David Hallberg in Pam Tanowitz und Jeremy Jacobs 'David'. Foto von Pam Tanowitz und Jeremy Jacob. 23. November 2020.
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Zuweilen stand der Tanz an der Spitze des sozialen Wandels und der Innovation. Zu anderen Zeiten haben wir offen gesagt gesehen, dass es zurückbleibt. Zuweilen haben Künstler und Administratoren Probleme damit, eine Ehrung der Tradition in Einklang zu bringen und Teile dieser Tradition zurückzulassen, die uns nicht mehr dienen. Manchmal haben sie das bemerkenswert gut gemacht. Um eine Botschaft und eine Bedeutung zu haben, die mit der Welt, in der sie sich befindet, in Resonanz steht, muss sich der Tanz mit dieser Welt bewegen. Das American Ballet Theatre (ABT) ist unter anderem eine Kompanie, die sich verpflichtet zeigt, die sich schnell verändernden Zeiten voranzutreiben.
Es ist virtuell Die Zukunft beginnt heute präsentierte vier zukunftsorientierte Premieren von renommierten Choreografen und beschrieb sein neues Programm RISE - „Representation and Inclusion Sustain Excellence“ -, das darauf abzielt, das Unternehmen in Bezug auf die Arbeit der Repräsentation und Inklusion bei voranzutreiben und zur Rechenschaft zu ziehen alle Ebenen des Unternehmens. In einer Montage mit verschiedenen Stimmen des Unternehmens und der Mitarbeiter von ABT wurde detailliert beschrieben, welche Schritte jede dieser Personen im Rahmen dieses Programms unternehmen wird - und alles klar und greifbar zu machen. Die Uraufführungen zeigten auch ein hohes Bewusstsein für den kulturellen Moment. Es war eine Arbeit, die zu diesem Moment sprechen konnte und somit das Potenzial hatte, den Menschen, die sie erlebten, alles zu bieten, was Tanz kann.
Carlos Gonzalez, Thomas Forster, Katherine Williams und Breanne Granlund in Gemma Bonds 'Convivium'. Foto von Matador Inhalt.
Die erste Premiere im Programm war Gemma Bonds Party. In ihrem Intro zu dem Stück teilte Bond mit, dass sie wollte, dass es ein feierliches Stück ist, aber sie erkannte, dass es sich in dieser schwierigen Zeit für so viele Menschen nicht angemessen anfühlte - so ging es in dem Stück um die Erfahrung der Tänzer durch diesmal. Dieses Thema zeigte sich mir in der relativen Ruhe und Einsamkeit des Stückes. In einem Instrumentalstück schienen nicht mehr als zwei Instrumente gleichzeitig zu spielen, und die vier Tänzer repräsentierten den gesamten persönlichen sozialen Kreis innerhalb dieser Zeit. Solo-Abschnitte hatten noch mehr Aufregung und Turbulenzen, Bewegung schnell und dynamisch. Dies erinnerte mich an jene Zeiten, in denen wir sagen, dass wir anderen gegenüber in Ordnung sind, uns aber in uns selbst quälen oder unsere inneren Kämpfe nur denen offenbaren, die uns am nächsten stehen.
Die tonale und stilistische Bandbreite der Abschnitte, die später kamen, komplizierte diese Vorstellung für mich, aber Bond malte stattdessen oder auch ein Bild der Komplexität von Gedanken und Emotionen in dieser völlig unvorhersehbaren und herausfordernden Zeit. Insgesamt würde ich die Bewegung nicht als klassische oder zeitgenössische Wirbelsäulenwellen identifizieren und die Freisetzung in die Schwerkraft als Marker einer zeitgenössischen Ästhetik darstellen, während lange Linien und klassische Aufzüge den Klassizismus widerspiegeln. Die evokative Ästhetik strahlte auch durch die Arbeit - eine graue Qualität durch Schwarz-Weiß-Film und Kostüme in Grau, Schwarz und Weiß - und machte das graue Gefühl dieser Zeit in unserer Welt visuell und damit greifbarer.
Die nächste Premiere war die von Christopher Rudd Berühren . Rudd enthüllte in seiner Einleitung, dass es sich um ein explizites Gemälde im Tanz der schwulen Liebe handelt, das viele Menschen in unserer Gesellschaft als tolerant betrachten, aber eine intolerante Reaktion haben, wenn sie es vor sich sehen. Die beiden Tänzer traten auf einer spartanischen Bühne auf - nur Marley und Grundbeleuchtung, eine traurige Instrumentalpartitur, die sie begleitete. Sie tanzten manchmal mit einem Gefühl von schwerem Gewicht, einem Gewicht wie Marginalisierung und ungehört zu sein.
Calvin Royal III und João Menegussi in Christopher Rudds 'Touché'. Foto von Matador Inhalt.
Aufzüge und Übergangsbewegungen zwischen ihnen waren auffallend innovativ und unvergesslich. Ihre Körper verhedderten und entwirrten sich auf völlig unerwartete und völlig bisher ungesehene Weise. Rudd und die Tänzer schienen alle verfügbaren Manipulationen der physikalischen Gesetze der Erde zusammengestellt zu haben, um dies zu ermöglichen. Das Tanzen verlangsamte sich und wurde gegen Ende der Arbeit noch zarter und intimer. In den Armen des anderen schwebten und glitten sie. Alles fühlte sich durch die Kraft der Liebe möglich an.
Später kam David von Pam Tanowitz und getanzt von dem ehemaligen ABT-Direktor David Hallberg. Tanowitz 'Designentscheidungen sorgten für eine Atmosphäre mittelalterlicher Eleganz in Hallbergs Haus und in der Struktur auf dem Wasser - als er ein gestreiftes Kostüm trug, das die der alten Ritter widerspiegelte. Die Aufnahmen wechselten zwischen den beiden Orten, wobei die Beleuchtung in beiden hell und ätherisch war. In beiden gab es ein Gefühl der Andersweltlichkeit. Fußgängerbewegungen auf der Wasserstruktur und Quotidianakte in seinem Haus begründeten sie jedoch im Unauffälligen.
Es gab auch eine Meta-Qualität, als er körperlich und geistig Bewegung markierte, und wir sahen sogar Diagramme choreografischer Arbeit - alles sehr faszinierend und im Alltag verankert. Es gab Spannungen zwischen der Magie der Aufführung und der realen Existenz des Tänzers. Andersweltlichkeit zeigte sich auch in Hallberg als Beweger. Seine Linien waren lang und geschmeidig und jede Bewegung so mühelos wie das Atmen, die Bewegung auch einfach, aber resonant. Er hatte auch eine Demut und Freundlichkeit in seiner Gegenwart, die ihn als echten Menschen begründete. Diese Dynamik schwang als eine weitere Spannung der Gegensätze mit.
Die Metapher von David als David Michelangelos ikonische Skulptur war ebenfalls resonant. Hallbergs Körper war ein Gefäß für meisterhafte Kunst, der Ton, in den Tanowitz Leben eingehaucht hat, aber im Film sahen wir Hallberg auch als vollständig menschlich. Irgendwann sah sich Hallberg ein Foto von an David in einem Kaffeetischbuch die Metapher auf kurz vor explizit verschieben. Als die Arbeit endete, tauchten im Hinterkopf philosophische und praktische Fragen zu Tanzkunst, Tänzern und einem Leben im Tanz auf, aber mein Geist freute sich auch einfach über die angebotene Kunst.
Amy Carter heute
Betsy McBride und Jacob Clerico in Darrell Grand Moultries 'Indestructible Light'. Foto von der tanzenden Kamera.
Darrell Grand Moultries Unzerstörbares Licht beendete die Nacht der Premieren mit einem freudigen, lebendigen Knall. Jazzmusik und Jazz-Tanzbeugungen erzeugten eine freudige Atmosphäre, in der es sich unmöglich anfühlte, nicht zu lächeln und Ihren Körper ein wenig zu bewegen, während Sie ihn beobachteten. Ein lebhafter Gruppenabschnitt begann die Arbeit. Eine Kreisformation baute ein Gefühl der Kontinuität und Gemeinschaft auf, sich gemeinsam vorwärts zu bewegen. Das bewegte sich zu einer Linie, die an etwas Präsentativeres und Selbstbewussteres erinnerte. Jazz-Tanzqualitäten, die in die klassische Balletttechnik einmassiert wurden, wie das Rollen der Hüften, während sich die Füße zwischen Arabesken und Pirouetten auf einer Halbspitze bewegten, waren ein unglaublich erfreulicher Effekt - sowohl visuell als auch energetisch.
Batsheva-Tanz
In der heutigen Zeit war es auch einfach erstaunlich, Tänzer auf einer Bühne zu sehen, die fachmännisch beleuchtet und in ihren Formationen verteilt waren. Die Kostüme in dunklen Farben und gewagten, aber glatten Schnitten hatten das Gefühl einer modernisierten Speakeasy-Qualität der 1920er Jahre - Chicago aber ohne den absichtlichen Überfall. Die Kameraführung war genauso lustig, kreativ und technisch einwandfrei wie das Tanzen. Der Abschnitt endete damit, dass die Tänzer in die Flügel kamen und aus ihnen herauswedelten und winkten, während sie sich bewegten. Eine Berührung, die mich daran erinnerte, dass wir nie zu alt sind, um spielerisch zu sein.
Der folgende Abschnitt von vier Tänzern war schwüler. Es dauerte eine Minute, bis mir klar wurde, dass sie sich hinter der Bühne vor einer langen und hohen dunkelgrünen Wand befanden. Die Bewegung spielte die zweidimensionale Qualität der Wand recht gut aus. Sie blickten direkt nach vorne oder zur Seite, während sie Hüften rollten, Stacheln wogten und zusammen posierten. Dieser Abschnitt wurde zarter und langsamer, beginnend mit einem Solo und endend mit einem Duett. Die Musik und Bewegung waren langsamer und nachdenklicher in der Qualität, aber die Bewegung war nicht weniger dynamisch und einprägsam.
Insgesamt fühlte sich die emotionale Bandbreite des Stücks wahr, ehrlich und ästhetisch befriedigend an. Die Besetzung endete, um den Abschnitt zu beenden, genauso freudig und energisch, wie sie das Stück begonnen hatten. Ihr Licht war in der Tat unzerstörbar! Darüber hinaus stellte Moultrie das Stück mit der Ermutigung vor, gemeinsam auf Veränderungen hinzuarbeiten. Seine Arbeit bestätigte die Wahrheit, dass dies nicht nur möglich ist, sondern auch sehr erfreulich sein kann Spaß für uns das zu tun. Die Nacht der Premieren spiegelte diese Wahrheit wider und machte deutlich, dass wir gemeinsam mit Nachdenklichkeit und Engagement gemeinsam vorankommen können - und es kann eine großartige Zeit sein!
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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