Ein ABT-Herbstprogramm: Sich im Laufe der Zeit bewegen und in Beziehung setzen

Hey Seo in Jessica Lang Hee Seo in Jessica Langs 'Garden Blue'. Foto von Rosalie O’Connor.

David H. Koch Theater, New York, NY.
23. Oktober 2019.



Bewegen, lieben, essen, schlafen - es gibt Handlungen, die für das Menschsein immer von grundlegender Bedeutung waren. Wir alle machen sie jedoch auf unterschiedliche Weise und haben dies im Laufe der Jahrhunderte getan. Tanz - viszeral, narrativ oder nicht narrativ, endlos ästhetisch anpassungsfähig - kann diese Erfahrungen spiegeln, so dass wir zurücktreten und sie wirklich sehen können. Das American Ballet Theatre (ABT) präsentierte in diesem Programm Werke von drei verschiedenen Choreografen, die alle unterschiedliche Sichtweisen auf diese grundlegenden Aspekte des Menschseins zeigten, von verschiedenen Orten auf der menschlichen Zeitachse aus, alle in Bewegung. Das Ergebnis war ästhetisch und konzeptionell bedeutsam, sowohl zum Nachdenken anregend als auch angenehm.



James B. Whitesides Neue amerikanische Romanze war voller Freude, Verspieltheit und ästhetischer Harmonie. Whiteside ist ein ABT-Prinzipal, das mit dem Aufbau eines choreografischen Portfolios und einer einzigartigen Stimme beginnt. Die Arbeit wurde erstmals beim Vail Dance Festival 2019 (Vail, CO) uraufgeführt. Es war etwas ziemlich Modernes an seiner Sensibilität, aber auch etwas ziemlich Klassisches. Das Gleichgewicht zwischen den beiden sprach dafür, sich in der Welt vorwärts zu bewegen, aber auch an den grundlegenden Wahrheiten der Welt und uns selbst festzuhalten (individuell und in Beziehungen zueinander).

ABT in James B. Whiteside

ABT in James B. Whitesides 'New American Romance'. Foto von Rosalie O’Connor.

Der Vorhang ging auf, und eine Farbpalette aus Lavendel und Blau ließ mich sofort friedlicher und nachdenklicher werden. Die Gruppe wuchs, als Tänzer auf die Bühne rannten, bis sie eine Formation mit Tänzern trafen, die nach vorne blickten und aufmerksam nach vorne blickten. Sie hoben ihre Arme auf den fünften Platz - einfach, klar, entschlossen. Die Gruppe löste sich auf, ein Pas de Deux stand im Mittelpunkt. Eine schöne Harmonie von Musik und Bewegung spielte sich ab, wie zum Beispiel eine anmutige Ausdehnung eines Vorderbeins nach vorne in einem Aufzug, während sich die Musiknote genau so entwirrte.



Weitere Abschnitte kamen und gingen, manchmal hatten sie das Gefühl, dass sie es mir ein wenig schnell angetan hatten. Manchmal kann das Verweilen in einem Abschnitt etwas länger dazu führen, dass sich seine Energie aufbaut und das Publikum ihn kennenlernt und ein bisschen mehr genießt. Diese schnelle Veränderung hat jedoch auch dazu beigetragen, das Thema und die Energie der Illustration der Jungen, Unruhigen und Lebhaften zu entwickeln. Whiteside formte einen schönen Kanon und einen Kontrast der Ebenen, um dieses dynamische Gefühl zu fördern.


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Insbesondere ein denkwürdiges Trio von Ballerinas bot diese Elemente an, wobei ein halbes Umdrehungsbein um 45 Grad nach oben und vorne gestreckt von den drei in drei verschiedenen Zählungen getanzt wurde und später eine angenehme Pose für einige Zählungen mit ihnen bei niedrig, mittel, und hohe Ebenen. Die Geste brachte zusätzlich ein Gefühl der Einheit. Ballerinas hielten Hände, als sie niedrig pikierte Arabesken ausführten, und kreuzten zusammen die Handgelenke, indem sie die Arme im fünften haut hielten.

An verschiedenen Stellen bauten sich auch unterschiedliche Stimmungen auf, je nach Qualität der Musik, Bewegung und Theatralik der Tänzer. Das Solo einer Ballerina bot etwas mehr Sperma und Sass als die Arbeit zuvor. Ein Trio mit zwei Tänzern und einer Ballerina war weicher und etwas nachdenklicher. Drei Tänzer betraten die Bühne, um ihre Tapferkeit und ihr kraftvolles Selbstvertrauen zu demonstrieren. All diese unterschiedlichen Stimmungen und Sichtweisen haben ein Fenster in die verschiedenen Arten geschaffen, wie Menschen in sich selbst und zusammen sein und sich im Raum bewegen können. Zum Schluss versammelte sich eine größere Gruppe in kreisförmiger Form und erinnerte an das reibungslose Funktionieren eines harmonischen Systems, selbst bei all diesen getrennten individuellen und kollektiven Seinsarten - Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Es fühlte sich alles hoffnungsvoll und erhebend an.



Jessica Langs Arbeit, Gartenblau , gefolgt. In vielerlei Hinsicht - ästhetisch, energetisch, konzeptionell - fühlte es sich an wie ein Gemälde von Salvador Dali, das im Tanz zum Leben erweckt wurde. Teil von ABTs Frauen Bewegung ment, ein Programm zur Förderung aufstrebender Choreografinnen, wurde am 19. Oktober 2018 uraufgeführt. Was mir als erstes auffiel, waren längliche Formen, die auf der Bühne ruhten, sowie das Überfliegen (Bühnenbild von Sarah Crowner). Etwas an diesen sprach mich von den schmelzenden Uhren in Dalis ikonischer Arbeit an. Der Hintergrund in Grün, Blau und Weiß sprach für mich von Natur.

Die Tänzer trugen Ganzkörper in verschiedenen Farben und halfen dabei, eine facettenreiche Farbpalette zu erstellen, in der ein Regenbogen in größeren Gruppenabschnitten mit darüber verteilten Tänzern über die Bühne tanzte. Sie bewegten sich durch den Raum und gingen mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten. Sie begannen sich dann mit einer technischeren Stilisierung zu bewegen - im klassischen Bewegungsvokabular, aber mit schmelzenden „ooyey-gooey“ -Verschiebungen durch den Torso, die an eine zeitgemäßere Bewegungssprache erinnern.

Als ich diese Bewegung betrachtete, dachte ich über die krummlinigen Striche in zeitgenössischen Gemälden nach. Außermittige Formen brachten eine faszinierende Asymmetrie mit sich. Arm- und Beinstrecker setzen auf verlockende Weise musikalische Akzente. Die Arme schlugen auf halber Höhe zusammen mit den Noten. Eine Tänzerin dreht seine sitzende Partnerin mit erhobenen Zehen, während eine längere Note gespielt wird.

Ob alle im Einklang oder in kleineren Gruppen im Einklang, die Tänzer hielten das Bühnenbild auf dynamische Weise in Bewegung.

Teil dieser dynamischen Aktion war auch, wie Tänzer von Zeit zu Zeit diese länglichen Versatzstücke bewegten und ein neues Bühnenbild schufen - und darin ein neues visuelles und energetisches Gefühl. Ein weiterer Teil der dynamischen Aktion bestand darin, wie sich Timing und Qualität zusammen mit tonalen und zeitlichen Verschiebungen in der Musik verändern würden.

Innerhalb dieser Schichten begannen Tänzer, Persönlichkeiten anzunehmen und ihre eigenen Charaktere zu werden. Kleine Theatermomente begannen sich abzuspielen. Einer dieser Tänzer trug sowohl Weiß als auch andere Farben, was mir eine Integration der Qualitäten dieser anderen Charaktere signalisierte. Obwohl es Momente der Spannung gab, die dazu führten, brachte das Ende Harmonie und Einheit innerhalb der Gruppe - die Integration dieses Charakters spielte sich in Zeit und Raum ab. Die ästhetischen, energetischen und ästhetischen Parallelen zu Dalis Arbeit verbanden die Arbeit für mich mit einer modernen Ära nach den Weltkriegen, doch Aspekte davon waren zweifellos zeitlos. Diese zeitlich spezifische und dennoch fließende Qualität scheint mir eine Qualität von großer Kunstspezifität zu sein, die sie real macht, und die Fluidität lässt sie sich universeller anwendbar fühlen.

Gemma Bonds Eine Zeit gab es brachte uns zurück ins Mittelalter, aber wenn wir es durch eine modern getönte Brille betrachten würden. Die Kostüme waren in Erdtönen gehalten, im mittelalterlichen Stil und dennoch mit zeitgemäßen Akzenten. Die Beleuchtung hatte einen passenden Erdton, wie das Licht des späten Nachmittags im Herbst. Benjamin Brittens Partitur spiegelte die Rhythmen und Töne wider, die wir mit dem Mittelalter verbinden, wie zum Beispiel eine Harmonie aus einem Cembalo - und doch setzte sich die Moderne in bestimmten atonalen Beugungen und ähnlichen zeitgenössischen Elementen durch.


bewegte Visionen tanzen

Cassandra Trenary und Cory Stearns in Gemma Bond

Cassandra Trenary und Cory Stearns in Gemma Bonds 'A Time There Was'. Foto von Rosalie O’Connor.

Wie in den beiden vorhergehenden Arbeiten haben Verschiebungen energetischer und ästhetischer Qualitäten Atmosphäre und Stimmung geprägt - mit Klarheit und Intrigen. Zum Beispiel löste sich eine dramatische, weitläufige Öffnung in etwas Weicheres auf, als das Gefühl für eine Folge kleinerer Gruppierungen. Charaktere begannen sich durch theatralische Momente zu entwickeln, auch wie in der vorherigen Arbeit. Die Geste half dabei, diese Momente zu schaffen, während technisch „größere“ und traditionelle Bewegungen - wie z. B. expansive Aufzüge, die sanft in den Boden rollen oder in einer wunderschön angehobenen Arabeske landen - dynamische Energie und visuelle Intrigen bewahrten.

Dennoch fand ich, dass diese Arbeit bei mir weniger Resonanz fand als die beiden vorherigen Arbeiten. Vielleicht hat die Spezifität in der Zeit meine Erfahrung tatsächlich beeinträchtigt, seltsamerweise hat es mein Verstand vielleicht genossen, die Lücken zu füllen, anstatt den vollständigen Text zu geben. Interessanterweise schien Bonds Ende Zeit für eine solche Betrachtung der persönlichen Interpretation zu bieten, die die Tänzer nacheinander verließen, doch die Bühne blieb beleuchtet und der Vorhang fiel.

Womit könnten unsere Gedanken an diesem Punkt die Bühne füllen, gefärbt durch unsere Perspektive auf das, was gerade dort passiert war? Wie könnten sich diese Perspektiven auf das beziehen, was wir uns von den Charakteren vorstellen, die wir gerade getroffen haben, und wie viel auf uns selbst - und auf die Gemeinsamkeiten zwischen den beiden? Tanz im Raum, in der Zeit - Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft - kann uns zu solchen Überlegungen bringen, oft über genau die Dinge, die uns menschlich machen. Das Programm von ABT an diesem Abend machte diese Wahrheit unbestreitbar.

Von Kathryn Boland von Tanz informiert.

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