'Labyrinth' im Schuppen. Der Schuppen, New York, NY.
24. Juli 2019.
Matze ist eine Weltpremiere-Shed-Kommission mit Tänzern von The D.R.E.A.M. Ring und das FlexNYC-Programm von The Shed. Es wurde von Reggie 'Regg Roc' Gray und Kaneza Schaal gemeinsam inszeniert und spielt bis zum 17. August im The Shed.
Der Hauptstil ist Flexn, eine Form des Street Dance mit jamaikanischen Wurzeln. Das Stück soll mithilfe eines „Labyrinths aus Licht“ die Rätsel und die Poesie des menschlichen Zusammenlebens sowie die sichtbaren und unsichtbaren Kräfte erforschen, die in der Welt um uns herum vorhanden sind.
Das Stück beginnt mit dem Publikum, das im großen Black-Box-Theater verstreut ist, und riesigen Lichtstrahlen, die im Raum tanzen. Nach ein paar Minuten des Geschwätzes betreten die Tänzer den Raum, einer nach dem anderen, dann aber in Gruppen, bis sie unter den Zuschauern verteilt sind. Einige Leute sehen zuerst gelähmt zu, während andere sofort ihre Freiheit spüren, durch den Raum zu gehen, während sich die Tänzer unter jedem hellen X zu Paaren versammeln.
'Labyrinth' im Schuppen.
Ein paar Dinge fallen sofort auf. Zum einen die große Vielfalt an Körpertypen, die von den Tänzern repräsentiert werden (etwas, das ich sowohl ästhetisch als auch für die gesendete Botschaft schätzte). Außerdem legen die Kostüme den Schwerpunkt auf Markennamen wie Nike, Supreme und andere große Straßenkleidungsmarken (die sich als sehr bewusste Wahl und möglicher Kommentar anfühlten). Es gab eine fließende physische und metaphysische Grenze zwischen dem Publikum und den Darstellern (was dem Publikum ein Gefühl der Autonomie verlieh, das viele ausdrückten, indem sie ihre Telefone zum Video herausnahmen und Bilder machten, regelmäßig jubelten und sich im Theater bewegten). .
Das anfängliche immersive Setup erzeugte ein Galerie-Gefühl (das später durch ein traditionelleres Arrangement ersetzt wurde, das vor dem Publikum sitzt), und als ich zwischen den einzelnen Duetten ging, fühlte ich mich, als würde ich von Malerei zu Malerei gehen und schauen bis ich mit meinem Verständnis dessen, was präsentiert wurde, zufrieden war und dann zum nächsten „Bild“ überging. Obwohl ich zuerst die Zuschauer auf ihren Handys als störend empfand, entwickelte sich meine Verärgerung bald zu einer Wertschätzung für den Mangel an Präzision und Anspruch im Raum, obwohl er sich in einem hochmodernen Veranstaltungsort mit hohem Produktionswert befand.
Als das Live-Drumming zu beginnen begann, wechselten Paare zyklisch die Orte miteinander und gipfelten in einem Tableau im Mittelpunkt. Ich mochte die Art und Weise, wie das Publikum organisch einen Kreis um die Gruppe bildete, und ich war mir bewusst, dass die Darsteller wahrscheinlich nicht genau wussten, wie ein Publikum räumlich auf die Arbeit reagieren würde, wenn man bedenkt, dass es Eröffnungsabend war. Von diesem zentrierten Moment an schälten sich die Tänzer nacheinander ab und ließen einen großen, schlanken Mann in blauen Hosen zurück, dessen flexibles Solo (ein definitiver Höhepunkt des Abends) zwischen Stakkato und Slithering wechselte und der erste von vielen keuchenden Abschnitten war.
Der „Brutto-Out“ -Faktor, bei dem Schultern aus der Fassung heraussprangen und Arme in unmögliche Positionen gedreht wurden, diente als Durchgangslinie für den Abend und war das Rückgrat einiger der erfolgreichsten Momente des Stücks. Die scheinbar unmöglichen Verrenkungen transportierten das räumliche Lichtlabyrinth im Theater (das möglicherweise für das Labyrinth der gesellschaftspolitischen Welt repräsentativ ist) zum Individuum, was darauf hindeutet, dass der Körper (und insbesondere der Geist) ebenfalls labyrinthisch ist.
'Labyrinth' im Schuppen.
jessica vanessa alter
Andere Tropen waren Hattricks und Miming, obwohl beide nicht annähernd so erfolgreich waren wie das verzerrte Flexn-Lexikon. Fast die Hälfte der Hattricks endete mit einem fallengelassenen Hut, und ein Großteil der Mimik fühlte sich übertrieben an und es fehlte an echtem Kontakt. Es gab auch einige Fälle von Tutting, die sehr stark und aufmerksamkeitsstark waren. Ich wollte, dass die Tutting-Sätze länger halten und weiter vertieft werden, besonders wenn die Vokabeln von den Tänzern verwendet wurden, um die Körper des anderen physisch zu manipulieren.
Ein weiteres Highlight war die kraftvolle Live-Musik, die das Werk neben Rap-Musik in genau den richtigen Intervallen begleitete. Vom Flüstern von 'Ist das noch nie passiert' über intensives Tribal-Drumming bis hin zu Gospel-Melodien wechselte die vielfältige Klangpartitur nahtlos von einem Song zum anderen. Das letzte Lied war keine Ausnahme, ein Sänger kam in den Raum und schnallte sich Acapella an, während sich einer der Darsteller mit dem am wenigsten stereotypen „Tänzerkörper“ mit Inbrunst auf der Bühne bewegte. Die Kontinuität der Musik hat jedoch versehentlich die Abgehacktheit vieler Übergänge der Aufführung hervorgehoben, und an einigen Stellen schien die Energie der Tänzer der der Musik unterlegen zu sein.
Matze Erkundung zahlreicher Elemente schwarzer Erfahrung in Amerika, von Waffengewalt und Polizeibrutalität bis hin zu unerschütterlichem Glauben an einen christlichen Gott, Bandenaktivitäten und vielem mehr. Während es einige effektiv originelle Iterationen dieser Probleme gab, fühlten sich viele der Szenen überspielt und offensichtlich an. Ein weiterer Beitrag zu den Mängeln einiger Teile des Stücks war, dass die Tänzer unterschiedliche Fähigkeiten und Engagements zu haben schienen. Die am meisten investierten Tänzer hatten große Augen, waren gruselig und voller animalischer Intensität, während einige der anderen ausdruckslos waren (ein Mädchen lächelte sogar, was ziemlich verwirrend war).
Dennoch, Matze ist eine erfolgreiche Rekontextualisierung von Hip Hop in der Welt der zeitgenössischen Kunst, und ich möchte mehr. Mehr Hip Hop in der Welt der „High Art“, mehr Zusammenspiel zwischen Hip Hop und anderen Stilen und mehr Label-Rissing.
Von Charly Santagado von Tanz informiert.
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