Bogenballett. Foto von Justin Yiu. Das Sheen Center für Kultur und Innovation, New York, NY.
20. Februar 2020.
Ästhetik und Bedeutung - unvergessliche Kunst erreicht in beiden Bereichen etwas. Die Arbeit von Arch Ballet fasziniert und befriedigt mich immer wieder, weil eine hochinnovative Ästhetik unserer heutigen Welt eine starke Bedeutung verleiht. Unter der Leitung der künstlerischen Leiterin Sheena Annalise zeigt die Mission des Unternehmens ein Streben nach Einfallsreichtum sowie eine moderne Sensibilität, um „die kontinuierliche Entwicklung des Balletts zu gewährleisten, das für eine integrative und abwechslungsreiche 21 konzipiert iststJahrhundert Publikum. '
Paul Taylor Dance Company Lincoln Center
Das Zwei-Akt-Programm begann mit Zeiger in Bewegung (2017) , choreographiert von Annalise und getanzt von der gesamten Kompanie - Gabrielle Girard, Tori Hey, Ari Mayzick, Aoi Ohno und Nathan Rommel. Annalise entwarf auch die Kostüme. Aks & El haben die Partitur komponiert. Das Werk ist ein Jambalaya aus leuchtenden Farben, auffälliger Bewegung und angenehm eingängiger elektronischer Musik. Es ist eine Erfahrung der Tanzkunst als sorgfältig gepaarte und nebeneinander stehende kreative Medien sowie das, was das Ballett in den 20er Jahren sehen kannthJahrhundert und darüber hinaus.
Surreal bot in ähnlicher Weise eine auffallend innovative und einzigartige Ästhetik, eine überzeugende Partitur und eine grenzüberschreitende Bewegung. Die ganze Kompanie tanzte auch diese Arbeit. Es begann mit Tänzern, die in einem Tableau von hinten beleuchtet waren und Schatten mysteriöser Formen erzeugten. Die Lichter gingen an und die Tänzer begannen, sich zu neuen Formationen zu bewegen. Eines der ersten Dinge, die mir aufgefallen sind, waren die Ballerinas, die Kopfbedeckungen trugen, die aus dem Hinterkopf ragten (Kostüme, die Annalise auch für dieses Stück entworfen hatte). Dieses erfrischend unkonventionelle Design prägte einen Großteil der Ästhetik des Stücks. Die Tänzer begannen sich in einem klassischen Vokabular zu bewegen, das Annalise knetete, streckte, auf den Kopf stellte und auf den Kopf stellte.
Die Winkligkeit der Platzierung der Gliedmaßen, das Rollen der Gelenke und Körperteile sowie die scharfe Geste fügten Aromen von Hip-Hop- und Jazz-Tanzvokabularen hinzu. Der Eklektizismus war auf der ganzen Bühne lebendig. Die Tänzer spielten alles mit Überzeugung und Klarheit, aber auch mit einer angenehmen Weichheit. Formationen wechselten oft genug, um überzeugend zu sein, aber nicht so oft, um ein Gefühl des Chaos zu erzeugen. Die Partitur von Petite Biscuit aus Paris fügte dem Zusammenspiel ein Element der Frenetik hinzu. Die Kostüme in verschiedenen Farben und Schnitten mit diesen unvergesslichen „rückwärtigen“ Kopfbedeckungen passen genau in diese faszinierend ungewöhnliche ästhetische Welt. Der Titel schien passend - es war Alles surreale, wie ein Picasso- oder Dali-Gemälde, wird lebendig.
Wie so viel von Annalises Arbeit waren die Bewegung und die unterstützenden ästhetischen Medien allein genug, um zu befriedigen - es wurde kein offenes Thema benötigt. In einer Welt des ständigen Geschwätzes über den eigenen Zustand kann dieser ästhetische Fokus angesichts des Aufkommens von sozialen Medien und ständiger Online-Nachrichtenmeldungen unglaublich erfrischend sein. Annalises Arbeit erinnert uns daran, dass es sinnvoll sein kann, visuelle Kreativität für sich selbst zu erleben.
Zur gleichen Zeit gab es bestimmte kreative Entscheidungen, die eine tiefe Bedeutung hatten - wie zum Beispiel ein Pas de Deux zweier Tänzer. Die Sektion hatte eine starke gesellschaftspolitische und historische Bedeutung sowie eine Bedeutung für das Ballett als Kunstform. Ein weiterer denkwürdiger Abschnitt waren die Tänzer in einem Kreis, von denen sich drei zurücklehnten wie Blütenblätter aus der Mitte der Blume. Dies war eine überzeugende Bildsprache und Illusion, von der ich mich frage, dass sie mehr von der Arbeit hätte in Anspruch genommen werden können - um auf dem Thema einer surrealen Ästhetik aufzubauen.
Der Endabschnitt brachte weitere interessante Wendungen, wie zum Beispiel eine langsamere Bewegung gegen Ende - eine Veränderung in Qualität und Tempo, die meine Aufmerksamkeit auf sich zog. Die Tänzer klumpten zusammen und zum ersten Mal sahen alle das Publikum an. Es schien den Zuschauern die Frage zu stellen, wie Sie vorgehen werden. Bringen Sie etwas Eigenes mit oder passen Sie in die vorgegebene Form? Die Lichter wurden dunkler und der Vorhang fiel. Als sich die Zuschauer später versammelten, sagte einer: 'Ich wünschte nur, es wäre länger!' Ich nahm das als Kompliment von ihr, dass sie es genug genoss, um mehr zu wollen. Es war sicherlich am kürzeren Ende, als eine Arbeit - die ich wirklich genossen habe. Es fühlte sich wie ein perfektes Paket an, so „surreal“ und angenehm sofort einsatzbereit.
Andy Hubbard Wikipedia
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
