Bewertungen | April 2024

ABTs Skylar Brandt in 'Jane Eyre'. Foto von Gene Schiavone.

David H. Koch Theater, New York, NY.
10. Juni 2019.

Narrative Tanzkunst ist eine zentrale Herausforderung - wie erzählt man eine komplexe Geschichte mit einer facettenreichen Handlung und nuancierten Charakteren ohne Worte? Wie können Bewegungs- und Gestaltungselemente (Beleuchtung, Kostüme, Musik, Bühnenbild) allein die Geschichte erzählen? Die Herausforderung wächst, wenn es sich bei der Quellgeschichte um einen klassischen, weit verbreiteten Roman handelt, wie z Jane Eyre . Das American Ballet Theatre (ABT) stellte sich der Herausforderung mit seiner jüngsten Inszenierung von Charlotte Brontes Geschichte, die von Cathy Marston choreografiert und inszeniert wurde. Jenny Tattersall und Daniel de Andrade inszenierten die Arbeit für ABT .

Bemerkenswert in Marstons Tanz-Nacherzählung zu ABT ist auch der Aufstieg zu modernen Sensibilitäten. Erstens hatte das Uhrwerk eine zeitgemäße Qualität, während es noch auf klassischer Technik beruhte. Zweitens zeigten sich Brontes feministische Grundlagen darin, wie Jane selbst als starke, autonome Frau aufgebaut wurde, trotz der Bemühungen der Männer, sie zum Schweigen zu bringen und zu überwältigen.

Drittens sendete die jetzt ikonische Misty Copeland als Jane eine starke, klare Botschaft, dass Rasse bei der Darstellung klassischer Charaktere keine Rolle spielen muss. Sicher, Bronte schrieb im viktorianischen England und stellte die Geschichte in diesen Kontext - und stellte sich Jane wahrscheinlich als klassisch britisch vor (sprich: weiß). Doch heutzutage können wir Jane als jede Frau jeder Rasse sehen. Copeland tanzte die Rolle mit einem komplexen, überzeugenden Gefühlsleben - und tagelang atemberaubenden Linien. Es könnte schwierig sein, sich von der irgendwie zarten Kraft ihrer wunderschön gewölbten Füße weg zu konzentrieren.

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ABTs Misty Copeland und Cory Stearns in 'Jane Eyre'. Foto von Gene Schiavone.

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Die Arbeit begann mit Figuren, die sich hinter einem Scrim bewegten und einen traumhaften Effekt erzeugten (Bühnenbild von Patrick Kinmonth). Ich erinnerte mich, wie der Roman aus der Perspektive von Jane ist, die auf ihre Vergangenheit zurückblickt. Dies kam mir als überzeugende, ästhetisch schöne Art vor, die Idee der Erinnerung zu vermitteln. Das Programm erklärte, wie „Jane rennt, ihre Reise durch imaginäre männliche Figuren behindert wird“ - ein erster Blick auf die feministischen Farben, mit denen Marston ihre Tanznacherzählung des klassischen Romans malte. Dieses effektive, optisch ansprechende Design wäre auch ein konsistenter Aspekt der Arbeit. Die Atmosphäre könnte dunkel und trostlos sein, aber sie passte zum Roman und seinem Dickensan-Ton - und war für mich immer noch irgendwie schön.

Der Scrim erhob sich und eine Gruppe schlicht gekleideter Tänzer bewegte sich unisono hinein und heraus. Die Bewegung hatte, wie während des gesamten Werks, zeitgenössische Qualitäten - Gewichtung, Artikulation und Initiierung direkt von den Gelenken und Bogen / Kontraktion durch die Wirbelsäule - und dennoch eine klassische Grundlage und Essenz. Im Einklang, aKörpervon Tänzern hob man oben und rechts in der klassischen RundungPort de Brasgestalten. Dann bogen sie sich tief durch die Knie und führten in eine Kurve, die höher im Raum lag.

Bald tanzte Copeland ein Solo und reiste über die Bühne hin und her - Jane schien zwischen verschiedenen Zielen hin und her gerissen zu sein. Ihre Leidenschaft und ihr Pathos waren klar und sehr verlockend. Ein offiziell aussehender Mann (im Anzug) kam und packte sie und übte die Kontrolle aus. Als sie von der Bühne gezogen wurde, veränderte sich das Set - behielt aber sein düsteres Gefühl und seine dunklere erdfarbene Ästhetik bei. Die Programmübersicht erklärt, wie diese Verschiebung zu einem Internat war, wo Janes Tante und Betreuerin (Mrs. Reed) sie aus der Wahrnehmung heraus schickte, Jane sei 'widerspenstig' und 'trotzig'.

Selbst in einer Atmosphäre strenger Kontrolle könnten die Kinder in der Schule Momente zum Spielen finden - zum Beispiel in einem Abschnitt, in dem sie „Springfrosch“ spielen. Dies war unter anderem ein Beispiel in der Arbeit, das dazu führte, dass der Realismus in Bewegung gespielt wurde. An manchen Stellen brachte dieser Spielgeist ein Gefühl des organisierten Chaos mit sich, Kinder rannten frenetisch herum. Die Choreografie hat diese Momente geschickt und überzeugend dargestellt. An anderen Stellen jedoch wurde der Mangel an persönlicher Autonomie und Routinisierung ihres Lebens in einer denkwürdigen und ansprechenden Struktur deutlich, sie bewegten sich von Stühlen, die in einem Kreis standen. Im Einklang hoben und senkten sich ihre Stacheln und ihre Arme bewegten sich in geraden Linien, in Mustern.

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Dann tanzte Copeland wieder alleine. Ihre Arme schwangen blitzschnell im Kreis, gefolgt von einer langsamen und kontrolliertenentwickelt. In solchen Bewegungsphrasen zeigte sie eine fließende und Beherrschung der zeitgenössischen und klassischen Bewegungsvokabulare sowie die Fähigkeit, sich schnell zu bewegen und Bewegung aufrechtzuerhalten. Später kam ein Abschnitt mit rauhen Jungen, der eine Chance für Danseur / Danseur-Partnerschaften bot. Dies war ein weiterer Weg, auf dem Marston den klassischen viktorianischen Quelltext durch diesen Widerstand gegen die klassischen Ballett-Geschlechtsnormen in eine moderne Sensibilität brachte.

Bald waren wir in Janes Erwachsenenalter vorgestoßen, teilte uns die Programmübersicht mit, was aber auch durch Szenen- und Kostümwechsel hervorgerufen wurde. Ebenfalls denkwürdig in diesem Abschnitt war einkeine zweimit Partnerschaften, die hier in ihrem Wortschatz ähnlich erfinderisch waren. Copeland drehte eine volle Umdrehung auf einem Spitzenschuh, das andere Bein zum Beispiel in Arabeske. Ihr Körper war um 45 Grad nach vorne geneigt. Die leichte Anmut hier, kombiniert mit der rohen Physik von allem, faszinierte mich.

Schon bald vor der Pause verdichtete sich die Handlung. Zwischen Jane (kürzlich als Gouvernante eingestellt) und ihrem Arbeitgeber Edward Rochester hatten sich Funken der Liebe entzündet. Seine versteckte Frau Bertha (mit schwerer psychischer Erkrankung, von der sie nichts wusste) setzte ihr Zimmer in Brand. Rauch, feuriges Licht und ein ziemlich übergroßes Bett (in einem abstrahierten zeitgenössischen Stil) vermittelten dieses Ereignis. Jane rettete ihren Arbeitgeber und sie teilten eine leidenschaftliche, aber angespannte keine zwei - Die Wahrheit enthüllt und beide rechnen mit ihrem Verstecken. Der Vorhang fiel.

Im zweiten Akt wäre Jane fast gekommen, um Mr. Rochester zu heiraten. Sie tanzten wieder zusammen. Eine Eislaufbewegung, die nach vorne rutschtIn Tippum mich dann daran zu erinnern, dass die beiden gemeinsam in die Zukunft vordringen - oder so könnten wir denken. Bertha betrat die Szene und sorgte für Aufsehen. Mr. Rochester hielt sie zurück, als sie sich auf Jane stürzte. Die Aktion hier war gut organisiert und die Tänzer haben sich wirklich dafür eingesetzt.

Selbst wenn Bertha zurückgehalten und weggetragen wurde, wusste Jane, dass sie und Mr. Rochester nicht verheiratet sein konnten. Noch eine Zeitformkeine zweibot weitere erfinderische Partnerschaften an, wie sie sich über seine Brust beugte und sich auf dieser Unterstützung durch den Raum drehte. Die Bewegung war sowohl visuell herausragend als auch auf rein physikalischer Ebene faszinierend. Die Leidenschaft und die Körperlichkeit - die zeitgenössische Neigung zur Bewegung brachte beides. Nach weiteren Abschnitten, die die junge Liebe des Paares herausforderten (einschließlich Jane, die in den Wald rannte und dann gefunden wurde), sah Jane zu ihm und ging dann vorwärts.

Die Lichter wurden nur noch auf sie gerichtet. Sie war groß und stolz auf ihre eigene Kraft und Autonomie. Dies fühlte sich wie das perfekte Ende einer klassischen Geschichte an, die ihrer Zeit selbst voraus war. Durch all die Wendungen - wörtlich und metaphorisch - würde Jane ihre eigene starke Frau bleiben. Marstons choreografische Arbeit zusammen mit Die herausragenden Darsteller von ABT und sein hervorragendes Designteam haben diese zentrale Idee in etwas gebracht, das eine moderne Sensibilität überzeugt. Das fühlt sich wie ein Geschenk an.