Performance der 18. Staffel der OnStage Dance Company: Die Kraft des Konzepts

Amy Foley Amy Foleys 'Warten'. Foto von Mickey West Photography.

Boston University Dance Theatre, Boston, Massachusetts.
25. Januar 2020.



Konzept - es kann Tanzkunst von Bewegung abheben, sie relevant machen und sie bei den Zuschauern wirklich „heimisch“ machen. Die in Malden, MA, ansässige Onstage Dance Company, ein einladendes Zuhause für vielbeschäftigte Profis, die nach ihren Studio- und College-Tanztagen weiter tanzen möchten, präsentiert immer gut gemachte und unterhaltsame Shows. Bei der Performance der 18. Staffel des Unternehmens fiel mir jedoch das Vorhandensein besonders ergreifender und einprägsamer Konzepte auf. Es erinnerte mich daran, wie mächtig ein erfinderisches oder bedeutungsvolles Konzept sein kann, das mit Engagement und Sorgfalt umgesetzt wurde.



Das allererste Stück, Michelle Blocks Kopfüber begann dieser Trend zu raffinierten, unterhaltsamen Konzepten. Die Tänzer begannen in einer von hinten beleuchteten Silhouette in zwei Linien. Die Lichter zeigten viel mehr farbige, grüne und lila Kleider mit einer passenden Lichtfarbpalette.

Block forderte, diese beiden Farbgruppen auf ästhetisch faszinierende Weise zu haben, z. B. als Partner eines Tänzers, der eine Farbe trägt, und eines anderen Tänzers, der die andere trägt, das Verweben und Wechseln von Tänzern, die die beiden Farben tragen, und das Teilen auf den Bühnenseiten. Dies war ein unbenanntes, aber deutlich sichtbares Konzept innerhalb der Arbeit. Ein anderer wurde tatsächlich benannt, in dem Titel tanzten sich Tänzer physisch und gegenseitig in Partnerschaft. Beide Konzepte spielten die Dualität überzeugend aus - nach oben oder unten, in der einen oder anderen Farbe.

Während diese Binärdateien klar waren, weckte mein Interesse auch die Räume und Zeiten, in denen wir Grautöne zwischen den beiden Enden des Spektrums sahen - auf halbem Weg bis auf den Kopf gestellt, Körper parallel zum Boden oder wenn die Farben darin gemischt wurden eine Gruppe. Die Tänzer haben alles mit Engagement und technischem Kommando ausgeführt. Optisch und mental gab es so viel zu kauen. Kurz gesagt, es hat einfach Spaß gemacht, es aufzunehmen.



Teresa Fardellas Auf See verloren kam als nächstes. Es brachte ein anderes Gefühl - dunkler, mysteriöser, reflektierender. Eine Klavierpartitur mit verlockendem Gesang vermittelte diese Atmosphäre, und cremefarbene Kleider, die das Gefühl eines leeren Zustands vermitteln, bauten sie weiter aus. Die Beleuchtung war schwach, wurde aber im Verlauf des Stücks heller. In ähnlicher Weise beschleunigte sich die Bewegung etwas und wurde im Laufe des Stücks energieloser. Kleine Sprünge und größere Sprünge fügten dieser Energiezunahme ein Gefühl des Fliegens hinzu.

Eine weitere Entwicklung waren Tänzer, die in schwarzen Kleidern eintraten - ein Kontrast zwischen zwei getrennten Gruppen, wie es Block's Stück getan hatte. In diesem Stück diente diese Wahl dazu, das Gefühl der Suche nach einem Gegenteil, nach etwas außerhalb des Bekannten zu verstärken. Hinzu kam, dass häufig andere Ebenen im Raum und Orte im Raum (der Bühnenraum) verschoben wurden. Von der Art und Weise, wie Tänzer miteinander in Beziehung standen - kreisen, sich ducken, auf sie zukommen, aber dann sicher weg -, betrachtete ich diese „auf See verloren“ als eine Trennung von der wahren menschlichen Verbindung, die im turbulenten Meer des Lebens verloren ging.

Es würde Klarheit und Absicht in der Bewegung erfordern, damit die Bewegung eine solche Interpretation anspornt und die Darsteller liefern. Ein balletischer / lyrischer Stil fügte eine Anmut und einen Formalismus hinzu, die den Rand all dessen milderten. Zum Schluss machten die Tänzer eine Pause und schienen sich zum ersten Mal wirklich zu sehen. Wurden sie gefunden? Das wäre Sache der Zuschauer, selbst zu entscheiden. Das ist eine wunderbare Sache, für die Kunst Raum halten kann.




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Den Abschluss machte Jennifer Kuhnberg Engel bei den Flügeln . Jeder Teil davon förderte das Konzept, Engel in unserem Leben zu führen. Zu Beginn wurde die Bühne von hinten beleuchtet, um einen Silhouette-Effekt zu erzielen. Mit weißen Kleidern drapierte Wäscheleinen bildeten die Bilder von Engelsflügeln, und Tänzer hatten direkt darunter ein Tableau gebildet. Lichter gingen an, um die Tänzer vollständig beleuchtet zu enthüllen, in Kostümen, die anmutig fließend und weiß waren. Die Beleuchtung erzeugte ätherische Schatten. Im weiteren Verlauf des Stücks wurde ein Gefühl der Harmonie deutlich - selbst durch verschiedene Formationen und Arten von Tänzern, die miteinander in Beziehung standen (in Kanonen, im Einklang, in ihrer eigenen Bewegung).

Partnering in einer erweichten und freigegebenen zeitgenössischen Qualität brachte ein Gefühl der Unterstützung. Tänzer rollten über die Hüfte eines Partners, um in tiefen, geerdeten Ausfallschritten zu landen oder ihren Schwung in eine Kurve zu verlagern. Auf der Bühne war viel los, aber alles war visuell sehr gut organisiert - um zugänglich, überzeugend und unterhaltsam zu sein. Diese Eigenschaften setzten sich bis zum Ende fort - Tänzer schufen ein Tableau mit verschiedenen Ebenen und Formen, hinter dem eine Flügelform leuchtete. Es war sicherlich etwas Jenseitiges und Majestätisches an allem, etwas, das mich beruhigt und friedlicher machte, nur weil ich es erlebt hatte.

Willow Gertz Die letzte Rose eröffnete den zweiten Akt. Krummlinige Bilder, die wieder mit Blumen verbunden waren, und ein rot / rosa Farbschema machten dies umso deutlicher. Eine starke Bewegung mit einer klaren Anmut ahmte die Schönheit einer Rose nach, die dennoch schützende Dornenelemente wie das Motiv eines kreisenden Arms aufweist, die die Weichheit und scharf geometrische Formationen die Stärke brachten. Tänzer, die in Kettenform verbunden waren, schlängelten sich über die Bühne, bewegten sich dann aber in eine Diagonale. Sie hielten die Hände auf dem Rücken und gingen in gebundener Qualität, bis sie sich in schmelzender Qualität bewegten. Tänzer haben diese Eigenschaften klar und überzeugend vermittelt. Dieser Kontrast von Stärke und Weichheit, der für eine Rose steht - in Bewegungsvokabular, Bewegungsqualität und Formationen - erweckte ein faszinierendes Konzept und ein einfach erfreuliches Nugget der Tanzkunst zum Leben.

Später im Gesetz kam ein weiteres Werk aus Kuhnberg, Spiel des Überlebens . Eine Atmosphäre der Wildnis und all die gefährliche Nervosität darin war von Anfang an klar und faszinierend. Tänzer bildeten Linien und tanzten dann in ihnen, große Stöcke fügten ein Erdungselement sowie einen Höranker hinzu (sie schlugen die Requisiten gemeinsam auf die Bühne, machten auf sich aufmerksam und trugen zur Atmosphäre bei). Die Wildheit war klar in der grünen und gelben Beleuchtung, gezackten Schnitten von Kostümen in ähnlichen Farben und schroffen Bewegungen.

Die Texte „Das Spiel des Überlebens“ klingelten durch das Theater und alles kam für mich zusammen. Verschiedene Gruppen von ihnen bewegten sich auf eine Art und Weise, die mich fragen ließ, wer Jäger und wer Beute war - kreisen, stürzen, oben und unten eintauchen. Kuhnbergs Bewegungsvokabular wurde so gewagt und hartnäckig wie die wilde Tänzerin, die auf einer Hüfte glitt, über die Schultern anderer Tänzer rollte und über andere Tänzer sprang, die auf der Bühne lagen.

Das Ende hat mich am meisten gefangen genommen, aber Tänzer haben die Stöcke perfekt zusammengeschlagen und die Lichter gingen aus - ein verlockender Aufruf, sich zu fragen, was als nächstes kommen könnte, jenseits der Grenzen des Stücks in der imaginären Welt, die sie gebaut hatte, und einfach wahr zu den Sinnen ziehen. Das kluge Erstellen eines Konzepts durch ein Kunstwerk der Tanzkunst kann einen solchen Effekt haben, und die Onstage Dance Company hat sie in ihrer Performance der 18. Staffel lobenswerterweise dort abgeliefert.

Von Kathryn Boland von Tanz informiert.

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