Hana Kozuka. Foto von Richie Babitsky. 'Niemand weiß mehr, was' zeitgenössisch ',' modern 'oder' Jazz 'überhaupt noch ist.' Hast du das schon mal gehört? Dieser Schriftsteller hat. Sie hat es vielleicht sogar selbst ein paar Mal gesagt. Es mag übertrieben sein, aber die Tatsache bleibt, dass viele Tanzkünstler und Lehrer solche Formen mischen und darin etwas Neues für sich schaffen. Verlieren wir dadurch die Integrität und Klarheit klassischer, kodifizierter Techniken - und eine solche Mischung ist daher mit Sorgfalt und Zurückhaltung durchzuführen? Auf der anderen Seite, eröffnet diese Mischung von Formen Raum für fruchtbare Zusammenarbeit - und ist daher zu fördern? Für diejenigen, die sich für das Aufblühen der Tanzkunst in die Zukunft und die Bewahrung ihrer Tradition interessieren, scheinen diese Dinge nicht leichtfertig genommen zu werden.
Um diese Fragen zu beantworten, hat Dance Informaspoke mit vier Tanzkünstlern zusammengearbeitet: Hana Kozuka, Tänzerin / Choreografin Bettina Mahoney aus LA, Gründungsdirektorin von Fortitude Dance Productions und Tanzpädagogin Tracie Stanfield, Gründungsdirektorin von Synthesis Dance in NYC und Taylor McLean Bosch, künstlerische Leiterin von Nitrogen: The Company und Tanzpädagogin in NYC / Long Island. Lass uns gleich einsteigen!
Taylor McLean Bosch.
Ted Shawn-Theater
Warum diese Stilvielfalt? Gibt es dadurch einen größeren Einfluss auf die Tanzwelt?
Stanfield glaubt, dass „die Verschmelzung von Stilen (Substilen) in gewisser Weise eine Reflexion oder eine Antwort auf die Welt ist, in der wir leben. Unsere Gesellschaft schätzt mehr denn je Individualität, Personalisierung und Autonomie. Künstler sind nicht an „Regeln“ oder Methoden der Vergangenheit gebunden. “ McLean Boschs Gedanken hier sind ähnlich. 'Jeder versucht, seine Stimme zu finden', denkt sie. Kozuka merkt an, dass diese Verbreitung von Stilen „so viele weitere Dinge zusammenbringt“.
Auf der anderen Seite beschreibt Stanfield, wie wir diesen Trend als eine weitere Welle der Verbreitung von Stilen und Techniken sehen können, die mit dem Wachstum der Techniken und des Repertoires von Graham, Horton und Limón einherging - aber mit dem Hauptunterschied, dass es keinen offiziellen, endgültigen gibt Das grundlegende System für jeden Substil oder jede Technik hängt ausschließlich von den Werten und Vorlieben des Choreografen / Lehrers ab. “ Darüber hinaus findet diese Verbreitung heutzutage in „Straße, Jazz und Ballettstile “, sagt Stanfield. Zum Beispiel gab es eine Blüte von Klassen in Substilen wie 'zeitgenössischer Jazz', 'zeitgenössische Fusion', 'zeitgenössische Straße', 'zeitgenössisches Ballett' und 'lyrischer Jazz'.
Hana Kozuka. Foto von Peter Yesley.
Einige Lehrer identifizieren und fördern sich jedoch nicht anhand eines konventionellen Stils, den sie unterrichten, sondern anhand ihres eigenen Bewegungsstils / ihrer eigenen Qualität und Marke. Im Gegenzug können die Schüler bei der Entscheidung, welche Klassen sie belegen möchten, eher auf Lehrernamen und -marken als auf Stile achten - wie Kozuka bestätigt, ist dies ihre Norm. 'Es ist heutzutage schwierig, Dinge zu beschriften!' Sie sagt. Sie verweist auf Social Media als Treiber dieses Trends zum Aufbau der eigenen Marke. Als Lehrerin glaubt McLean Bosch, dass sie einen einzigartigen Stil und eine einzigartige Ästhetik hat, wird aber sagen, dass sie eine 'zeitgenössische' Lehrerin ist, wenn Arbeitgeber danach suchen.
Es gibt eine Spannung zwischen der Art der Marke der Künstlerin und der Art des tanzbasierten Geschäfts. Mahoney beschreibt jedoch, wie sie bestimmte Lehrerklassen für ihre Konventionen benennen muss, auch wenn sie nicht möchten, dass ihr Stil „kategorisiert“ wird. 'Ich habe ein Geschäft und ich muss Werbung machen', behauptet sie. McLean Bosch bestätigt diesen Punkt und verweist auf Konventionen, die das Geschäft verlieren, weil sie keine „zeitgemäßen“ Kurse anbieten. Gleichzeitig haben Wettbewerbe ihre Stücke als „modern“ eingestuft - wenn sie glaubt, dass ihre Arbeit eher „zeitgemäß“ als „modern“ ist.
Ist es ein Problem? Ist es eine gute Sache? Ist es beides? Was ist im Hinblick auf pädagogische, choreografische und brandingbezogene Ansätze zu beachten?
Mahoney macht sich Sorgen, wenn es um Tanzschüler geht, die eine kodifizierte Technik haben oder nicht 'Sie können nicht' off-book 'gehen, wenn Sie das Buch überhaupt nicht haben', behauptet sie. Ein Teil dieser wichtigen Vermittlung konventioneller Tanzstile an junge Studenten ist Tanzgeschichte unterrichten - woher diese Formen aus dem gesamten historischen Kontext stammten. „Dann können die Schüler wissen, dass die Gegenwart beispielsweise aus der Postmoderne und die Postmoderne aus der Moderne hervorgegangen ist“, bestätigt Mahoney. Soweit sie es sieht, Respekt und Beherrschung solcher Formen - und ihr historisches Erbe - sorgt für viel stärkere Choreografie, Performance, Pädagogik und mehr. Wie das alte Sprichwort sagt, muss man die 'Regeln' kennen, bevor man sie 'brechen' kann.
Bettina Mahoney.
evan luthras vermögen
Kozuka und McLean Bosch sehen diesen Trend der Verschmelzung und Verbreitung von Stilen letztendlich als eine gute Sache an, die es Künstlern ermöglichen kann, ihre wahrsten kreativen Stimmen zu finden und wundervolle Arbeit zu leisten. Kozuka glaubt, dass es in unserer Macht liegt, neue Kisten herzustellen, anstatt das Gefühl zu haben, dass wir Dinge in „Kisten“ packen müssen. 'Wenn [neue Stile] den Test der Zeit bestehen, bleiben sie - oder sie werden es nicht', denkt sie. 'Es wird einfach passieren - neue Stile werden entstehen und ältere Genres werden abgestanden', erklärt McLean Bosch.
Stanfield bestätigt die Feststellung des eigenen Bewegungsstils: 'Auch keine Regel ist eine Regel.' Sie begrüßt den Raum für Kreativität und Freiheit und weist darauf hin, dass Innovation immer Angst vor Veränderungen mit sich bringt (wie „Murren über die [Allgegenwart] von Mobiltelefonen“). Am Ende glaubt Mahoney, dass Tanzkünstler ihre eigene Bewegungsgeschichte mitbringen, basierend auf den einzigartigen Eigenschaften von Lehrern und Choreografen, bei denen sie studiert und für die sie getanzt haben. Kozuka unterstreicht diesen Punkt ebenfalls. Das stilistische und technische Erbe zu verkörpern und von dort weiterzugeben, scheint etwas zu sein, das ermutigt werden kann - denn so ist das Tanzfeld zu dem gewachsen, was es ist.
digitaler Zirkel
Tracie Stanfield unterrichtet am Broadway Dance Center.
Wie macht die Tanzwelt das Beste aus diesem Trend?
Stanfield unterstreicht die Herausforderung für Tänzer, die all dies schaffen kann - müssen trainiere in 'allen Stilen'. 'Wenn alles wichtig ist, ist letztendlich nichts wichtig.' Sie glaubt. Daher erscheinen tiefere Gespräche darüber, was für Tänzer machbar und zugänglich ist, notwendig. In Bezug auf die Spannungen zwischen Tanzlehrern und Geschäftsinhabern, wie sie McLean Bosch und Mahoney beschrieben haben, könnte ein solcher weiterer Dialog vielleicht auch dort helfen. Beide Parteien könnten ihre Bedürfnisse und Wünsche zum Ausdruck bringen, und die Suche nach Gemeinsamkeiten könnte zu einem einvernehmlichen Konsens führen.
In Bezug auf Mahoneys Bedenken gegenüber Tanzkünstlern, die von einer Grundlage kodifizierter Techniken ausgehen - technische Meisterschaft und tiefes kontextuelles Wissen darüber -, können Tanzpädagogen ihre Lehrpläne so gestalten, dass sie ihren Schülern diese Grundlage zuerst vermitteln und sie dann anleiten, sich auf etwas Eigenes zu konzentrieren. Für Kozuka ist es Sache jedes Künstlers, diese Dynamik der stilistischen Identität zu steuern, um sie mit bestem Urteilsvermögen, höchster Integrität und voller persönlicher Authentizität anzugehen. Das wird sich nach außen vervielfachen, um eine Tanzwelt zu schaffen, die dasselbe tut.
Stanfield glaubt, dass 'Tänzer von Arbeiten angezogen werden, die mit ihnen in Resonanz stehen ... wir fühlen uns zu den Erfahrungen und Stilen hingezogen, die uns nähren und herausfordern.' Etiketten sind für uns nicht unbedingt so aussagekräftig wie für andere Arten von Menschen, und wir können flexibles Denken in verschiedene Situationen bringen. Mit gutem Urteilsvermögen, Integrität, Authentizität und flexiblem Denken können wir durch knifflige Dynamiken navigieren - selbst solche, die so knifflig sind wie stilistische Identität, persönliches Branding von Tanzkünstlern, Tradition versus Individualität und dergleichen. Lass uns das machen!
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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