KAIROS Tanztheater in 'OBJECT.'. Foto von Golden Lion Photography. Boston Zentrum für die Künste, Boston, MA.
17. November 2019.
Die Vielfalt im KAIROS Dance Theatre OBJEKT. beginnt ungefähr so früh wie möglich, mit seinem Titel konzentriert sich die Arbeit darauf, dass Frauen als Objekte behandelt werden (das Substantiv), doch der Titel wird als Verb ausgesprochen („Ich-Objekt“). Eine kraftvolle Botschaft ist in einem großgeschriebenen Wort und einer Periode enthalten: „Ich lehne die Objektivierung von Frauen von ganzem Herzen ab.“ Diese elegant geformte, zugänglich präsentierte Komplexität prägte die Arbeit von Anfang bis Ende. Es hat uns durch Zeit, verschiedene Atmosphären und getrennte innere Erfahrungen von Frauen geführt. Das Programm hielt sich nicht von schwierigen Dingen zurück, die zu veranschaulichen oder zu erleben waren - doch das Ergebnis war das Potenzial, die Art tiefsitzender Emotionen zu erzeugen, die notwendig sind, um Veränderungen voranzutreiben.
Die Arbeit begann mit der gesamten Kompanie - sechs Tänzern - in einer sauberen Formation. Sie trugen weiße Büstenhalter und flauschige Unterwäsche, die Frauenkleider aus alten Tagen widerspiegelten. Darüber befanden sich flauschige Tutus in Hellblau und Pink, drei in Pink und drei in Blau (Kostüme, die von der künstlerischen Leiterin und Choreografin Deanna Pellechia mit Unterstützung von Carlos Vilamil und I.J. Chan entworfen wurden). Wichtig für die bevorstehende Arbeit war, dass sie High Heels aus klarem Glas trugen. Sie begannen zu tanzen, etwas „niedlich“ im Stil. Sie führten Roboterbewegungen aus, die puppenähnliche Eigenschaften widerspiegelten, steif und kontrolliert. Sie ließen nie ihr großes, süßes, charmantes Lächeln fallen. Die Partnerschaft mit einer klassischen Ballettsprache bezog sich allgemeiner auf traditionelle Geschlechterrollen und -traditionen. Mit der Partitur, die das klassische Lied „Küss ihn und umarme ihn, zeig ihm, dass es dich interessiert… und du wirst sein sein“ singt, passt alles zusammen. Dies waren Frauen, die in einer patriarchalischen Erwartung von Schönheit gefangen waren und für männliche Anerkennung und Vergnügen existierten. Dieser Abschnitt war ein wichtiger Präzedenzfall für die Arbeit.
Capezio kehrt zurück
Interessant war auch die Verwendung von Musik mit Texten, die im zeitgenössischen Tanz ein ungeschriebenes „Nein-Nein“ sind, oder zumindest etwas, das sparsam und mit äußerster Vorsicht zu tun ist. In vielen Abschnitten der Arbeit ließ Pellechia zeitgenössische Bewegung und Musik mit Texten zu einer bedeutungsvollen, kraftvollen Wirkung zusammenarbeiten. Die Tänzer führten diese Bewegung mit raffinierter Musikalität aus und wechselten zur Musik mit und ohne Texte. (Sound Score, entworfen von Kristin Wagner, ebenfalls Rehearsal Director.) Unmittelbar nach diesem ersten Abschnitt war ein weiteres bemerkenswertes Element der Gesamtarbeit - die Projektion auf einen kleinen Bereich und eine obere Ecke des Hintergrunds, der Rest wurde dunkler (Lichtdesign von Lynda Rieman) ).
Das erste dieser projizierten Bilder war eine Anzeige für eine Mimeograph-Maschine, eine Bürosekretärin, die mit ihrer Leistung sehr zufrieden war und den Anforderungen ihres männlichen Chefs entsprach. Die Schwarz-Weiß-Färbung sowie ihr Sprach- und Kleidungsstil versetzten sie in die 1950er oder frühen 1960er Jahre (was viele heute als „Madmen“ -Ära bezeichnen und sich auf das HBO-Hit-Drama beziehen). Das Maß an Unterwerfung unter ihren männlichen Chef und ihr allgemeines Verhalten war für die meisten modernen Zuschauer höchstwahrscheinlich abstoßend. Doch wie bei vielen anderen Abschnitten und Elementen der Show bestätigte etwas daran, dass wir mit der Gleichstellung der Geschlechter nicht so weit gekommen sind, wie wir manchmal denken. Diese Anzeige deutete auch auf die Rolle des Kapitalismus bei der Objektivierung von Frauen hin.
Ein folgender Abschnitt zeigte eine Dunkelheit unter diesem großen Lächeln und dem dummen Tutus. Die Tänzer trugen abschreckende „Lächelnmasken“ - Masken mit einem breiten Lächeln über dem Mund, sicher festgeschnallt und unbeweglich (Träger um den Hinterkopf geschlungen). Pellechia untersuchte, wie Frauen mit psychischen Problemen oder einfach als kriegerisch und „störend“ angesehen wurden, um diese Masken zu tragen (echte Dinge aus dem 20. Jahrhundert). Verdunkelte Beleuchtung verstärkte diese Verschiebung von Atmosphäre und Stimmung zu etwas Unheimlicherem.
Ein Teil von mir konnte das buchstäbliche und metaphorische Gefühl der Verengung, das eine solche Erfindung mit sich bringen könnte, viszeral spüren (das Gefühl, die eigene Stimme zum Schweigen gebracht zu haben und in einem sehr wörtlichen physischen Hindernis für eine vollständige, gesunde Atmung). Die Bewegung spiegelte auch dieses eingeschränkte Gefühl wider - angespannt, ruckelig und unruhig. Es war fast so, als würde eine äußere Kraft sie bewegen, anstatt dass sie sich aus eigenem Willen bewegten.
In späteren Abschnitten kam ein weiteres bemerkenswertes Element hinzu - wie Frauen selbst dieses Gefühl der Verengung durch ihren Blick aufeinander aufrechterhalten. Ein Trio hatte zwei andere Tänzer, die am Bühnenrand saßen und den Tanzenden gegenüberstanden. Später tanzte Wagner ein denkwürdiges Solo aus engagierter, technisch versierter und nuancierter Bewegung. Ein komplexer, stürmischer emotionaler Raum sowie das Gefühl, einfach nicht gefallen zu können (und schon gar nicht aus Mangel an Versuchen), schienen klar zu sein.
In diesem Abschnitt standen ihr noch mehr Tänzer vom Bühnenrand gegenüber und blickten aufmerksam. Ich konnte fast die grausamen Worte hören, die Frauen sich gegenseitig nennen können, einschließlich der Vorwürfe der Prüde oder Promiskuität (wieder das Gefühl, nicht in der Lage zu sein, zu gefallen), die durch meinen Kopf hallten. Ich dachte aber auch, dass dies ein Zeugnis sein könnte, eine Anerkennung des Kampfes einer Mitfrau - oder vielleicht sogar einige von beiden? Dies kann die Komplexität der Art und Weise sein, wie Frauen miteinander interagieren, die diese kreativen Entscheidungen überzeugend untersucht und dargestellt haben.
In diesen Abschnitten verwendete Pellechia effektiv Bewegungsmotive und gab den Zuschauern Grundstücke, an die sie sich klammern konnten (eine Analogie: Stand-up-Comedians / Comediennes, die frühere Witze in ihrem Set fordern). Ein sekundärer Effekt dieses Ansatzes durch ein Gefühl der Kontinuität war die Verstärkung der Botschaft, dass sich die Dinge nicht so sehr geändert haben, wie wir es manchmal gerne glauben würden. Diese Bewegung war vielfältig, verlockend und überzeugend theatralisch. Wagner bot viele von ihnen in ihrem denkwürdigen Solo an - sie öffnete die Beine weit und schnappte sie dann wieder zusammen, beugte sich zurück und zog ihre Ellbogen hinein, während ihre Hände nach oben griffen, nach ihrem Pferdeschwanz griffen und (kühl) ihren eigenen Kopf höher hoben.
Vor der Pause tanzte Pellechia ein weiteres denkwürdiges Solo, das für seine Einzigartigkeit innerhalb des Werks denkwürdig war - Bewegung, die leichter und kontinuierlicher ist als ein Großteil der Bewegung anderswo. Als sie zu Boden ging, fuhr immer noch ein energetischer Lift durch ihren Kopf. 'Warum kann ich nicht konventionell sein?', Sang die Partitur, als sie tanzte. Ich fand diese Worte interessant zusammen mit der Einzigartigkeit ihrer Bewegung innerhalb der Arbeit.
Gegen Ende kam ein Teil der Tänzer, die eine Ferse trugen: Sie traten ungleichmäßig und - eindrucksvoll - traten, stürzten sich und drehten sich dann zu einer „x“ -Form auf dem Boden. Dieses ungleichmäßige Treten erzeugte ein überzeugendes auditorisches Element. Auf einer breiteren Ebene unterstrich der Abschnitt das ungleichmäßige, aus dem Gleichgewicht geratene Gefühl, das Frauen empfinden können, wenn sie durch so viele feine Linien der Angemessenheit und Erwartung navigieren (zurück zu dem Gefühl, es nie ganz richtig machen zu können).
Darauf folgte ein Abschnitt, der in der Lage zu sein schien, den Bauch von Frauen (oder einfühlsamen Männern) vor allem im Publikum zu zerreißen, mehr als alles andere bis zu diesem Zeitpunkt in Bezug auf die Arbeitsstimme von (jetzt) Präsident Donald Trump in diesem berüchtigten Access Hollywood-Bus klingelte durch das Theater. Während sie sich bewegen, immer noch angespannt und unruhig, legen die Tänzer die Hände an den Magen - als ob sie krank wären. Bei diesen unvergesslichen Worten, die vor Jahren und Jahren gesprochen wurden (aber immer noch auf so viele Arten durch unsere Kultur klingelten), fühlte ich mich auch krank.
Dann kam eine Frauenstimme, die über Objektivierung sprach und den Geist und Körper von Frauen erheblich schädigte. Tänzer begannen, ihre Glasabsätze abzuwerfen und sie immer wieder vor Wut zu werfen. Weitere Schuhe kamen auf die Bühne und sie warfen diese auch. In einem weiteren Zeichen der vielschichtigen, nuancierten Natur dieser Show verband sich der Glasschuh mit der Geschichte von Aschenputtel. Die kulturelle Geschichte, aus der der beliebte Disney-Film stammt, stammt aus China, wo die Verehrung kleiner Füße für Tausende und Abertausende junger Frauen über viele Jahrhunderte hinweg zu qualvollen Fußbindungen führte.
Das Programm-Cover enthielt ein Zitat von Maureen Johnson zum „Einspruch“ gegen die „Objektivierung“ von Frauen (zurück zu dieser wunderbaren Doppelbedeutung im Titel). So wurden die Absätze zu einem Symbol der Objektivierung, und die Ablehnung der Absätze - mit Nachdruck - wurde zu einem Symbol der Ablehnung der Objektivierung. Als sie die Glasabsätze warfen, jubelten die Zuschauer. Diese Symbolik schien vielen, die an diesem Abend teilnahmen, klar zu sein, wenn auch unbewusst.
Dann kam ein nicht so klares Ende, aber auch scheinbar reif mit dem Potenzial für nuancierte Bedeutung. Eine Tänzerin ging auf allen vieren, während andere Tänzerinnen sie mit diesen Glaspantoffeln beluden: vorsichtig, langsam, eins nach dem anderen. Die Last auf ihrem Rücken wuchs und wuchs. Ich war verwirrt, ob diese Bezugnahme auf den „weißen Feminismus“ oder auf weiße Frauen, die sich für sich selbst einsetzen und nicht auf Frauen mit Farbe - und damit Belastungen auf sie ausübten. Diese Tänzerin ist eine asiatische Frau - ebenso wie andere Tänzerinnen, die ihr Absätze auf den Rücken legten.
Die Lichter gingen aus, als sie auf Händen und Knien ging und ihr Rücken unmöglich mit Absätzen gestapelt war (ich war wirklich beeindruckt, dass sie nicht alle fielen). Obwohl mir dieses Ende nicht klar erschien, schien es mir auch, dass es dort eine mächtige, aufschlussreiche Bedeutung gab, die mir entging. Angesichts der geschickten Nuance des Restes der Show wäre das nur am sinnvollsten. Obwohl ich das Gefühl habe, eine Dissertation über dieses facettenreiche, aufschlussreiche, geschickt geschaffene und präsentierte Werk schreiben zu können, werde ich diese Rezension mit Dankbarkeit gegenüber KAIROS Dance Theatre und allen beteiligten Künstlern abschließen. Vielen Dank, dass Sie dieses zeitlose Thema beleuchtet haben - mit Mut, Geschick und Großzügigkeit.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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