Cleo Macks 'Arrangement'. Foto mit freundlicher Genehmigung von Dance Nows Dance-Mopolitan Encore-Serie. Joes Pub, New Yor, NY.
11. Januar 2020.
Tanzkunst mit authentischem Humor und Herz bleibt wirklich bei mir - ich fühle es, lebe darin, erinnere mich daran. Es erinnert mich daran, dass wir mit all unseren getrennten Identitäten und (wahrgenommenen?) Spaltungen alle Menschen sind. Die Encore-Serie von DANCE NOW Dance-Mopolitan bot durch einen talentierten Gastgeber und herzliche Darbietungen diese Art von Tanzkunst. Joe's Pub bot eine einladende Atmosphäre, in der die Zuschauer essen und trinken konnten, während sie die Show sahen. Eine leichte und freudige Atmosphäre erfüllte den Raum. JETZT TANZEN „Erstellen Sie inklusive Zielveranstaltungen, die voller Innovation und grenzenloser Fantasie einer Gemeinschaft von Tanzkünstlern mit mehreren Generationen sind.“
Das erste Stück, „SoLo“ (2019), gab den Ton für die theatralische Qualität, das Herz und den Humor vieler zukünftiger Stücke an. Mark Gindrick, in einem Fedora, einer blauen Sportjacke und Jeans, sagte „Song One“ in ein Mikrofon. Er synchronisierte eine Zeile mit der Lippe und fiel dann auf das Wort „fallen“, fiel zu Boden und ging aus. Diese Wahl begründete den Slapstick-Stil der Arbeit. Das Publikum kicherte über diese unerwartete Wendung der Ereignisse. Doch ein paar Sekunden später stand er wieder da und hatte wieder Licht auf sich.
Er fing an, eine dramatische Ballade über unerwiderte Liebe zu synchronisieren - den Kopf mit einer breiten Haltung zurückgeworfen und das Mikrofon mit ihm im Rockstar-Stil zurückgezogen. Seine Anwesenheit war dramatisch humorvoll und die Beleuchtung niedrig, um dem Ambiente zu entsprechen. In „tänzerischeren“ Abschnitten bewegte er sich in einem von Jazz inspirierten Bewegungsvokabular, humorvollen Berührungen wie dem Schlagen einer Hand auf den Rücken der anderen, während er in Passé eine Markierung markierte.
Das Lied bezeichnete diese Frau, das Objekt seiner Zuneigung, als „den Wind“. Ein Mann in einem Headset, vermutlich ein Theatertechniker, sorgte für einen Windeffekt, indem er die Kleidung des Sängers zerzauste. Das Publikum kicherte über diesen Effekt. Es war ein Teil der komödiantischen Selbstverachtung, der Humor aus kreativen „Low-Budget“ -Ansätzen zu machen, und ein Teil des „Meta“ -Kommentars, der einen Einblick in die Prozesse gab, die dahinter stecken, Tanzkunst zum Leben zu erwecken.
Das Anti würde erhöht werden, der 'Tech' -Typ bekam einen Laubbläser und blies ihn auf den Sänger, der sogar die Luft in seinen Mund nahm, um seine Wangen zu sprengen. Die Menge aß es auf und Gelächter hallte durch das Theater. Zum Schluss blies der Techniker den Sänger von der Bühne und stand im Mittelpunkt. Er schien die Aufmerksamkeit der Menge zu genießen, bevor er sich verbeugte und losfuhr. Das Publikum feuerte diesen Mann an, jemanden, von dem wir nicht erwarten würden, dass er jetzt im Rampenlicht steht. Das Stück eröffnete auch geschickt und freudig die Vorstellung davon, was „Tanz“ ist und sein kann.
Der Gastgeber, Trudee, tanzte als nächstes herein. Sie bewegte sich lebhaft zu Popmusik, tanzte mit technischem Kommando, aber auch mit einem lockeren sozialen Tanzgeschmack. Von Schrittberührungen über Zinnen bis hin zum Signalisieren einer Wende (wobei eine Hand in der Passe auf den Rücken der anderen schlägt und diese „Meta“ -Einwirkung aus dem ersten Stück zurückbringt) hat sie sich mit Freude und voller Energie all dem verschrieben .
Ihr Kleid war funkelnd rosa und weiß, mit einem winzigen rosa Achselzucken. Ein „Fauxhawk“ und funkelnder Schmuck rundeten ihren „Look“ ab. Sie begann mit einem Long Island-Akzent vom Typ New Jersey zu sprechen, hoch und naseliert. Der Charakter war klar, fast archetypisch. Sie sprach davon, alle Darsteller zu lieben, alle wunderbaren Menschen, die hervorragend darin sind, was sie tun. Das Publikum kicherte, die Art von Kichern, die von Herzen kommen.
Dann kam ein gefühlvolles, unvergessliches Duett - „ein Porträt von ihnen“, aufgeführt von Ryan Rouland-Smith und Nicole Vaughan-Diaz und choreografiert von Vaughan-Diaz. Vaughan-Diaz stand hinter Rouland-Smith, der auf einem Stuhl saß. Sie führten Gesten aus, um näher und weiter voneinander zu kommen - eine Hand an eine Schulter, eine Platzierung dieser Hand weiter entfernt. Sie bewegten sich schneller und größer durch diese Gesten, bis sie von ihren Stühlen aufstanden und sich durch den Raum bewegten. Ihre Anwesenheit verstärkte das Gefühl von hohem Drama und emotionaler Unsicherheit, die mit schwierigen Zeiten in Beziehungen einhergehen können.
Ihre schlichte Kleidung in Erdtönen und die geradlinige, aber dramatische Klavierpartitur ergänzten diese Atmosphäre gut. Sie bewegten sich in weitere Ebenen und Ebenen im Raum und tanzten auf diesen Stuhl zu und von ihm weg. Die Bewegung dehnte sich auf diesen ursprünglichen Moment von Hand zu Schulter aus. Gliedmaßenwinkel wurden zu Stützen für Aufzüge - ein Oberarm wurde zu einem Regal, ein gebogener Ellbogen diente zur Sicherung. In einer denkwürdigen Bewegungsphrase bewegte sich eine Rückbiegung in einen unterstützten Sturz in einen anderen Lift. Die Bewegung und ihre Aufführung waren gewagt und engagiert. Der Konflikt zwischen Liebe und Animus schwang durch alles mit. Die Arbeit ließ mich in einem nachdenklichen, aber auch emotional geprägten Raum zurück.
Trudee kehrte ein paar Mal zurück und erzählte uns von den „Mikrogenres“ verschiedener Künstler. Eine der kommenden Darstellerinnen war 'Limbgevity', erklärte sie in 'Duet'. Gus Solomons Jr. interagierte mit einem Walker mit einer Marionette. Er begann nach hinten zu schauen und die Puppe zeigte seinen Kopf. Er drehte sich um und bewegte seine Puppe auf herzerwärmende Weise: Die Puppe „ging“ seinen Arm hinauf, umarmte seinen Hals und schien Verstecken zu spielen. In den Programmnotizen dankte er „DANCE NOW“ dafür, dass ich den Titel eines Choreografen behalten durfte. Die Arbeit war eine rührende Darstellung der Möglichkeit für herausragende Leistungen in Tanz und Bewegung bei allen Menschen.
Cleo Macks 'Arrangement' - eine erfinderische Arbeit konzeptionell, ästhetisch und konzeptionell - schloss das Programm ab. Blair Ritchie, Kelli McGovern und Mandi Stallings von Rock Dance Collective tanzten es. Die Arbeit steckte Löcher in der Behauptung vieler zeitgenössischer Tanzkünstler, dass die Verwendung einer Partitur mit Texten eine riskante - vielleicht sogar nicht zu empfehlende - Wahl des Klassikers 'Ist das alles, was es gibt?' Ist. geführte Bedeutung und Atmosphäre. Die Arbeit war unter anderem wegen der Langeweile und Unzufriedenheit der Tänzer überzeugend - was zum Song passte. Auch hier trugen sie schwarze Kleider mit Perlen, Ohrsteckern und niedrigen, bescheidenen Absätzen - und etwas ausdruckslosen Gesichtsausdrücken.
Sie begannen an Stühlen, und diese Stühle waren eine Erdungsbasis, zu der sie immer wieder zurückkehrten - diese Erdung in Langeweile. Auffällig war auch die effektive Verwendung einer Grundbewegungsphrase, die leicht manipuliert und durch die Arbeitsarme wiederholt wurde - Arme, die zu einem Winkel aufgefächert waren, wobei einer fiel, während der andere sie erwischte und der andere sich drehte. Diese Wahl verstärkte dieses Gefühl der Langeweile durch eine zyklische Natur, ein Gefühl, zu demselben alten Ding zurückzukehren und vielleicht nie etwas Ja wirklich Ändern.
Irgendetwas an all dem - vielleicht die Texte kombiniert mit der Atmosphäre und der Dramatisierung der Tänzer - brachte mich zum Kichern. Ich fühlte alles tief gleichzeitig, aber dieses Gefühl der Stase und dass es irgendwie etwas mehr aus dem Leben geben muss. Humor, Herz, eine großartige Bewegung - und oh ja, rosa Pailletten - alles kam zusammen, um die „Encore“ -Serie von DANCE NOWs Dance-Mopolitan zu einem zugänglichen, unterhaltsamen Nachmittag voller Tanzkunst zu machen. Es war die Art von Tanzkunst, die alle willkommen heißt, und wer möchte sich nicht willkommen fühlen? Wenn die Tanzwelt vorwärts springt, darf das nicht vergessen oder beiseite geworfen werden. Trudee drückte es gut aus - sie ermutigte Individualität und Selbstakzeptanz und erinnerte uns daran, niemals „Ihre Mikro-Genres zu vergessen“. Wir alle brauchen diese Erinnerung manchmal.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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