Boston Ballet in George Balanchines 'Strawinsky Violinkonzert' © The George Balanchine Trust. Foto von Liza Voll, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet. Boston Opera House, Boston, Massachusetts.
17. Mai 2018.
George Balanchine - wohl derjenige, der am meisten für die amerikanische Ballettästhetik verantwortlich ist. Der Einfluss einer derart häufigen Neuinszenierung seiner Werke sowie des New Yorker Balletts und seines Übungsplatzes, der School of American Ballet (wo er jahrzehntelang an der Spitze stand), kann nicht genug betont werden.
Er forderte viel von seinen Tänzern 'Ich will keine Leute, die tanzen wollen ... ich will Leute, die tanzen müssen', soll er gesagt haben. Angesichts des wachsenden Bewusstseins für die Gesundheit und das Wohlbefinden von Tänzern weist Balanchine angesichts der Präzedenzfälle, die er für das gewünschte körperliche Erscheinungsbild und den gewünschten Bewegungsstil sagte, auf eine signifikant verantwortliche Epidemie von Verletzungen und Essstörungen hin.
Derek Dunn und Lia Cirio in George Balanchines 'Prodigal Son' © The George Balanchine Trust. Foto von Liza Voll, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Balanchines Vision war jedoch auch für seine Zeit wegweisend. Seine Phrasenarbeit, sein Timing und seine Formationen sind gewagt, erfinderisch und überzeugend. Seine Arbeit brachte zweifellos viele Förderer, Geldgeber und aufstrebende Tänzer ins Feld. Wenn wir diese Werke heute betrachten, können wir beide Dinge gleichzeitig in unseren Köpfen zusammenhalten - dass Aspekte seines Erbes problematisch sind und dass seine Leistungen insgesamt lobenswert waren. Mit ehrlichen und vollendeten Wiederholungen bot das Boston Ballet mit Sicherheit eine so klare Sicht Klassische Balanchine .
Die Show begann mit Verlorene Sohn (1929), eine erfinderische Nacherzählung dieses christlichen Gleichnisses. Die Lichter gingen auf einem gemalten Hintergrund aus einfachen Häusern und Feldern an, alle mit einem alten biblischen Gefühl. Pantomime und Bewegung vermittelten den Beginn der Handlung - ein junger Mann (Derek Dunn) wollte von seinem Vater, was ihm versprochen wurde, auf eigene Faust reisen und Abenteuer erleben. Dunn führte eine starke, aber gleichmäßige Abfolge von Hirschsprüngen und eine Drehung mit dem Arbeitsbein bei 45 Grad aus. Dieser Satz wurde wiederholt und verstärkte die Willenskraft dieses Charakters.
Die nächste Szene beinhaltete Charaktere mit einem animalischen Gefühl. Sie rutschten in die tiefe zweite Position und sprangen dann mit gebeugten Knien und gebeugten Füßen gerade nach oben. Ihre Gesten waren rau und verlockend. Dann trat die Sirene (Lia Cirio) ein - glatt, stattlich und fesselnd. Sie war von Kopf bis Fuß feurig rot. Dunns Charakter war gebannt. Die Verwendung eines Schals demonstrierte Balanchines Einfallsreichtum. Sie wickelte ihn um ein Bein und hielt ihn mit einem aufgesprungenen Zeh fest, als sie sich umdrehte und trat.
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Derek Dunn und Boston Ballet in George Balanchines 'Prodigal Son'. © Der George Balanchine Trust. Foto von Liza Voll, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Während viele von Balanchines Werken ohne Handlung waren, zeigte er hier metaphorische Scharfsinnigkeit, wobei dieser Griff des Schals auf den engen Griff anspielte, den die Sirene über der Hauptfigur hielt. Das Gleiche gilt für den Charakter insgesamt, eine menschliche Verkörperung der Versuchungen, für sofortige Befriedigung zu handeln. Die Action verstärkte sich, als die Kreaturcharaktere alles stahlen, was er hatte, sogar die meisten seiner Kleider. Er stand im Scheinwerferlicht, fast nackt.
Es schien ein Moment der Abrechnung zu sein. Er musste einfach seinen aktuellen Zustand ändern. Dunns Charakter kehrte in den Nachlass seines Vaters zurück (derselbe Satz bedeutet die Rückkehr an diesen Ort). Wie es in der biblischen Geschichte vorkommt, sahen ihn die Diener zuerst. Der Vater tauchte auf, und der Charakter des verlorenen Sohnes kroch zu ihm und kroch zu seinen Füßen in Ehrfurcht und auf der Suche nach Barmherzigkeit. Er stand auf, unterstützt von seinem Vater. Er sprang in die Arme seines Vaters und der Vorhang fiel auf den Vater, der ihn wegtrug.
Ich fand das Fehlen des zweiten Brudercharakters hier faszinierend, da dieser Charakter einen Großteil der moralischen Botschaft des christlichen Gleichnisses darstellt. Diese Abwesenheit war vielleicht eine kluge Entscheidung von Balanchine, um zu verhindern, dass das Ballett zu einer schweren christlichen Moralisierung wird. Alles in allem war diese Neuinszenierung von Balanchines Arbeit in Bezug auf Bewegung, Struktur und mehr sowohl unterhaltsam als auch zum Nachdenken anregend.
Die zweite Arbeit, Strawinsky Violinkonzert (1972) war noch mehr 'klassische Balanchine'. Das Angebot der reinen Bewegung ersetzte die Handlung als zentralen Fokus. Danseurs trugen weiße Tops und schwarze Leggings, während die Ballerinas schwarze Trikots und rosa Strumpfhosen trugen. Zwei Solisten-Ballerinas trugen jedoch schwarze Strumpfhosen, was ihre bedeutenderen Rollen bedeutete. Schnelle Sprünge waren knackige, hochgezogene Absätze, die zur Aufrechterhaltung der Geschwindigkeit beitrugen. Erhöhte Hüften und andere nicht traditionelle Anpassungen verlängerten und übertriebene Linien.
John Lam und Kathleen Breen Combes in George Balanchines 'Strawinsky Violinkonzert'. © Der George Balanchine Trust. Foto von Liza Voll, mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Auf einer Ebene ist ein Teil von mir immer besorgt über die Abnutzung der Gelenke von Tänzern, die dieser neoklassizistische Stil verursachen kann. Ein anderer Teil ist immer wieder fasziniert vom Einfallsreichtum der Bilder von Balanchine. Bei dieser Aufführung war ich auch beeindruckt von der Vielseitigkeit der Boston Ballet-Tänzer. Sie schienen sich in den Nuancen des Stils vollkommen wohl zu fühlen, als würden sie jahrelang hauptsächlich darin tanzen und trainieren. Was auch immer diese Firma tanzt, sie macht es zu 100 Prozent - keine Abkürzungen, keine Fehler, keine schwachen Glieder in der Kette.
Die Arbeit begann mit einer Prise Postmoderne - die Tänzer standen in einer Reihe, ausgeglichen, aber bewegungslos. Als die Sekunden vergingen, war es schwer, sich nicht zu fragen, wann sie anfangen würden zu tanzen. Blitzschnell hoben sie die Arme zu einem „V“, um die Hände zu verbinden. Die Solo-Ballerina (mit vier Tänzerinnen, zwei auf jeder Seite von ihr) hob sich auf, um nach vorne zu schlagen und dann andere komplizierte Beinarbeit auszuführen.
Die Sektion zeigte sie weiterhin, die vier Tänzerinnen hinter ihr zur Unterstützung. 'Ballett ist Frau', soll Balanchine behauptet haben. Besonders denkwürdig waren schnelle Hüftverschiebungen und Formen mit geringer Haltung, die zu verdaulichen Akzenten für ziemlich schnelle Bewegungen wurden. Ein folgender Abschnitt kehrte die Geschlechterstruktur mit vier Ballerinas und einem Tänzer um. Gerade als der erste Abschnitt mit einer Implikation der Einheit begann, traten sie mit verbundenen Händen in eine lange Schlange. Diese Verbindung bot ein herzerwärmendes Gefühl für Spiel und Freude.
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Zweikeine zweifolgte diesem Abschnitt. In der ersten, 'Aria I', waren Kathleen Breen Combes und John Lam beide geerdet und leicht. Die Choreografie war faszinierend gespickt mit Bewegung und stilistischen Schnörkeln aus anderen Formen, wie Akrobatik mit Ein- und Aussteigen aus einer Wheel Pose-Form und Jazz-Tanz mit akzentuierter Reichweite von Jazz-Händen. In „Aria II“ führten Maria Baranova und Paul Craig einige virtuose Bewegungen durch, aber auch weichere und langsamere Momente.
Misa Kuranaga und Patrick Yocum in George Balanchines 'Chaconne'. © Der George Balanchine Trust. Foto von Liza Voll mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Craig bot eine sanfte Umarmung an ihren Schultern an, und Baranova lehnte sich zurück und veranlasste sie, den Oberkörper zu rollen. Wie bei vielen Bewegungen von Balanchine ging es hier mehr um Nuancen als um Größe. Wie bereits erwähnt, ist es eine gültige Konversation, wie sicher es ist, diese Nuance bei Balanchines beabsichtigter Geschwindigkeit auszuführen - wenn Tänzer mit einer langen und gesunden Karriere Priorität haben. Und ich glaube es sollte sein.
Eine Ensemble-Sektion beendete die Arbeit mit schneller Beinarbeit und kleinen Sprüngen, die ein raffiniertes und dennoch volkstümliches Gefühl vermitteln. Es ging alles auf dieses Gefühl der Verbindung zurück. Die Arbeit endete damit, dass das Ensemble stolz nach außen blickte und die Freude an der Bewegung ihre Herzen hochhob. Das Gefühl war ansteckend.
Chaconne beendete die Nacht und brachte mich in seine ätherische Traumwelt. Ein blau-weißes Farbschema, einschließlich eines Hintergrunds, der an wogende Wolken erinnert, trug dazu bei, dieses Gefühl aufzubauen. Dies gepaart mit der luftigen, mäanderförmigen Musik (von Christoph Willibald von Gluck, Ballettmusik aus der Oper) Orpheus und Eurydike 1762) herrschte ein spirituelles Gefühl. Es war wie ein kleiner Einblick in traditionelle Darstellungen des Himmels. Ich dachte an den Abschnitt in Jennifer Homans 'Buch Apollo Angels , wenn sie darüber spricht, wie klassische Tänzerinnen glaubten, Tanzen könne Menschen Gott näher bringen.
Boston Ballet in George Balanchines 'Chaconne'. © Der George Balanchine Trust. Foto von Liza Voll mit freundlicher Genehmigung des Boston Ballet.
Liza Moral Wiki
Die Choreografie war etwas langsamer, mit weniger Hüftverschiebungen und schnellen Sprüngen. Dennoch waren balanchinische Signaturen wie eine erhobene Hüfte, um die Höhe einer Arabeske zu erhöhen, und Füße, die das gestrandete Bein in Passe kreuzen, immer noch klar. Patrick Yocum führte eine elegante aus Ball. Misa Kurangas Linien waren klar und wunderschön mit Energie versorgt. Das Ensemble bewegte sich durch die vierte Position und fegte den Vorderarm unter und nach vorne, um dann in einem höheren Raum zu bürsten.
Andere Momente, wie ein Kreis, der im Mittelpunkt zusammenkam, um sich dann zu einer anderen Formation auszudehnen, waren wunderbar harmonisch. Dennoch blieb diese faszinierende Balanchine-Signatur erhalten, bei der Form und Linie Vorrang vor dem haben, was selbst im Körper harmonisch ist. Mit Werken wie Balanchines, denen, die weit hinter ihren Schöpfern leben, wollen wir uns bemühen, die Errungenschaften in ihnen zu ehren, sie aber auch mit Weisheit und Unterscheidungsvermögen zu kritisieren.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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