DeAnna Pellecchia. Foto von Liz Linder. Es gibt eine wohl witzige, aber weise Antwort auf das abweisende 'Mein Kind könnte das zeichnen!' - „Nun, er / sie nicht . ” Dies ist teilweise ein Hinweis darauf, wie „expressionistische“ Künstler, deren Arbeit auf den ersten Blick nicht viel Geschick zu erfordern scheint, alle klassisch ausgebildet wurden, bevor sie sich von dieser klassischen Schöpfungsweise abwandten. Das gilt auch für Tänzer. Wir müssen einen technischen Rahmen schaffen, um ihn loslassen zu können. Mit einer technischen Grundlage können wir Tänzer unseren Geist und unsere Seele durch unseren hochqualifizierten Körper scheinen lassen. Dann kann wirklich bedeutungsvolle Kunst entstehen. Es war die ganze Zeit in uns.
Der Prozess des Lernens, wie man das macht, wie man eine Grundlage der Technik hat, um das wahre Selbst durch Bewegung entstehen zu lassen, ist für viele Tänzer ein schwieriger Prozess. Wenn einige Tänzer dazu gebracht werden, sich innerhalb eines Rahmens zu bewegen, anstatt die Bewegung Schritt für Schritt, Zählung für Zählung, zu geben, frieren sie ein - manchmal metaphorisch, manchmal buchstäblich. Für Tänzer ist es wichtiger denn je, sich über diese Angst und Stase zu erheben. Wir werden gebeten, immer vielseitiger zu werden und ständig aktiv an der Schaffung von Arbeitsplätzen mitzuwirken.
Die Postmoderne entwickelt sich ebenfalls weiter und verwandelt sich möglicherweise in eine neue Art von „Post-Postmodernismus“ mit einem Eklektizismus von Bewegungssprachen und -ansätzen. In diesem Zusammenhang entwickeln und verfeinern Choreografen kontinuierlich Improvisationsstrukturen und andere Arten, wie Improvisation das Tanzen prägt.Tanz Informasprach mit drei Choreografen über die Rolle der Improvisation in ihren kreativen Prozessen, wie sie ihre Tänzer durch diese Arbeit unterstützen und fördern und vieles mehr.
Sheena Annalise, Gründerin, Inhaberin und künstlerische Leiterin des Arch Contemporary Ballet (New York, NY)
Sheena Annalise (rechts) mit Tänzern des Arch Contemporary Ballet. Foto von Noel Valero.
kiele sanchez vermögen
„Alle meine Choreografien stammen wirklich aus der Improvisation. Ich komme nicht zu einer Probe, nachdem ich die Bewegung geplant habe. Manchmal habe ich einen Fluss oder eine Gliederung, aber die eigentliche Phrasenarbeit kommt mehr oder weniger nur in einem Versuch-und-Irrtum-Prozess heraus. Ich werde anfangen mich zu bewegen und die Tänzer werden folgen was ich tue. Wenn mir das, was gerade passiert, nicht gefällt, ändere ich es und probiere etwas Neues aus, oder ein Tänzer macht versehentlich etwas anderes und lässt es von jedem so probieren. [Improvisation] schafft eine einzigartige Bewegung, die für meine Tänzer organisch ist.
Es schafft unbegrenzte Möglichkeiten, weil Sie in der Lage sind, Bewegungen zu formen und zu formen und Ihre vorhandene Phrasenarbeit weiter zu einem besseren Ergebnis zu führen. Improvisieren ist auch eine Verbesserung der bestehenden Arbeit, indem man die Knochen einer Phrase nimmt und Fleisch hinzufügt. [Es] macht Raum für Veränderungen. Ich bitte die Tänzer immer, die Knochen, die ich ihnen gebe, als Anweisung zu verwenden und das Fleisch selbst hinzuzufügen. Improvisation ist mehr als nur die Verwendung Ihres Tanzvokabulars oder Ihrer Tanzbewegung, mit der Sie vertraut sind, um das Unbekannte zu erkunden. Es ist eine Gelegenheit, die Grenzen Ihres Körpers zu testen, herauszufinden, was jedes Körperteil kann und wie es sich bewegt.
Dies ist schwierig für [Tänzer in] einem Tanzgenre, das diese Option im Training nicht viel erforscht. Manchmal ermutige ich meine Tänzer mit Anweisungen. Zum Beispiel werde ich etwas nehmen und sie bitten, einen Teil größer zu machen oder darüber nachzudenken, ein anderes Glied zu verwenden, um dieselbe Bewegung zu erzeugen. Von dort aus übernimmt schließlich die Fantasie wie ein Funke, der einen Waldbrand im Studio entzündet. “
Stephanie Pizzo, künstlerische Leiterin und ehemaliges Firmenmitglied von Eisenhower Dance (Detroit, Michigan)
Stephanie Pizzo. Foto mit freundlicher Genehmigung von Pizzo.
„Improvisation ist in meinem choreografischen Prozess wichtig, da Spontanität den Rahmen der Arbeit verändern kann, die die Umgebung und ihre Umgebung neue unvorhergesehene Wege schaffen können. Der erfreulichste Aspekt der Improvisation ist, dass sie keine Grenzen kennt! In dem Moment, in Echtzeit, können die Überraschungen eintreten. Es ist das 'Unvorhersehbare', das die Arbeit überschreiten kann! Wenn Sie als Choreograf Ihre Tänzer / Künstler durch einen strukturierten Improvisations- und Bewegungsvokabular führen können, der sie über ihre Grenzen hinaus erweitert, kann dies inspirierend sein. Wenn der Künstler seine persönliche Stimme teilt, vermittelt er ihm ein Gefühl der Eigenverantwortung. Es gibt eine Ehrlichkeit und Natürlichkeit, die der Künstler bei seinen Auftritten anerkennt. “
DeAnna Pellecchia, Gründerin, Inhaberin und künstlerische Leiterin des KAIROS Dance Theatre (Boston, MA)
„Wenn ich über Improvisation spreche, denke ich zuerst gerne darüber nach, wie ich es hasste, als ich es zum ersten Mal im College kennenlernte. Ich würde diese Klassen immer überspringen. Dann bin ich in die Tanzwelt gekommen und habe herausgefunden, dass alle so arbeiten. Und ich wünschte, ich wäre in diese Klassen gegangen! Ich erzähle meinen Tänzern auch gerne die Geschichte eines der ersten Choreografen, für die ich getanzt habe. Sie arbeitete durch Improvisation, eine Methode namens Listening Strategies. Es war alles beängstigendes Neuland für mich. Ich fragte sie: 'Was ist, wenn ich nicht die richtige Wahl treffe?' Und sie antwortete: 'DeAnna, wenn Sie die falsche Wahl treffen könnten, denken Sie, Sie wären hier?'
DeAnna Pellecchia. Foto von Liz Linder.
Es war ein riesiger Moment für mich, der mich total gestärkt und einfach alles verändert hat. Es wurde mitgeteilt, dass alles, was ich tat, aufgrund dessen, was ich bereits hatte und wer ich bereits war, schön sein würde. Diese Perspektive prägt, wie ich bis heute arbeite.
Wenn ein Werk präsentiert wird, ist es letztendlich meine Ästhetik, aber es enthält genauso wenig von all meinen Tänzern. Jeder fühlt sich ein bisschen eigenverantwortlich, was bestätigt und stärkt. Das Endziel ist, dass die Tänzer besitzen, was sie tun. Das bringt eine Authentizität mit sich, die auch von einem Ort der Verwundbarkeit herrührt. Ich denke, dass die beste Kunst das hat, weil es etwas ist, mit dem sich das Publikum wirklich verbinden kann. '
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
