Bewertungen | April 2024

Alvin Ailey Amerikanisches Tanztheater in Jamar Roberts '' Eine Jam Session für unruhige Zeiten '. Foto mit freundlicher Genehmigung von Emily Kikta Peter Walker.

2. bis 31. Dezember 2020.
Zugänglich durch www.alvinailey.org/performances-tickets/virtual-winter-season/watch-now .

Seit über 60 Jahren präsentiert das Alvin Ailey American Dance Theatre Tanzkunst, die zum Nachdenken anregt, inspiriert, erzieht und zum Nachdenken anregt - von der Proscenium-Bühne über das Tanzstudio bis hin zu Community-basierten Umgebungen. Dies ist ein wesentlicher Grund, warum Tausende von Tanz- und Kunstliebhabern immer wieder zu dem zurückkehren, was das Unternehmen bietet - in Zeiten von Krieg und Frieden, Knappheit und Überfluss, Zwietracht und Harmonie.

Angesichts der COVID-Pandemie sieht das, was das Unternehmen präsentieren kann, in diesem Jahr anders aus - auffallend auch die 60er^thJubiläumsjahr von Alvin Aileys Meisterwerk Offenbarungen. Es ist jedoch wohl nicht weniger aussagekräftig und nicht weniger speziell. Nichts kann Live-Auftritte ersetzen, aber was das Unternehmen in seinem Angebot angeboten hat allererste virtuelle Saison (etwas Historisches an sich) hatte seine eigenen kreativen Innovationen und Möglichkeiten, wie das Unternehmen mit seiner eigenen Stimme spricht.

Diese Neuerungen waren in den beiden in dieser Saison vorgestellten Originalwerken besonders vorausschauend - Jamar Roberts Eine Jam-Session für unruhige Zeiten und Testament von Matthew Rushing, Associate Artistic Director (in Zusammenarbeit mit dem Firmenmitglied und dem Assistenten des Probenleiters Clifton Brown und dem ehemaligen Firmenmitglied Yusha-Marie Sorzano). Andere Programme in der Saison feierten 60 Jahre Offenbarungen , untersuchte, wie sich Tanz und soziale Gerechtigkeit überschneiden, bot Inhalte für alle Altersgruppen für die ganze Familie und feierte zwei Firmenmitglieder, die in diesem Jahr in den Ruhestand gingen.

Aileys Renaldo Maurice, Courtney Celeste Spears und Chalvar Montiero filmen Jamar Roberts ''A Jam Session for Troubling Times'. Foto mit freundlicher Genehmigung von Emily Kikta und Peter Walker.

Roberts Eine Jam-Session für unruhige Zeiten begann mit wunderschönen Overhead-Aufnahmen von New York City. In einem Voice-Over erzählte ein Gentleman Geschichten über das Leben eines Jazzmusikers in der Stadt. Aufnahmen von Musikern auf einem Dach, die zusammen mit denen von Alvin Ailey-Tänzern vor den Ailey Studios gespleißt wurden (Beschilderung des „ALVIN AILEY AMERICAN DANCE THEATRE“) lokalisierte sie eindeutig). Die Tänzer - obwohl sie physisch weit entfernt waren - hatten einige Momente der Aufregung, sich zu sehen, und bewegten sich dann schnell in Bewegung. Diese Wahl war humanisierend und herzerwärmend, insbesondere in dieser Zeit der körperlichen Trennung.

Die Bewegung war auf die Gefahr hin, etwas so vielschichtiges und reichhaltiges zu reduzieren, eine Verkörperung der Jazzmusik: ein rudimentäres Element improvisieren, sich gegenseitig riffeln, die Energien der Tänzer sich gegenseitig nähren. Die Unison-Bewegung wurde später in dem Stück vorherrschend, aber die improvisatorische Einzigartigkeit des Körpers und der Bewegungssignatur jedes Tänzers blieb erhalten.

Die Art und Weise, wie sich die Bewegung im Laufe des Stücks verschob und weiterentwickelte, war ebenso faszinierend wie ästhetisch befriedigend. Es begann größtenteils sehr eckig und sehr gestisch Jazz Tanz selbst. (Und ein Großteil des Wortschatzes ist vom Jazz beeinflusst - zum Beispiel isoliert und parallel). Eine krummlinigere und flüssigere Qualität kam später mit Bongotrommeln, die eine Melodielinie nahmen. Die Tänzerinnen und Tänzer verkörperten die Musik weiterhin durch neue Ansätze. Die Tangibilisierung der Musik im Körper ist kein neues Konzept, aber diese Arbeit bot dies auf eine Weise, die ich noch nie zuvor gesehen habe.

Die Kinematographie und Beleuchtung des Stücks hielten auch sein visuelles Erlebnis dynamisch. Die Kamera brachte uns später in der Arbeit in Nahaufnahmen, und als die Tänzer in eine Gasse gingen, beleuchtete sie ein gelbes Licht. Mit dieser neuen Beleuchtung kam ein frischer Farbton über ihre Haut und Kostüme - etwas, mit dem Tanz auf Film endlose Möglichkeiten bietet.

Die Authentizität und Menschlichkeit der Tänzer wurde auch durch die Erfahrung der Arbeit verbessert. Es war eine bescheidene und sehr menschliche Qualität, wie sie sich zusammen bewegten, so erstaunlich virtuos sie auch waren. Die Persönlichkeit jedes Tänzers stand im Rampenlicht, etwas lustiges und freudiges zu sehen. Fußgängerbekleidung im Einklang mit der klassischen Jazz-Club-Atmosphäre verstärkte dieses Gefühl. Die Endframes waren auch gut, die Tänzer klatschten, groovten zusammen und bekamen jeweils ein paar Momente für einen Solo-Shot und einen Namen. Der Titel des Werkes selbst ist in diesem Ton und Geist: unkompliziert, schärfer und zugänglich. Die Arbeit ist genau das, was der Titel uns sagt.

Bluegrass Jugendballett

In einem Chat nach der Aufführung diskutierten Roberts und der künstlerische Leiter Robert Battle die Inspiration und den Kontext der Arbeit. Roberts erkannte die Zeit an, in der wir uns befinden, und den Kontrast zwischen dieser und der Stimmung des Stücks. Er sieht es als etwas an, das wir tun, um unsere Stimmung aufrechtzuerhalten und auf sichere Weise mit anderen in Kontakt zu treten - zum Beispiel mit dem Fahrrad und in den Park. Wir können in schwierigen Zeiten jammen und gemeinsam Freude und Kreativität finden. Die Diskussion veranschaulichte das tiefere Verständnis für Werke, das solche Gespräche mit Choreografen bringen können.

Testament , choreographiert von Associate ArtisticDirector Matthew Rushing in Zusammenarbeit mit Clifton Brown und Yusha-Marie Sorzano, war ein Stück, das Aileys wegweisende Arbeit aus einer neuen Perspektive betrachtet, ehrt und sieht Offenbarungen in seinem 60^thJubiläumsjahr . Mögen Offenbarungen In der Arbeit geht es um die Geschichte von „Schmerz in Macht verwandeln“ und den Kreislauf von „Wehklagen um Hoffnung“, sagte er in einem Gespräch mit den drei Choreografen nach der Aufführung. Die drei - „Team Testament“, wie sie im Chat nach der Aufführung freudig teilten - diskutierten auch darüber, wie gemeinsame Geschichten und „greifbare Beweise“ zentrale Ideen sind, die die Arbeit geprägt haben.

Alvin Ailey Amerikanisches Tanztheater in

Alvin Ailey American Dance Theatre im Testament von Matthew Rushing, Clifton Brown und Yusha-Marie Sorzano im Wave Hill PGCC. Foto von Travis Magee.

Das Stück begann mit Menschen, die sich zusammen bewegten, und mit einem Atemzug einer Frau leuchtete eine Kerze. Als die Flamme einen Moment später erloschen war, gab es Bilder von schwarzem Schmerz und Subgation - solche, die intensiv zu erleben waren. Es folgte die erste Ensemble-Sektion mit Tänzern auf einer leeren Bühne in einer engen und linearen Formation. Es gab eine Klanglandschaft von Wasser und Wind, von einem Sturm auf See. Lichtstrahlen leuchteten herein und beleuchteten eine ansonsten dunkle Bühne. Die Partitur lautete: „Warum bin ich hier? / Was ist das für ein Ort? / Was habe ich getan, um hierher zu kommen? ” Ich dachte sofort an die Mittlere Passage zwischen Afrika und Amerika - wo wohl alles begann.

Die Bewegung hatte eine Reichweite und eine Verzweiflung, aber zu anderen Zeiten eine Angst und einen Rückzug in sich. Momente der Stille und des leeren Gesichtsausdrucks signalisierten einen Mangel an Hoffnung und Resignation gegenüber dem gegenwärtigen Schicksal. Einige der mächtigsten Bewegungsvokabeln waren langsame unisono Bewegungen, ein einfaches Anheben eines Beins über die Hüfte, während man sich auf die Seite legte.

Der folgende Abschnitt zeigte zwei Tänzer, die jeweils im Rampenlicht standen. Es gab ein hohes Maß an Virtuosität in tiefen Kurven, hohen Ausdehnungen und kraftvollen Kurven. Was sich jedoch am bedeutendsten anfühlte, war das, was nicht da war - das Fehlen einer Verbindung zwischen ihnen und das Fehlen eines Austritts aus den Räumen, die ihre Scheinwerfer beleuchteten. Die einfachen elektronischen Töne der Partitur verstärkten dieses Gefühl dessen, was fehlte. Sie bewegten sich vorwärts und rückwärts und signalisierten Maßnahmen, konnten diese Barrieren jedoch nicht durchbrechen und sich miteinander verbinden. Das war bis zu einem bemerkenswerten Punkt, an dem sie sich zum ersten Mal ansahen - ein Moment, der seine Zeit in Anspruch nahm und mitschwang.

Stevie Nelson Körper

Bilder der Unterdrückung von Schwarzen blitzten erneut über den Bildschirm und folgten dem des Widerstands gegen diese Unterdrückung: von MLK Jr., Protestzeichen und Zusammenstehen gegen Einschüchterungstaktiken. Darauf folgte eine mitreißende Ensemble-Gruppe von Tänzern, die sich mit Kraft, Überzeugung und Absicht zusammen bewegten - buchstäblich zusammen vorwärts. Bewegungswinkel vermittelten Kraft, während Kurven Anpassungsfähigkeit und Komplexität veranschaulichten. 'Ich bin hier / ich bin es wert', sang das Lied - und alles an der Anwesenheit der Tänzer sprach diese Wahrheit aus.

Der nächste Abschnitt war ein Solo, um das Herz wirklich zu erregen - eine Frau, die in ihrer Kraft tanzt, aber mit Aufregung und Unruhe in ihrem Körper und ihrer Seele offensichtlich ist. Die Rede in der Partitur sprach von emotionaler Beunruhigung und Einsamkeit an diesem unruhigen Ort. Diese Worte erinnerten mich daran, dass die psychische Gesundheit beim Sprechen und Tanzen über Befreiung kein Aspekt ist, den man vergessen sollte.

Tänzer kreisten um sie herum, als ob sie sie unterstützen und beschützen würden, und die Rede verlagerte sich dahin, in ihrer Macht zu stehen und in der Klarheit ihrer Überzeugungen voranzukommen. Über den Bildschirm blitzten Fotos von schwarzen Führern und Visionären - von Frederick Douglass über Harriet Tubman über Rosa Parks bis Malcolm X und James Baldwin. Schließlich sahen wir Michelle und Barack Obama sowie die gewählte Vizepräsidentin Kamala Harris. Mein Herz konnte nicht anders als zu springen.

Der Schuss verlagerte sich wieder nach draußen, und eine große Gruppe tanzte erneut. Die Bewegung war diesmal weicher, leichter und fröhlicher als in dieser ersten Ensemble-Sektion. Es war, als müssten sie nicht mehr pushen und kämpfen und beweisen, dass sie es können Sein . Gesten verschmolzen zu neuen Gesten, Stacheln wellenförmig und Energie strahlte von ihrem Zentrum über ihre Kinesphären hinaus aus.

Das Ungewisse blieb jedoch bestehen. Die Haupttänzerin sah eine andere Frau in einem Kopftuch und ging auf sie zu, während sich die anderen Tänzer weiter bewegten - es war wieder die Eröffnungsaufnahme. Ich dachte darüber nach, wie das Gewicht der Geschichte nicht vollständig verloren gehen kann - was verloren gegangen ist und was hätte sein können, wird niemals vollständig zurückgewonnen werden. Auf der anderen Seite bleibt das Erbe und die Stärke derer, die zuvor gekommen sind, auch bei uns.

In schwierigen Zeiten können Erinnerungen an solche Wahrheiten - durch das Medium Kunst - mehr denn je bedeuten. Diese Werke fühlten sich wie von dieser Zeit geprägt an und boten auch etwas Wesentliches für diejenigen, die in dieser Zeit darin lebten von diese Zeiten und zum diese Zeiten. Interessanterweise kann Kunst von und für eine bestimmte Zeit die sein, die im Laufe der Jahrhunderte mitschwingt. Ich glaube, dass diese Werke und die größere Saison, in der sie präsentiert wurden, für das in Erinnerung bleiben werden, was sie angeboten haben, als sie es angeboten haben - eine besondere und lobenswerte Sache.

Von Kathryn Boland von Tanz informiert.