ELSCO Dance ist 'Close'. Foto von Mikey West. Das Huntington Avenue Theater, Boston, Massachusetts.
11. August 2018.
Die Duettform kann Kunst zu einer der angeborensten menschlichen Erfahrungen machen: zwei Menschen, die in Zeit und Raum interagieren. Das Boston Contemporary Dance Festival, das von Urbanity Dance veranstaltet wurde, hatte in seiner 20-Uhr-Show viele bemerkenswerte Werke mit unterschiedlich vielen Tänzern. Am auffälligsten waren jedoch die schiere Anzahl und die stilistische Vielfalt der Duette. Dies war überzeugend und erfrischend zu sehen, wenn man die allgemeinen Trends im zeitgenössischen Tanz berücksichtigt.
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Dritter in der Aufstellung der Nacht war Robert Mark Dance verwobener Schatten , choreographiert von Robert Mark Burke, einem zeitgenössischen Ballettduett, das sowohl in seiner technischen Kühnheit als auch in seiner atmosphärischen Wildheit auffällt. Die Tänzerin Monica Gonzalez begann posiert zu stehen, stand im Mittelpunkt und strebte zielstrebig nach oben. Es begann eine Partitur des klassischen Chorgesangs, die ein Gefühl für die Präsenz einer höheren Macht erweckte. Sie begann sich mit Befehl zu bewegen, aber mit einem Hauch von Aufregung.
Robert Mark Dance im „verwobenen Schatten“. Foto von Mikey West.
Bald gingen die Lichter an und ihr Partner, Jared McAboy, schloss sich an. Die Lichter waren so abgewinkelt, dass die Tänzer beim Tanzen Schatten erzeugten - daher der Titel verwobener Schatten. Rote und goldene Kostüme trugen zur Intensität von Bewegung, Musik und Beleuchtung bei. Sie tanzten in einer magnetischen Beziehung zusammen - manchmal unkontrolliert zueinander hingezogen, manchmal abgestoßen.
Es gab Momente scheinbarer Unterwerfung, wie Gonzalez, der mit McAboy verschmolz oder sich in einem viel tieferen Raum bewegte. Dann würde sie sich höher erheben oder sich von ihm entfernen. Erfinderische Phrasenarbeit, initiiert durch gemeinsame Artikulationen, stimmte mit der auffälligen Musikdynamik überein. Es gab einen balanchinischen Geschmack von absichtlicher Assymetrie für dramatische Wirkung und erhöhte Virtuosität. Ein auffälliger Satz war eine Fouttée, die sich in einen Sprung verwandelte, der bis zum Boden reichte (durch eine Planke).
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Mark Burke hielt nichts zurück und seine Tänzer auch nicht. Zum Schluss tanzte Gonzalez eine ganze Weile unter McAboy, in scheinbarer Unterwerfung. In einem '#metoo' -, '#timesup' -Alter fühlte sich dies ein bisschen sozial taub an. Zum Glück stieg McAboy aus und Gonzalez erhob sich, um das Stück zu beenden, als sie begann - im Rampenlicht im Mittelpunkt. Diese Wahl schuf eine leistungsstarke „Vollkreis“ -Struktur.
Vor der Pause kam Wange an Wange , choreographiert von Jaclyn Walsh in Zusammenarbeit mit Brandon Koepsell. Es war eine zeitgenössische Tanz-Variante eines glatten, klassischen weichen Schuhs. Die Arbeit verkörperte irgendwie gleichzeitig eine höfliche und eine teuflische Eigenart. Fred Astaires Version des Songs erklang, mit ein bisschen klassischem Plattenfeedback im Audio - eher atmosphärisch als lästig.
Die Tänzer Walsh und Koepsell führten klassische Fußarbeit mit weichen Schuhen und zeitgemäßen Akzenten aus, darunter gebogene Füße, Inversionen und erfinderische Lifte. In einem Moment zum Beispiel drehte Koepsell Walsh zu sich, als sie sich zurückbog. Nach etwas zarter Beinarbeit hob er sie hoch, damit sie sich horizontal um seinen Rücken drehte. Irgendwie fühlten sich solche Stilverschiebungen nicht störend an, sondern waren seidig glatt.
Jaclyn Walsh und Brandon Koepsells 'Cheek to Cheek'. Foto von Mikey West.
Die Kostüme waren im Stil der 1950er Jahre lässig - ein geschwollenes blaues gepunktetes Kleid für Walsh und eine Hose mit einem Hemd mit Kragen für Koepsell.
Diese schienen ihre Bewegung wunderbar zu gestalten und zusammenzubringen. Energie und Präzision der Linie verdrängten die Höhe der Verlängerungen. Die Sauberkeit der Linien bei der Nutzung des Bühnenraums, da sie sich in Kurven und Schritten rund um die Bühne bewegten, war ebenso präzise - präzise, ohne sich gestelzt oder übermäßig förmlich zu fühlen.
Es fühlte sich alles so natürlich an wie Atmen. Ich hatte das Gefühl, als würde ich mit dem Paar mitatmen, mit dieser Leichtigkeit, die ich sah. Es gab keine offenkundige Romantik, aber die enge Verbindung der Tänzer als Menschen, die sich umeinander kümmerten und sich verstanden, war klar. Als sie das Stück beendeten und die Lichter ausfielen, brach das Publikum mit lautem Applaus aus. Gut verdient, dachte ich.
Gleich nach der Pause war ELSCO Dance Schließen , choreografiert von Jeffrey Gugliotti und Ellenore Scott und getanzt von Gugliotti und Amelia Lowe. Es brachte eine deutliche Tonverschiebung gegenüber dem vorherigen Stück. Lightning (von Chris Fournier) erzeugte Dämmerungstöne und Kostüme waren schwarz. ähnlich zu verwobener Schatten, doch mit einer stilistisch ganz anderen Bewegung brachten Schatten visuelle Intrigen.
Facings, einfache (aber klare) Beinarbeit und Ebenen im Raum - und nicht Virtuosität - brachten Intrigen. Durch das Begradigen und Beugen der Knie wurden beim Partnering Form und Nuance erzeugt. Ein überzeugender Abschnitt, bei dem ein Tänzer nach vorne und der andere nach hinten zeigt. Ich konnte klare energetische Linien im Raum fühlen. Dieses Thema mit Blick nach vorne und nach hinten tauchte hier und da wieder auf, beispielsweise als Lowe nach vorne (aber nach oben) in Gugliotti (nach unten) fiel.
wie man ein erfolgreiches Tanzstudio führt
Sie erhob sich dann, um nach vorne zu schauen und drehte sich durch ihren eigenen und Gugliottis Antrieb im Weltraum. Das Gefühl, sich gegenseitig zu unterstützen und dennoch auf ihrem eigenen Weg voranzukommen, war klar. Dieses Thema setzte sich bis zum Ende fort - die beiden im Mittelpunkt stehenden Scheinwerfer, die sich umarmen, aber auch nach oben reichen. Das Bild und seine Bedeutung waren wirklich resonant.
Hollis Bartlett und Natalie Trogdons 'Umwandlung'. Foto von Mikey West.
Vorletzter in der Nacht war umwandeln , choreografiert und aufgeführt von Hollis Bartlett und Natalie Trogdon. Besonders faszinierend an dieser Arbeit als Duett war ihre Einheit, ohne Kontakt (Auge oder Körper) aufzunehmen oder auch nur so nahe beieinander im Raum zu kommen. Die Arbeit war auch im wahrsten und einfachsten Sinne ästhetisch ansprechend, ohne irgendwelche Tricks oder Auffälligkeiten. Die einzige Punktzahl war ihr Atem und die Geräusche ihrer Füße über die Bühne. Die Kostüme waren sauber und einheitlich blaugrau. Die Beleuchtung war blaugrau, mit einem passenden Gelbstich für die Helligkeit.
Ballett der vier Jahreszeiten
Das Paar begann die Arbeit mit unisono Fußarbeitsmustern, die Rhythmen ihres Schrittes in perfekter Synchronisation. Ein Bein würde nach hinten fegen, um das andere Bein herauszuschneiden und es nach vorne fallen zu lassen - Pause und Pause von unvermeidlichen physikalischen Gesetzen, die helfen, Rhythmus zu erzeugen. Ich erinnerte mich an etwas über zeitgenössischen Tanz, das mich wirklich fasziniert und erfreut - seine häufige Untersuchung, wie man die Gesetze der Physik zum eigenen Vorteil nutzt, anstatt sich ihnen zu widersetzen.
Etwas später sorgten Schütteln und Lautäußerungen an einem Ort für einen erfreulichen Stilwechsel. Etwas daran war unglaublich lustig und die Zuschauer kicherten. In einem anderen Abschnitt brachten sie eine weitere Schicht durch eine lange Pause. Dann kamen kürzere Pausen nach der Phrasenarbeit - während sie auf die Bühne blickten und langsam den Oberkörper abwickelten, um wieder hinter die Bühne zu schauen.
Die Wiederholung dieser klaren Struktur sowie die Wiederholung und Klarheit während der gesamten Arbeit fühlten sich meditativ an. Das Stück zeigte, wie unkalkulierbar es ist, als Paar zusammen zu tanzen - es braucht nur Fantasie und Wagemut. Mit mehreren einfallsreichen, gewagten Duetten in der Aufführung bewies die Abendshow des Boston Contemporary Dance Festival dies laut und deutlich.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
