Bewertungen | April 2024

Sara Mearns von NYCB in Justin Pecks 'Danke, New York'. Foto von Erin Baiano.

27. bis 31. Oktober 2020.
Online-Streaming, gedreht im Lincoln Center Plaza und anderen Websites in New York City.

Lincoln Center: Es liegt eine Magie in der Luft, über Springbrunnen und Pools, die die großartigen und opulenten Gebäude dahinter widerspiegeln. Als leidenschaftlicher Tanzliebhaber denke ich gerne, dass die Aufführungen in diesen Gebäuden - wohl der Höhepunkt des Tanzes und anderer darstellender Künste in der Nation und vielleicht sogar in der Welt - diese Magie anregen und verbreiten. Für einen Moment aus Manhattans Columbus Circle herauszoomen: Mit Ausnahme des ortsspezifischen Tanzes geht es in der Kunstform nicht so sehr um den Raum, in dem getanzt wird, sondern um Bewegung, andere ästhetische Elemente (Kostüm, Beleuchtung und Musik) und wie diese Medien zusammenkommen.

Ein Theaterraum innerhalb und außerhalb des Gebäudes hat jedoch eine Magie. Man kann ein energetisches Summen von früheren und zukünftigen Aufführungen spüren. Das New York City Ballet (NYCB) kann derzeit aufgrund von COVID-19 nicht im Lincoln Center tanzen. Während des New Works Festivals in der digitalen Saison im Herbst 2020 erkundete und würdigte das Unternehmen jedoch die Magie dieses Raums - und darüber hinaus von New York City insgesamt.

Mira Nadon von NYCB in Sidra Bells 'Pixelierung in einer Welle (Innerhalb von Drähten)'. Foto von Erin Baiano.

Bell Cider ’S Pixelierung in einer Welle (Innerhalb von Drähten) hatte eine Bewegung, die sehr architektonisch war: manchmal pausierten, manchmal multi-lineare Formen pausierten im Stakkato-Rhythmus. Diese Haltungsformen waren klar und resonant. Die Tänzer haben es geschafft, durch sie zu fließen, anstatt ihre Bewegung innerhalb der Formen statisch werden zu lassen - eindrucksvoll. Die Musik, die von Bells Vater Dennis Bell komponiert wurde, war in den Noten suspendiert, die diese Bewegungsqualitäten unterstützten. Die schwarz-weißen Kostüme hatten faszinierende Schnitte und Formen, boten ästhetische Intrigen und unterstützten auch diese Bewegungseigenschaften.

Als ich über diese Qualität nachdachte, dachte ich über den hochpoetischen Titel „Pixelierung in Welle“ nach, den eine Welle fließt, aber wie ein Pixel in einem digitalen Bild sind die einzelnen Wassertropfen unterschiedlich. Die Körper der Tänzer schienen die Architektur des Lincoln Center Plaza um sie herum widerzuspiegeln und das Unbelebte zu verkörpern, um es zu beleben. Dies brachte mich dazu, mir ohne Menschen zu überlegen, was von einer Stadt übrig bleibt. Was bleibt übrig, wenn Menschen durch COVID drinnen bleiben, um es zu energetisieren und zu charakterisieren?

Alex Edgar

In diesem Ton hatte die Partitur eine traurige Qualität, wie zum Beispiel in der Aussetzung von Noten. Als sich die Tänzer im Raum auseinander bewegten (abgesehen von einem Paar Partnering, von dem ich annahm, dass es COVID-sicher war, weil diese Tänzer bereits zusammen lebten oder schnelle Tests durchführten), dachte ich darüber nach, an großen Gebäuden vorbei zu gehen, in denen einst grandiose Ereignisse stattfanden, und eine Traurigkeit zu empfinden dabei. Außerhalb des Gebäudes zu tanzen schien diesen Zustand auf seine eigene Weise zu symbolisieren, aber gleichzeitig eine Belastbarkeit, wenn wir nicht vor einem Publikum auf der Bühne tanzen können, alle zusammen im Raum, dann werden wir immer noch draußen tanzen. Nichts kann uns davon abhalten, uns zu bewegen.

Russell Janzen von NYCB in Pam Tanowitz ''Solo for Russell / Sites 1-5'. Foto von Jon Chema.

Pam Tanowitz choreografierte ein Solo für den NYCB-Direktor Russell Janzen für das New Works Festival. Solo für Russell - Seiten 1-5 . Er tanzte manchmal in einem weißen Kostüm mit einem blauen und einem gelben Streamer und manchmal mit Aufwärmübungen darüber - abstrakt und hoch architektonisch im Design, genau wie ein Großteil der Bewegung. Wenn nicht abstrakt und architektonisch, war ein Großteil davon Fußgänger: einfaches Treten, Gestikulieren und Schauen. Zu dieser Zeit dachte ich an einen einzigen Menschen in einem großen Raum, hohe und weitläufige Strukturen überragten ihn.

Ich dachte an die Kleinheit der Menschen in der Größe des Universums, trotz all des mentalen und emotionalen Potenzials und der Reichweite, die wir enthalten. Die rohen praktischen, menschlichen Elemente zeigten sich auch darin, wie Janzen Marley mit sich durch den Raum brachte - sozusagen die „Backstage“ -Ansicht. Diese sehr menschliche Eigenschaft war auch vorhanden, als er ein Bein in Arabeske nach hinten streckte oder darüber verlängerte - aber als er etwas Technischeres tanzte, nahm die Anwesenheit des Tänzers, der sein Handwerk verkörperte, eine neue Energie an.

carley simkus

Janzen in Aufwärmübungen und dann in vollem Kostüm zu sehen, in verschiedenen Rahmen und absichtlich bearbeitet, um sich abgegrenzt zu fühlen (es fühlte sich an), fühlte sich wie eine philosophische Trennung von Tänzer und Tanz, Kunst und Künstler an. Mein Verstand könnte ewig daran kauen! Nahaufnahmen von Füßen, Beinen und Janzens Gesichtsausdrücken fügten diesem intellektuellen Interesse eine visuelle Intrige hinzu.

New York City Ballet in Andrea Millers 'neuem Lied'. Foto von Jon Chema.

Andrea Millers neues Lied war für mich als Zuschauer bisher das angenehmste Erlebnis auf dem Festival. Die Bewegung hatte eine Virtuosität, eine hochfliegende Arabeske wie ein Vogelflügel, der nach hinten schnappte, sich zurückbog und drehte, ohne den geringsten Moment der Unstetigkeit oder Spannung, bei dem mein Kiefer wirklich herunterfiel. Es gab aber auch eine Geschmeidigkeit und Leichtigkeit, Bewegungsfreiheit in Wirbelsäule und Hüften, die sich wunderbar an die lateinamerikanische Musik anpasste, und Beugungen in Kostümen - wie Rot und Schwarz, hohe Kragen, lange und körperbetonte Schnitte. Die Architektur des Raumes hatte auch eine schöne Parallele zur Bewegung - die Architektur des Körpers in der felsenfesten und virtuosen Technik sowie in den Formationen von Diamantformen, Rechtecken und Kreisen. In diesem Fall hat das Sicherheitsbedürfnis, fern zu bleiben, möglicherweise zu einer atemberaubenden und unvergesslichen Architektur des Menschen im Weltraum beigetragen.

Voraussichtlich waren auch Teile der Tänzer, die sich durch Wasser bewegten - sauber spülen und für alles Leben auf der Erde sorgen konnten. In Kombination mit der Sehnsucht und dem ausdauernden Sinn in der Partitur wurde Millers Arbeit zu etwas Elementarem am Menschsein. Selbst wenn wir keinen physischen Kontakt haben, befinden wir uns zusammen in einer Architektur aus Raum und Energie. Abgesehen davon war die Arbeit ästhetisch faszinierend. Es zog mich alle an - Körper, Geist, Herz und Seele.

Victor Abreu von NYCB in Jamar Roberts ''Water Rite'. Foto von Erin Baiano.

In Jamar Roberts Wasserritus Der NYCB Corps de Ballet-Tänzer Victor Abreu bewegte sich in einem Gewässer, genau wie in Millers Werk (Premiere in der Nacht zuvor). Die Musik war Stakkato mit einer dramatischen treibenden Kraft und Abreus Bewegung folgte dem Beispiel - eckig, stakkato und schnell.

UDC-Tänzer

Abreus Bewegungsqualität, mit einem schönen Sinn für Linie und Auftrieb, aber auch mit einer zeitgemäßen Freiheit durch Gelenke und einer Leichtigkeit, sich durch eine Vielzahl von Gesten und Formen zu bewegen, faszinierte mich. Die Freiheit und die elementare Qualität des Menschen, im Wasser zu tanzen, es plätscherte und bewegte sich nach und um Abreu, nahm mich auch direkt auf. Er streckte einen Arm auf und ab, während er durch Wasser ging, tauchte ihn ein und traf diesen Arm nach einem Schlag rückwärts für Furore sorgen. Ein paar Zählungen später drehte er sich um, stürzte sich und rollte sich dann durch den Rücken. Ich war völlig in all das vertieft.

Der vielleicht faszinierendste Teil der Arbeit war das Schwenken der Kamera am Ende und die Aufnahme mit den Musikern mit ihren Instrumenten direkt im Wasser. Es war auffällig zu erkennen, dass sie die ganze Zeit dort waren, und es eröffnete ein Element für die Schaffung der Arbeit, indem es uns die Menschen zeigte, die dieses Element geschaffen haben. Je mehr wir sehen und lernen, wie ein Werk entsteht, desto besser können wir es verstehen und schätzen.

Taylor Stanley von NYCB in Justin Pecks 'Danke, New York'. Foto von Jody Lee Lipes.

Die letzte Arbeit des Festivals war die von Justin Peck Vielen Dank, New York . Es begann damit, dass Tänzer über Szenen der Stadt blickten und teilten, was es für sie bedeutet. Ihre Kleidung war Fußgänger und ich fühlte mich in Kontakt mit der rohen Menschlichkeit dieser Tänzer - zumindest ein Teil davon. Dann tanzten sie - in einem Park, in einem Lagerhaus, in einer Gasse, auf einem Dach, jedes Solo in seinem eigenen Raum. Sie bewegten sich schnell und gaben Allegro eine neue Bedeutung.

Die Geschwindigkeit vermittelte eine tiefe Leidenschaft - die tiefe Leidenschaft dieser Tänzer für die Stadt und die Arbeit des Tanzens, die sie darin tun. Es hatte die Qualität, alleine in einem Schlafzimmer zu tanzen (wie so viele von uns als Teenager), aber diese Tänze waren der Höhepunkt von Ballettvirtuosität und Kunstfertigkeit. Die Standorte boten auch so viel von New Yorks einzigartiger Schönheit - von endlos weitläufigen Sonnenuntergängen bis zu farbenfrohen und kiesigen Seitengassen und Lagerhäusern.

„Danke, New York, darf ich noch einen Tanz mit dir haben“, sang der Sänger der Pop-Partitur. Es fühlte sich an, als würden diese Worte direkt aus den Herzen dieser Tänzer kommen. Vielen Dank, NYCB, dass Sie den Kurs geändert haben, damit das Publikum neue Werke von erstklassigen Tanzkünstlern erleben kann. Vielen Dank, dass Sie den Moment kennengelernt haben und dafür gesorgt haben, dass sich diese Kunstform wirklich ständig weiterentwickelt. Vielen Dank an die Räume, in denen wir tanzen, um uns und unsere Energie zu halten. Ohne dich könnten wir es nicht schaffen.

Von Kathryn Boland von Tanz informiert.