Paulo Arrais und Irlan Silva in Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto von Rosalie O'Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
3. November 2017.
Die Spannung zwischen dem Willen des Einzelnen und dem der Gruppe ist so alt wie die Zeit. Im klassischen Tanz gibt es dieCorps de Balletund Solisten. TraditionellKörperMitglieder müssen zusammen ein einheitliches Ganzes bilden, während Solisten die Aufgabe haben, vollständige und einprägsame Charaktere, Archetypen oder Ideen zu verkörpern. Einige Werke der Tanzkunst können diese Struktur nutzen, um vereinte Gruppen und diejenigen darzustellen, die von ihnen abweichen, jene „Außenseiter“, die es wagen, außerhalb der Linien zu färben. Es scheint sogar im Ballett, das in einer zeitgemäßeren Art und Weise hergestellt wurde, als möglich gezeigt worden zu sein.
Boston Ballet in Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung von Boston Ballet.
Das Boston Ballet demonstrierte einen solchen Ansatz mit großem Erfolg in Obsidianriss - einschließlich der Titelarbeit von Wayne McGregor und der Weltpremiere von Fünfte Symphonie von Jean Sibelius von der ansässigen Choreografin Jorma Elo. Der allgemeine Fokus, der mit Spezifität und dennoch facettenreichen Nuancen geliefert wird, die für Interpretationen offen sind, scheint 2017 ziemlich naheliegend zu sein. Verschiedene gesellschaftspolitische Kräfte veranlassen uns zu überlegen, wie wir das Leben des Einzelnen und das Gedeihen des breiteren Kollektivs in Einklang bringen.
Das Oxford Dictionary definiert 'Obsidian' als 'hartes, dunkles, glasartiges Vulkangestein, das durch die schnelle Verfestigung von Lava ohne Kristallisation gebildet wird' - ein merkwürdiges Wort für den Titel eines Balletts. Dies kombiniert mit der großartigen und dramatischen vorangegangenen Ouvertüre ('Finlandia' von Jean Sibelius, angeführt von Gastdirigent Daniel Stewart), und wir Zuschauer wussten nicht, was uns erwarten würde. Trotzdem wussten wir, dass wir mitfahren mussten. Die ersten Tänzer waren in Schwarz, einer in Rot - eine Farbe, die als lebendig und einzigartig herausstach. Andere Tänzer schlossen sich an, aber alle in Schwarz und keine mit diesem auffälligen Rot (Kostüme, zusammengestellt von der Modekoordinatorin Katie Shillingford). Das einzige Rot musste etwas bedeuten. Es musste etwas Großes kommen.
McGregors Bewegung in diesem Stück war wie Ahornsirup - er sickerte nachhaltig durch, aber mit einer irgendwie scharfen und auffälligen Süße. Ein Netz des klassischen und eher gemeinsam initiierten Zeitgenossen hat diese Qualität vielleicht aufgebaut. Die Musik verwoben sich durch diese Bewegung mit einer kontinuierlich mäanderförmigen Qualität. Umgekehrt schienen verschiedene Gruppierungen, während sich die Tänzer bewegten, unterschiedliche harmonische Teile in der Musik zu verkörpern - hoch und niedrig, scharf und mehrSprichwort.
Die Bewegung war auch eher formgetrieben - manchmal komplexer und verschwommen für das Auge, manchmal geometrischer und definitiver. Es wurde ein Geben und Nehmen, ein Gleichgewicht zwischen dem Definierten und dem etwas Undefinierbaren. Eine wirklich denkwürdige Form, die visuell erstaunlich war, aber auch scheinbar mit der Verbindung zwischen den Tänzern zu tun hatte, waren Arme, die eine Schleife bildeten (Tänzer, die Handgelenke hielten) und die Schleife, die zur Bühne erhoben wurde. Sie gaben dies frei, um es in einer anderen Variante erneut zu wiederholen.
Boston Ballet in Wayne McGregors 'Obsidian Tear'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung von Boston Ballet.
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Später gingen dieselben zwei zusammen von der Bühne - zwei Teile eines Ganzen, so schien es. Der Tänzer in Rot war jedoch nie mit solchen Verbindungen beschäftigt. Außerdem schlossen sich weitere Tänzer an und führten ihn zu einem Felsvorsprung - einem aus schwarzem, scharfem, dickem und starkem Fels. Obsidian . Eine Spannung des Kampfes stieg. Ein Tänzer streckte den Arm aus, als wollte er „her, Männer!“ Die Bewegung wurde dann schneller, geometrischer und eckiger - ellenbogengetrieben, mit Gesten in verschiedenen Ebenen und Richtungen. Es fühlte sich alles ziemlich mechanisch an. Die Tänzerin in Rot wurde schließlich an den Rand der Kante geführt. Die Spannung erreichte einen Höhepunkt, als er dort stehen musste, als kraftvolles, befehlendes Tanzen (im Duett und Solo) unter ihm spielte. Es schien kein Entrinnen zu geben.
Auf seltsam unheimliche Weise ging ein Tänzer langsam über die Bühne. Es erinnerte an den langsamen Marsch in Richtung Sterblichkeit. Das Ende schien für diesen Außenseiter in Rot so nah zu sein, dass es greifbar genug war, um sich in physischer Form zu widerspiegeln. Der Tänzer auf dem Sims versuchte zu fliehen, wurde dann aber in einen unbekannten Abgrund gestoßen. Dann kämpfte ein anderer Tänzer ums Leben - eine Darstellung desjenigen, der gefallen ist, oder eine der empathischen Verbindung zwischen ihnen als beide lebenden, fühlenden Menschen?
Über diesem Tänzer begann ein Duett von schwerer und geerdeter Bewegung, von angespannter und dennoch reibungslos ausgeführter Gewichtsverteilung. Dieser Abschnitt sowie vieles andere über das Stück (wie einige in einer rein männlichen Besetzung, die eher weibliche Kostüme trägt) durchbrach unerschütterlich geschlechtsspezifische Grenzen. Zu den rein männlichen Partnerschaften gehörten Formen und Bewegungen, die historisch von Frauen getanzt wurden. Es schien nicht alles auf sich aufmerksam zu machen, da es nicht das Hauptaugenmerk der Arbeit zu sein schien. Das Geschlecht schien einfach keine Rolle zu spielen.
Was mehr in Frage zu stehen schien, war die Behandlung dieses einen Tänzers in roter Ausgrenzung, Verleumdung und schließlich zu seinem Tod gedrängt. Bedeutsam war auch, wie ein Hauptleiter dieser Behandlung am Ende selbst von der Kante sprang - Lichter und Musik fielen plötzlich aus und der Vorhang fiel schnell herunter, um den Schock zu verstärken, diese völlig unerwartete Handlung zu beobachten. Ein Imbiss - manchmal werden wir geschubst und manchmal springen wir. Wir sind erledigt und tun es auf uns selbst. Ein weiterer Grund ist, dass diejenigen, die die Verwundbaren schikanieren und ausschließen, sich am Ende letztendlich auch selbst verletzen. Was auch immer der Fall sein mag oder sogar ohne eine bestimmte moralische Botschaft abzuleiten, es war eine einzigartige und auffällige Kunst zu erleben.
Boston Ballet in Jorma Elos 'Fünfter Symphonie von Jean Sibelius'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung von Boston Ballet.
Jorma Elos Fünfte Symphonie von Jean Sibeluis war merklich traditioneller, hatte aber eine eigene Art von zeitgenössischer Neigung. Es begann wirklich mit einem Knall, auf die Gefahr eines Klischees - aber eines, das in keiner Weise klischeehaft war. Von Anfang an verschmolzen Formationen auf sehr auffällige, innovative Weise miteinander. Es war eine andere Art von kontinuierlicher Bewegung als in McGregors Stück, als dass einzelne Gruppierungen sich kontinuierlich in bestimmten Phrasen bewegten. Das gesamte Bühnenbild veränderte sich ständig, verschob sich und entwickelte sich weiter. Mit cleverer Phrasenarbeit verschiedene Paare männlicher und weiblicher Tänzer in Grün und Kastanienbraun (Kostümdesign von Yumiko Takeshima) innerhalb dieser Formationen bewegt. Diese Phrasenarbeit wurde durch einige bestimmte Bewegungsmotive und -formen unterbrochen, darunter „V“ -Arme, „Scheren“ -Beine mit angehobenen Tänzern (um fast ein Gefühl des Fliegens zu erzeugen).
Es fühlte sich alles weitgehend klassisch an, aber die anschließenden Erweiterungen und die Gestaltung der Partnerschaften fühlten sich überzeugend zeitgemäß an. Etwas Bedeutendes fühlte sich jedoch ziemlich abweichend von klassischen handlungslosen Ballettstücken an. Eine Tänzerin in Blau (Ashley Ellis), die keinen Partner hatte, tanzte ihre eigene einzigartige Bewegung. An einem Punkt zum Beispiel saß Ellis, wirbelte herum und trat in die Pedale, als würde sie Fahrrad fahren. Hat ihre Einsamkeit sie am Fliegen gehindert und sie am Boden gehalten, während diejenigen mit der Unterstützung anderer fliegen konnten?
Die Einheit der Gruppe als Ganzes war zu Beginn nicht so festgelegt. Tänzer in klaren Linien bewegten die Gliedmaßen in alle Richtungen - ein organisiertes Chaos. Dies alles verwandelte sich in einen klareren Einklang - Kanon, Gruppierungen und dergleichen. Ellis 'Charakter schien jedoch nicht bereit oder in der Lage zu sein, sich innerhalb dieser vereinten Identität selbst zu definieren. In einem schönen Abschnitt beispielsweise sprangen Tänzer in sich sanft kreuzenden Linien. Die Tänzerin in Blau ging jedoch ihren eigenen Weg.
Derek Dunn und Hannah Bettes in Jorma Elos 'Fünfter Symphonie von Jean Sibelius'. Foto von Rosalie O’Connor, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Letztendlich kam die Gruppe, um ein wundervolles Tableau zu schlagen - doch die Tänzerin in Blau saß da und trieb ihre Beine. Sie ist nie gekommen, um sich der Gruppe wirklich anzuschließen. Dennoch breitete sich ein Lächeln auf ihrem Gesicht aus. Sie schien in Einsamkeit zu sein, aber nicht in Einsamkeit. Darin zeigte die Arbeit in Zusammenarbeit mit McGregor eine Vielfalt von Erfahrungen.
nick fink alter
Es gibt eine Ausgrenzung und einen Angriff des Außenstehenden, meistens aus Angst - oft aus Veränderung, aus dem Verlust dessen, was man hatte. Es gibt auch Fälle, in denen die Gruppe und der Außenseiter mit ihrer eigenen Identität zufrieden sind und Erfahrungen präsentieren. Unsere Welt (vielleicht mehr als seit langer Zeit) steht gegenwärtig vor den Fragen, wie wir die Bedürfnisse des Einzelnen und der Gruppe, das Wohlergehen des Rudels und das von Außenstehenden in Einklang bringen - vielleicht jetzt mehr als seit langer Zeit .
Kunst ist im besten Fall ein mehrteiliger Spiegel, der die Realität so widerspiegelt, wie sie ist - oder wie sie sein könnte. Tanz, mit Zugang zu der Kraft der unendlichen Möglichkeiten von Körpern im Raum - verbunden mit dem Geist und der Seele dieser Körper - hat vielleicht noch eine einzigartige Fähigkeit unter den Kunstformen. Im Obsidian-Träne, Das Boston Ballet nutzte diese Kraft mit Präzision und Anmut.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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