Eric Greengold und Elizabeth Troxler in 'Dancing Through ...'. Foto von McKenna C. Poe. 30. Oktober 2020.
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Roger Ewings Reinvermögen
Die meisten Tanzwerke, die wirklich mit mir in Resonanz stehen, tun dies aufgrund eines starken Konzepts, das die vorliegenden Künstler gekonnt zum Leben erwecken. Das Erstellen eines Konzepts ist echte kreative und intellektuelle Arbeit. Entscheide dich, es zum Leben zu erwecken und glaube, dass es etwas ist, das können zum Leben erweckt, braucht aufrichtigen Mut. Die Arbeit, das Konzept zum Leben zu erwecken, folgt dem - etwas, das Engagement, Genauigkeit, Anpassungsfähigkeit und noch mehr erfordert Mut . Theatertanz Vietnam zeigte solchen Mut, indem er sich zu einem komplexen und herausfordernden Konzept bekennt, das die Geschichte und den kulturellen Kontext des amerikanischen Musiktheatertanzes darstellt Tanzen durch .. . Die Arbeit wurde im The Tank in NYC gedreht und von Elizabeth Troxler inszeniert.
Bestimmte ahistorische Aspekte und strukturelle Schwächen waren offensichtlich, aber der Mut, ein Konzept dieser Größenordnung anzunehmen, ist etwas zu loben und zu feiern. Die Choreografie und Performance waren meisterhaft, so dass ich als Zuschauer nicht zu sehr von meinen intellektuellen Streitigkeiten über Struktur und historische Genauigkeit fasziniert war. Die Arbeit selbst unterstrich auch das Niveau, auf dem Amerika weltweit führend im Tanz ist - etwas, das man auch feiern und für kommende Generationen ermutigen sollte.
Jessica Lee Goldyn in 'Dancing Through ...'. Foto von Sarah Takash.
Die Arbeit begann mit einem Tanzteam, das im Broadway-Stil tanzte und tadellos in Pailletten und gefiederten Stirnbändern gekleidet war. Die Teammitglieder wollten mehr über das Formular erfahren, von dem man fragte, woher es komme. Ihr Trainer begann diese reiche Geschichte zu erklären, indem er erklärte, wie die Form aus dem Varieté hervorging. Die erste Tanzszene war ein schönes Duett, das damit begann, einer Melone durch die Landung in einer Kiste zu folgen und sie dann von einer der Tänzerinnen vor ihrem Walzer aufzunehmen. Das Bewegungsvokabular erinnerte an Traumballette des klassischen Hollywood. Dies führte zu einem Klopfen mit tadellosen Klängen und einer Energie, die Sie nur zum Lächeln bringen musste - genau wie die klassischen Steppszenen der alten Zeit. Die Musik klang, als käme sie aus einer alten Radiobox, was dazu beitrug, die Atmosphäre der Szene durchgehend zu verbessern.
Von dort aus schneiden wir Szenen der Weltwirtschaftskrise und der Anfänge des Zweiten Weltkriegs. Während Bilder dieser Ära über den Bildschirm blitzten, erklärte der Coach, wie Tanz und Theater Menschen in schwierigen Zeiten hochhoben und sie in einem nationalen Geist vereinten. Die nächste Tanzszene war ein weiteres schönes Duett mit einer Bewegung, die etwas jazziger, schwüler und gewagter war - sie zeigte die Entwicklung der Form im Laufe der Zeit und veränderte soziale Einstellungen. Die Tänzer bewegten sich mit Leichtigkeit, Freude und Leichtigkeit.
Später kam eine Tanzszene aus den 1960er Jahren mit dem rebellischen Geist der Hippiebewegung. Die Bewegung war lebhaft und ansteckend. Es folgte eine lustige und funkige Sequenz der 1980er Jahre mit leuchtenden Farben und hoch geschnittenen Trikots.
Daraufhin wurden die 1990er Jahre als eine Zeit der Dunkelheit und Isolation dargestellt - mit Tänzern, die im Raum getrennt waren, jeder im eigenen Scheinwerferlicht und alles andere dunkel. Ein fröhlicher Stepptanz stand für die 2000er Jahre - eine Zeit der Überseekriege, der Terrordrohungen und der damit verbundenen gesellschaftspolitischen Zwietracht, der zunehmenden gesellschaftspolitischen Polarisierung und des schlimmsten finanziellen Zusammenbruchs seit der Weltwirtschaftskrise. Vielleicht sollte diese Wahl darauf hinweisen, wie Shows aussehen Gründlich moderner Millie brachten Hahn in die 20thJahrhundert mit einem Knall frischer Ideen - das klang für mich richtig und brachte mich zum Lächeln.
Beide Szenen wurden wunderschön getanzt und gestaltet, so dass ich sie auf ästhetischer Ebene sehr schätzen konnte. Ein wichtiges Element, das zur Struktur und Kontinuität beitrug, war die Verwendung einer Melone. Es wurde durch die Jahrzehnte durch eine Kombination aus Bewegung und Filmschnitt „durchlaufen“. Dies war eine clevere Verwendung einer Requisite, um ein Gefühl der Kontinuität durch die Zeit zu bringen. Dieser Ansatz ließ mich an die Dinge denken, die sich in der gesamten amerikanischen Geschichte innerhalb und außerhalb der Künste fortgesetzt haben - zum Beispiel das Streben nach Freiheit für alle, die in unseren Gründungsdokumenten vorgesehen sind.
Eine Reihe energiegeladener Szenen aus den jüngsten Broadway-Hits rundete die Tanzszenen ab. Diese kreative Entscheidung schien den kulturellen Moment zu treffen, indem sie die wesentlichen Beiträge schwarzer Künstler zum amerikanischen Theater, zur Musik und zur Popkultur hervorhob. Diese Szenen schlossen die aus dem Musical ein Die Versuchungen , ein Michael Jackson Cover und das aktuelle Tina: Das Tina Turner Musical . Wie die gesamte Show wurde sie wunderschön aufgeführt und choreografiert.
Bei einem kraftvollen Ende mit Szenen von Tänzern aus NYC erinnerte uns der Trainer daran, dass das Theater auch dann bei uns bleibt, wenn die Theater geschlossen sind. Es ist in unserem Herzen, Geist, Körper und Seele. Das ist schließlich die Quelle der Kunst! Trotz der strukturellen und historischen Probleme, die mir aufgefallen sind, hat diese Botschaft - zusammen mit der Schönheit und Freude an der Aufführung und Choreografie - dieses Werk zu einem unvergesslichen Werk gemacht. Der Mut zum Schaffen ist etwas zu applaudieren - denn kraftvolle Bedeutung kann mit diesem Mut als Quelle in Resonanz treten. Fügen Sie wunderbares Tanzen und Design hinzu, und Sie können nicht verlieren.
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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