Bewertungen | April 2024

Island Moving Company in 'Out of Ruin'. Foto von Bill Peresta.

Cardines Field, Newport, RI Blithewold Herrenhaus, Bristol, RI.
2. Oktober und 9. Oktober 2020.

Das Besondere an Live-Kunst ist, wie sie Menschen im Raum zusammenbringt. Im Tanz trifft diese Schaffung einer physischen Gemeinschaft auf das einzigartige Angebot der Vergänglichkeit der Bewegung im Raum. Eine bestimmte Gruppe von Individuen ist zum ersten und letzten Mal zusammen im Raum, um eine Aufführung zu sehen, die auch nie ganz dieselbe sein wird. Viele Tanzkünstler haben in den letzten Monaten schöne Tanzfilme und andere sozial distanzierte Angebote präsentiert - aber es ist einfach nicht ganz dasselbe wie zusammenzusitzen, um Live-Auftritte zu erleben. Diese Dynamik war Teil dessen, warum sich die beiden Herbstpräsentationen der Newport Moving Company (IMC) in Newport, RI, so besonders anfühlten, abgesehen von den Performances, die selbst wunderschön kreiert und aufgeführt wurden.

Die erste davon war eine Vorführung des Tanzfilms der Kompanie im Freien. Aus dem Ruin Regie führte die Tanzfilmerin Marta Renzi und choreografierte sie von IMC Artistic Director Miki Ohlsen und Associate Artistic Director Danielle Genest. Ohlsen und Genest konzipierten den Film mit Inspiration aus einem Gedicht von Patience Strong. Die Zuschauer versammelten sich, um von sozial distanzierten Gartenstühlen im Cardines Field, der historischen Heimat der Newport Gulls, aus zuzusehen. Als ich von meinem Stuhl im Außenfeld aus auf die Sockel und die Home-Platte schaute, kicherte ich ein wenig und dachte, ich hätte nie gedacht, dass ich von einem Baseballfeld aus tanzen sehen würde - aber hey, 2020 geht es darum, dass es funktioniert, wie auch immer es möglich ist und aus dem Tanzsektor. Obwohl sich die Anwesenheit von COVID durch Dinge wie alle, die beim Betreten Masken und Temperaturkontrollen trugen, abzeichnete, war ich nach sechs Monaten wieder in Gemeinschaft mit anderen, um Tanzkunst zu erleben. Es gibt kein Gefühl dafür.

Es war auch wunderbar, von gewählten Beamten aus Rhode Island auf Bundes-, Landes- und lokaler Ebene zu hören. Sie sprachen jeweils einige Minuten lang über die Bedeutung der Künste für die Lebensqualität, die Wirtschaft und vieles mehr - und darüber, was sie tun, um in dieser herausfordernden Zeit entscheidende Unterstützung für den Kunstsektor zu erhalten. Mit dem Sonnenuntergang endlich unter dem Horizont, dann kam ein kurzer 'Making-of' -Film vor der Spielfilmpräsentation, Aus dem Ruin . Es bot faszinierende Informationen über den kreativen Prozess hinter dem Film, ohne Bedeutung vorzuschreiben oder zu viel zu verraten, bevor der Film gezeigt wurde - eine schwierige Balance, die es zu treffen gilt.

Dann Aus dem Ruin gestartet. Die ersten Einstellungen sind Tänzer, die ihren Kopf - und dann ihre Gliedmaßen - hinter mit Graffiti bemalten Wänden hervorschauen. Sie sehen sich wie auf der Suche um und möchten mehr darüber erfahren, was da draußen ist. Ihre Präsenz hat eine Einfachheit, aber auch ein emotionales Gewicht und unterstützt ästhetische Elemente, eine Qualität, die sich auch im Rest des Films fortsetzen würde. Die Partitur ist ein Schlüsselelement, das dieses Gefühl unterstützt, mit einer Leichtigkeit, aber auch irgendwie einer Tiefe. In bestimmten Momenten, in denen die Partitur still ist, ist das Kratzen der Schuhe der Tänzer über Feldwege und Beton auch emotional und ästhetisch resonant.

Ihre Körper wirken sehr geerdet, ihr Schwerpunkt etwas niedrig gehalten und eine Verbindung zum Boden erkennbar. Die Tänzer erreichen aber auch, als wollten sie sehen, wo sie sind. Ihre Wege durch den Raum sind kreisförmig und vermitteln Kontinuität. Die Stimmung ändert sich, wenn wir uns innerhalb einer Struktur bewegen und tiefe, dunkle Schatten, aber auch Licht aus gewölbten Fenstern hereinlassen. Eine neue Frenetik liegt in der Luft, da sie sich schneller bewegen und die Partitur energetischer wird. Sie bewegen sich immer noch auf kreisförmigen Wegen und nutzen die Ausdehnung des Raums voll aus. Das Bewegungsvokabular hat eine balletische Grundlage, wie lange Linien und häufige Außenrotation, aber in Bezug auf Formgebung und Tenor der Fließfähigkeit ist es ziemlich einzigartig und frisch.

Die Tänzer ziehen als nächstes in eine Umgebung, die weniger von künstlichen Werkzeugen und Maschinen betroffen ist, auf die Lichtung eines Waldes. Der Tenor der Partitur wird auch hoffnungsvoller. Sie haben mehr Bewegungsfreiheit bis zum Himmel, und einige Tänzer heben andere in Richtung der Wolken. Die Art und Weise, wie sich ihre Körper durch die Linien und andere Formen der Bewegung schneiden, ist sowohl faszinierend als auch atemberaubend. Das visuelle Bild ist gleichzeitig weich und gestochen scharf. Als ein neues Sturzfluggefühl in ihre kreisende Bewegung kommt, spüre ich eine neue Harmonie und ein Gefühl für erweiterte Möglichkeiten.

In einer letzten Szene tanzen sie auf einem großen Feld am Meer. Noch mehr Harmonie und Möglichkeit fühlen sich an, wenn sie sich durch den gesamten Raum bewegen, durch den man sich jemals bewegen möchte. Die Farben des Himmels vor Sonnenuntergang fühlen sich nicht weniger als magisch an. Die Partitur lässt allmählich nach, eine Klavierpartitur ertönt - eine Kontemplation und Selbstbeobachtung, ein Gefühl, auf das wir uns in diesen Zeiten beziehen können. Hoffnung, Belastbarkeit und die Beharrlichkeit der Schönheit erstrahlen, selbst wenn die Leinwand mit dem Ende des Films in Credits und dann in Schwarz übergeht. Aus dem Ruin kamen die Tänzer im Film, und wir können es auch - so werden wir es tun.

Das Unternehmen führte ihre Entstehen Programm am folgenden Wochenende, ein paar Städte drüben in Blithewold Mansion. Auf dem unglaublich großen Rasen vor dem Herrenhaus mit Blick auf das Wasser wurde eine Außenbühne eingerichtet. Der Sonnenuntergang war spektakulär, als sich die Zuschauer (alle maskiert und temperaturgeprüft) auf Decken und Stühlen niederließen. Das Programm begann mit Lass mich dich vorstellen , eine Premiere von 2020, choreographiert von Colin Connor. Das Programm erklärt, wie die Fähigkeit der Tänzer, zusammen zu tanzen und wieder Raum, Luft und den „Sinnlichkeitswitz der Musik“ zu teilen, die Arbeit inspirierte. Katie Moorhead tanzte als Anfang des Werkes ein Solo, beleuchtet von einem Regenbogen aus Licht und begleitet von einer jazzigen Partitur (von Gershwin) Drei Präludien ).

Moorhead, immer ausdrucksstark, tanzte mit Linien, die den Raum auffraßen, sowie einem Rücken, der von musikalischen Nuancen durchzogen war und sich wunderschön der Schwerkraft ergab. Emily Baker und Gregory Tyndall tanzten als nächstes weiter, wobei ihre Bewegung Winkel, Zirkularität, Gewichtsverteilung und Erdung in ihrem persönlichen Schwerpunkt ausbalancierte und mischte. Unbehagen zwischen den Charakteren in der Luft, manchmal kombiniert mit diesen Elementen, um ein Gefühl von Spannungen zwischen Gegensätzen zu erzeugen, die über verschiedene Spektren reisen - als Individuen und mit anderen. Im heutigen sozialen Klima der Unsicherheit und Polarisierung fühlen sich diese Themen besonders relevant an. Aber auch die Magie, sich im Raum zusammen zu bewegen - in Verbindung mit Musik - hat wirklich Resonanz gefunden.

Anschließend tanzte Rhea Keller Evoziert , choreographiert von Genest. Durch unterschiedliche Ebenen und Formen - eckig, kreisförmig und krummlinig in der Qualität - ist Kellers Anmut und geerdete Stärke wunderbar zu erleben. Ihre Anwesenheit bis hin zu dem Grundelement ihres Körpers, der sich durch den Raum selbst bewegte, rief viel hervor: Sehnsucht, Stärke, Verletzlichkeit und mehr.

Genests Negativer Raum Zwei Stücke später kamen Raum Aron Gens-Ostrowski, Deanna Gerde, Tara Gragg, Keller und Jose Lodada. „In der Kunst der Raum um und zwischen den Motiven eines Bildes. Wenn wir unsere Grenzen definieren, wird der negative Raum zur Distanz zwischen uns “, erklärte das Programm.

Genest prägte diese Idee in der Choreografie durch ein wirklich überzeugendes Bewegungsvokabular und räumliche Beziehungen zwischen Tänzern. Die Füße spreizten sich, als sie einem anderen Tänzer gegenüberstanden, geerdet und entschlossen. Die Tänzer öffneten die Arme wie ein Haikiefer und schlossen sie dann - öffneten sich zu einem anderen, setzten aber eine klare Grenze. Sie umkreisten sich und bildeten klare Linien, die im Raum getrennt waren und im negativen Raum des anderen blieben. Das Glockenspiel in der Partitur bot auch klare rhythmische Grenzen, mit denen die Tänzer ein präzises, aber nicht starres Timing hatten (nicht immer leicht zu finden!). In dieser Zeit der physischen Distanz und in vielen von uns, die über das nachdenken, was für uns wirklich am wichtigsten ist, sind diese Vorstellungen von Grenzen und der Distanz, die wir zwischen uns und anderen einhalten, ein sinnvoller Denkanstoß.

Das Programm endete mit einer leichteren Note, die ansteckend lustig und unvergesslich war Cole Porter dekonstruieren . Es wurde von Ohlsen choreografiert und von Brooke DiFrancesco, Lauren Difede, Timur Kan, Moorhead und Tyndall getanzt. Es ist eine Verkörperung klassischer Cole Porter-Stücke. Das Ballettvokabular ist gespickt mit Jazz- und Ballsaalschritten, die wie der legendäre Filmtanz des goldenen Zeitalters Hollywoods einfach wie ein Ball zum Tanzen aussehen. Es ist auch ein Ball zum Anschauen. Spaß, Reflexion und einfach die Magie von Menschen, die sich gemeinsam durch den Raum bewegen - Entstehen bot alles an, nach Monaten ohne solche Schätze, die uns zur Verfügung standen. Ich verließ das Programm an diesem Abend dankbar, berührt und inspiriert.

Von Kathryn Boland von Tanz informiert.