Kurven. Es fühlte sich an wie ein Gebäude, ein wachsender Zyklon. Ich habe dies als einen ziemlich überzeugenden und erfreulichen Effekt erlebt. Insgesamt fühlte es sich jedoch so an, als hätten einige langsamere Tempi und Momente die auffällige Sportlichkeit innerhalb des Stücks noch auffälliger machen können, um die Wirkung zu erzielen, die es für möglich hielt.
Als solches fühlte sich ein gefühlvolles und romantisches Duett, das von Fentroy und Doble, 'Location', getanzt wurde, in seinen kontrastierenden langsameren Geschwindigkeiten und süßen Momenten der Pause ziemlich zufriedenstellend an. Die Hüften setzen musikalische Akzente und bewegen sich im Raum hin und her. Ich fragte mich, wie das als Motiv öfter funktionieren könnte. An anderen Stellen schien es, als würde sich ein Gespräch in Bewegung aufbauen, wie z. B. ein Ruf-und-Antwort-Gespräch beim Wenden und ein Wenden vom anderen, um nacheinander hin und her zu folgen. Das Ende war süß, das Paar ging mit ihrem Arm auf seiner Schulter davon.
Ein weiteres Duett mit Kathleen Breen Combes und Jon Lam war sorglos und gefühlvoll. Ihr technisches Kommando schien an einem Ort zu sein, an dem sie einfach atmen und in der Bewegung sein können, deren Qualität und Schönheit durchscheinen. Das ganze Unternehmen trat nach und nach ein, um ein Finale anzubieten, an das man sich wirklich erinnern kann. Trotz der vielen Tänzer auf der Bühne blieben Linien und Formen irgendwie klar. Die Farben sickerten und verschmolzen, aber der Blues und die Magentas waren irgendwie immer noch verschieden. Die Energie im Theater war spürbar, als alle mitklatschten. Alle schienen auf der Bühne an Freude, Schwachsinn und Seele teilzuhaben.
Lasha Khozashvili, Patrick Yocum und Jessica Burrows in William Forsythes 'Pas / Parts 2018'. Foto von Angela Sterling, mit freundlicher Genehmigung von Boston Ballet.
Der erste Akt angeboten Pas / Teile 2018 , auch mit eigener Stimmung - stürmisch und angespannt. Atonale Teile der Musik, Bewegung, die ihre Akzente setzt, und Forsythes charakteristische, sich ständig verändernde Handlung trugen dazu bei, diesen Sinn zu schaffen. Ein Mangel an Pausen und langsameren Momenten war auch in diesem Akt vorhanden, schien jedoch im Vergleich zu dieser Qualität in den beiden anderen Akten am effektivsten zu sein, um seine Stimmung zu erzeugen.
Alles in allem waren drei verschiedene Stimmungen in drei verschiedenen Akten voller vielfältiger, beeindruckender Bewegungen klar. Technische Effekte, die Forsythe selbst entworfen hat, haben dazu beigetragen, diese Stimmungen weiter auszubauen. Spezifische Gefühle bei den Zuschauern können zum Nachdenken und Nachdenken führen, und das kann an sich eine künstlerische Leistung sein.
Karel Cruz
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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