Molly Hess. Foto mit freundlicher Genehmigung von Hess. Kreativität - es ist sicherlich ein geladenes Wort mit vielen möglichen Bedeutungen. Viele Sektoren in der modernen Welt haben begonnen, ihren wesentlichen Teil an Innovation zu verstehen und eine Mission voranzutreiben - und damit über die Künste hinauszugehen. In den Künsten selbst können Kräfte des negativen Wettbewerbs und begrenzte Ressourcen die offene Kreativität behindern, die notwendig ist, um die Kunst voranzubringen.
Tanz ist sicherlich nicht immun, da die Kunstform von der breiteren modernen Kultur wohl am wenigsten verstanden und unterstützt wird. Tanz wächst und gedeiht (oder tut dies nicht) in den Gemeinschaften und Kulturen innerhalb von Tanzstudios, Kollektiven, Aufführungsräumen und dergleichen.
Wie schaffen und pflegen wir kreative Kulturen? Warum ist das überhaupt wichtig? Um diese Fragen zu untersuchen,Tanz Informasprach mit Peter DiMuro (Executive Director bei The Dance Complex, Cambridge, MA, und Resident Choreographer am Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, MA), Molly Hess (Director für Programmierung und Bildung bei Green Street Studios, Cambridge, MA) und Julia Amaral (Lehrkünstler im Center Stage Dance Studio, Plymouth, MA).
Peter DiMuro.
Um etwas wachsen und gedeihen zu lassen, ist es hilfreich, ein differenziertes Verständnis dessen zu haben, was es ist. Na und ist Kreativität? DiMuro glaubt, dass es etwas ist, das beleuchtet und nicht gelehrt werden muss. Was ihn am meisten interessiert, ist die Kreativität bei der Überwindung von Zwängen. 'Wann im Leben hast du keine Einschränkungen?' fragt er rhetorisch.
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Heß sieht Kreativität als einen Prozess, der mit „Neugier und Spiel… verbunden ist. Oft beginnt man mit einem„ Was wäre wenn “und nimmt dann den Gedanken / die Frage / das Bild, was auch immer es ist, und findet einen Weg, es in etwas zu manifestieren die Welt durch jedes Medium. “ Im Hinblick auf den Tanz ist Kreativität für Amaral die „Fähigkeit, abstrakte / unbewusste Gedanken, Ideen und Gefühle in greifbare Bewegungen umzuwandeln“.
DiMuro glaubt, dass eine kreative Kultur offen für kreative Problemlösungen ist. Als Beispiel verweist er auf das, was in der Tanzwelt von 2008 passiert ist - viele Unternehmen gingen unter und es „zwang [die Tanzwelt], neue Modelle zu machen“. Kreativität entsteht auch dadurch, dass wir uns auf die Nuancen unseres Geschichtenerzählens einstellen - was, für wen und wann. „Wir sollten das Ganze als Ökosystem betrachten“, behauptet DiMuro.
In diesem Ökosystem unterstützen und schätzen wir die Beiträge einer Vielzahl von Schöpfern, und nicht nur die, die wir traditionell „auf ein Podest stellen“, erklärt er. DiMuro verweist auf Forschungsergebnisse, die zeigen, dass die Anwendung der zugewiesenen Kunstressourcen auf lokale Organisationen und einzelne Künstler zum Wohl des gesamten Kunstökosystems beitragen kann. Er zitiert Massenkulturrat als eine Organisation, die dies gut macht.
Molly Hess. Foto mit freundlicher Genehmigung von Hess.
Heß glaubt, dass Menschen, die so oft wie möglich „auftauchen“, „offen und aufrichtig neugierig“ sind, zur Förderung kreativer Kulturen beitragen. Sie erklärt, wie Künstler beim Betrachten von Performances oder beim Unterricht „gut abschneiden sollen, und ich versuche zu verstehen, woher sie kommen und wohin sie gehen“. Sie fügt hinzu, dass 'das nicht bedeutet, dass ich es mögen muss, aber ich werde sehen können, was darin funktioniert.' Dies steht im Einklang mit DiMuros Argument, Platz für eine Vielzahl von Schöpfern, Kreationen und Gestaltungsweisen zu schaffen.
Heß fährt fort, wie sie kreative Kulturen bewundert und respektiert, mit denen sie sich beschäftigt hat, wobei „nicht erwartet wurde, dass mein Fortschritt linear ist oder dass meine künstlerische Arbeit genauso aussehen sollte wie die anderer Menschen… [wo] sie Strenge schätzen und fast gleich spielen, und wo wir alle da sind, um zu geben, was wir geben und empfangen können, was immer wir können. “
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In diesem einladenden Geist zitiert sie Programme, die das Wachstum der kreativen Kultur unterstützen, weil sie „jeden einladen, Arbeiten zu zeigen und das Publikum zu ermutigen, sie offen zu betrachten“. Sie sind auch 'kostenlos oder sehr billig, daher sind sie auch ein guter Ort, um sich eine Stunde Zeit zu nehmen, ein Risiko einzugehen und etwas zu sehen, das Sie sonst vielleicht nicht sehen', sagt sie.
Amaral glaubt, dass „tanzen in erster Linie für uns und für die reine Liebe dazu “trägt zu gesunden kreativen Tanzkulturen bei. Hart an der Technik zu arbeiten, aber nicht das „Ende aller Dinge“ zu haben, ist Teil dieses Geistes, es für die Liebe zu tun. Sie beschreibt das Studio, in dem sie als Tänzerin aufgewachsen ist und von dem sie glaubt, dass es diese Einstellung hat, und teilt mit, wie „uns beigebracht wurde, dass Tanz Leidenschaft und Selbstausdruck ist und als Ausgangsbasis für alles im Leben dienen kann. Unsere Wettbewerbsroutinen hätten leicht in Konzerttanzshows eingesetzt werden können, da wir nie versucht haben, uns an andere Studios anzupassen. Kreativität und Konzepte standen immer an erster Stelle. “
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Was ist für kreative Kulturen nicht so gesund? Heß glaubt, dass es für kreative Kulturen nicht gut ist, geheim zu sein, von anderen Künstlern abgeschottet zu sein und sich auf Unterschiede über Gemeinsamkeiten zu konzentrieren. DiMuro weist darauf hin Amerikas aktuelles gesellschaftspolitisches Klima als erstickend für die Kreativität. Amaral glaubt, dass „Selbstzweifel und Selbstbewusstsein“ die Kreativität enorm unterdrücken.
Julia Amaral. Foto von Emily Santangelo.
„In dem Moment, in dem Sie an Ihrer Arbeit zweifeln oder sich Sorgen darüber machen, wie sie wahrgenommen wird, tritt die Kreativität in den Hintergrund, [weil] Sie instinktiv anfangen, sichere Dinge zu choreografieren, von denen Sie wissen, dass die Leute sie bereits akzeptieren“, behauptet sie und fügt hinzu, dass Sie dies können Stellen Sie sich nicht dort hin, wenn Sie an Ihrer Arbeit zweifeln. Vor diesem Hintergrund sollte das Unterrichten von Künstlern, Administratoren und anderen in Machtpositionen in kreativen Gemeinschaften alles tun, um das wachsende Vertrauen und das gesunde Selbstbewusstsein der Künstler zu stärken, anstatt diese Dinge in irgendeiner Weise zu zerstören.
Amaral glaubt, dass all dies für alle Kunstformen gilt und nicht nur für den Tanz. „Egal welche Art von Kunst oder Medium, für mich geht es bei Kreativität wirklich um ein starkes Selbstbewusstsein. Wenn es Ihnen wirklich egal ist, was andere denken, können Sie Ihr authentischstes und kreativstes Selbst sein. Und es ist ein tolles Gefühl! ' Sie sagt aus.
Heß findet es jedoch etwas schwieriger für Tanzkünstler.Da sie auch in der Welt der Rockmusik tätig ist, kann sie sagen, dass Tänzer und Choreografen Raum für Proben und Performances brauchen, den andere Künstler nicht unbedingt brauchen. Außerdem können Tanzkünstler nicht einfach wie Rockmusiker in einer Bar auftreten. Im Großen und Ganzen haben Tanzkünstler ein etwas begrenzteres Spektrum an einfachen, kostengünstigen Aufführungskontexten.
Es ist nicht zu leugnen, dass das Tanzökosystem nennenswerte Herausforderungen hat. Diese überlegten, erfinderischen, aufgeschlossenen Ansätze sowie die Förderung der kreativen Stimme einzelner Akteure in den einzelnen Kulturen des Tanzökosystems können die Kreativität in diesen Kulturen und im gesamten Ökosystem am Leben erhalten. Weiter tanzen wir!
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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