Heather Bryce (rechts) führt Regie. Foto von Art Heffron. Vielseitigkeit .Es ist ein Modewort in der Tanzwelt geworden. Es heißt, je mehr ein Tänzer tun kann, desto wahrscheinlicher ist es, dass er / sie konsequent arbeitet - und manchmal sogar für einen bestimmten Auftritt, eine bestimmte Show oder eine bestimmte Kompanie engagiert wird (insbesondere, wenn für die Arbeit viele verschiedene Tanzstile beherrscht werden müssen). oder die Fähigkeit, schnell neue Stile zu erlernen).
Heather Bryce (rechts) leitet Tänzerinnen. Foto von Art Heffron.
Diese Art von Anforderungen gehen manchmal über den Tanz hinaus, wenn ein Tänzer singen, tanzen, ein Instrument spielen, sogar einen Basketball mit ausgefallenen Tricks jonglieren oder dribbeln kann. Er / sie hat eine bessere Chance, konsequent Arbeit zu bekommen. Tänzer haben jedoch nur so viel Zeit, Energie und Geld, um verschiedene Arten von Training aufrechtzuerhalten. Die Verteilung von Ressourcen auf viele verschiedene Arten von Schulungen kann auch zu Fähigkeiten in vielen verschiedenen Bereichen beitragen, aber möglicherweise nicht zu Spitzenleistungen oder Beherrschung in irgendeinem Bereich.
Jen Passios, dAncer und Verwaltungsassistent / Schauspielstipendiat für das Boston Dance Theatre, sagt, dass “der Drucke 'vielseitig' zu sein kann falsch interpretiert werden, um anzuzeigen, dass ein Mover schwimmen und Pilates und Gymnastik sowie visuelle Kunst und Choreografie und Reiten machen sollte, wenn in Wirklichkeit all diese Dinge nur Tänzer verbrennen und ihnen helfen, zu sein Okay, bei einer Reihe widersprüchlicher physischer Ideen, die - außerhalb des Kontexts - ihnen nicht wirklich dienen. “
Heather Bryce, künstlerische Leiterin und Gründerin der Bryce Dance Company, komplizierte auch die Idee der „Vielseitigkeit“, indem sie betonte, dass es nicht unbedingt die Tänzer sind, die einen bestimmten Stil beherrschen, die das Publikum wirklich fesseln, sondern diejenigen, die sich mit Klarheit und Klarheit emoten und ausdrücken Ehrlichkeit. Wie sieht das Gleichgewicht aus? Und wie gewinnen Tänzer die richtige stilistische Vielfalt für sie? Lassen Sie uns mit vier Hauptempfehlungen eintauchen!
# 1. Nehmen Sie neue Klassen mit neuen Lehrern im gleichen oder ähnlichen Stil.
Jen Passios. Foto von Celso Enrique.
Das Erlernen verschiedener Choreografien allein kann unsere Vielseitigkeit erweitern. 'Es ist alles mentales Training', erklärt Passios. „Wenn wir technisch in neuen Formen trainieren, ermöglicht unser Gehirn unserem Körper, die Anfänge neuer Wege zu erkennen. Wenn wir das genug tun und in die Arbeit eines neuen Choreografen einsteigen müssen, können wir uns an die Erfahrung des neuen Lernens erinnern und eher einen Ort des Fokus als einen Ort der Panik finden. “
Es ist anzunehmen, dass der Aufbau neuronaler Bahnen innerhalb derselben oder ähnlicher Stile - zum Beispiel Rhythmus- und Broadway-Tap oder klassische Ballettvariationen und zeitgenössisches Ballett - reibungsloser und eleganter erfolgen kann, wenn es Abwechslung und Herausforderung gibt, aber auch Ähnlichkeiten und Gemeinsamkeiten auf die du bauen kannst. Natürlich hat die Ausbildung in Tap und Jazz sowie Zeitgenössisch und Ballett wunderbare Vorteile, aber wenn Sie in einem von ihnen so weit wie möglich gehen, müssen Sie in allem trainieren, was der jeweilige Stil zu bieten hat.
Ein wichtiger Weg, dies zu tun, besteht darin, mit einer Vielzahl von Lehrern und hin und wieder mit einem völlig neuen Lehrer zu lernen. Ihre Bewegungseigenschaften, ihre Art zu unterrichten und andere einzigartige Variablen können den Aufbau mentaler Fähigkeiten aktivieren, die zum Erlernen neuer Arten von Bewegung erforderlich sind. Bryce definiert dies eher als 'Anpassungsfähigkeit' als als 'Vielseitigkeit'. 'Es gibt so viele talentierte Tänzer da draußen', sagt sie. 'Ich bin immer begeistert davon, wie viele zum Vorsprechen erscheinen. Diejenigen, die mir wirklich auffallen, sind diejenigen, die diese Fähigkeiten der Anpassungsfähigkeit zeigen und die gelehrte Bewegung zu ihrer eigenen machen. “
Heather Bryce.
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# 2. Trainieren Sie mit denselben Lehrern in einem typischen Trainingsprogramm, aber suchen Sie weiter nach Entdeckungsnuggets.
Ironischerweise kann die Nichtanpassung dazu führen, dass eine Fähigkeit gestärkt wird, die Ihnen bei der Anpassung helfen kann - das Erkennen und anschließende Erforschen von Nuancen. Wenn Sie über einen längeren Zeitraum mit demselben Lehrer Unterricht nehmen, lernen Sie die subtilen (oder manchmal nicht so subtilen) Eigenschaften kennen, die ihre Bewegung ausmachen ihre Bewegung . Sie werden lernen, wie Sie es auf eine Weise in Ihren Körper aufnehmen können, die für ihn funktioniert, aber auch die Vision und kreative Stimme des Lehrers oder Choreografen würdigt.
Bryce nennt diese „Übersetzung“ - eine Fähigkeit, die sie neben der Anpassungsfähigkeit beim Vorsprechen von Tänzern sucht. Wenn Sie in Bewegung vorsprechen, die Ihnen nicht so vertraut ist, auch wenn Sie nicht jede Zählung, jeden Arm oder jede Drehung in einem Vorsprechen erfassen, bieten Sie etwas, das wohl tiefer und bedeutungsvoller ist - diese besonderen Nuggets von Herz und Geist, die wirklich Halten Sie das Publikum in seinen Bann. Sie werden auch eher bereit sein, dies auf der Bühne anzubieten, wenn es soweit ist!
Wenn Sie ein Trainingsprogramm einhalten, können Sie immer wieder zu einem, zwei, drei oder mehr (was auch immer für Sie möglich ist) Lehrern zurückkehren und all das oben Genannte ermöglichen. Ihre Routine kann Sie auch dazu bringen, wer Sie als Techniker sind, solange sie Sie nicht in einen psychologischen Raum versetzt, in dem Sie es als störend empfinden, wenn Sie ausbrechen müssen (z. B. in den Ferien oder in anderen Pausen) und Künstler. „Wir trainieren uns, ins Studio zu kommen, pünktlich zu kommen, Nuancen in unserem eigenen Körper zu finden und uns darauf einzustellen“, beschreibt Passios. Aus der Routine kann eine selbstbewusste Grundlage entstehen, die es uns ermöglicht, mutig auf das zu stoßen, was für uns neu ist.
Jen Passios. Foto durch Liza Voll.
Cross-Training kann ein wichtiger Teil dieser Routine sein, abgesehen davon, dass es Ihnen hilft, Flexibilität und Kraft aufzubauen und aufrechtzuerhalten, und es kann Ihnen neue und überzeugende Dinge über Ihren Körper beibringen. Zum Beispiel kann Yoga Sie in die Koordination von Atem und Bewegung einbeziehen, während Pilates Ihnen helfen kann, eine klarere Verbindung zu Ihren tiefen Kernmuskeln herzustellen.
#3. Entwickeln Sie Ihr kritisches Tanzauge.
Nehmen Sie sich während der Probe Zeit, um zu beobachten, welche Aromen andere Tänzer auf die Bewegung anwenden - wenn andere „über den Boden“ gehen oder wenn die Klasse für „Combos“ aufgeteilt wird. Vielleicht führt dies dazu, dass Sie dem Lehrer eine aussagekräftige Frage stellen, und die Antwort kann Ihnen helfen, sich weiter mit der Bewegung vertraut zu machen.
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Eine andere Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, die von Ihnen angezeigten Tanzvorführungen kritisch zu betrachten. Vielleicht sind sie in einem Stil, mit dem Sie nicht so vertraut sind, was Ihr Bewusstsein für die Tanzformen erweitern kann, die es gibt. Vielleicht haben sie einen Stil, den Sie haben sind vertraut sind und Sie sind an einem besseren Ort, um eine konstruktiv kritische Sichtweise einzubringen. Beides ist vorteilhaft!
Beachten Sie, was die Bewegung von der Arbeit anderer Choreografen unterscheidet. Beobachten Sie, was jeder Tänzer auf einzigartige Weise dazu bringt. Versuchen Sie, mit einem Freund zu gehen, und Sie können sich danach darüber unterhalten, was Sie gesehen haben, was bei Ihnen Anklang gefunden hat und was nicht. Fordern Sie sich heraus, nicht nur zu sagen, dass etwas gut oder schlecht ist, sondern zu artikulieren, warum etwas - für Sie - funktioniert hat oder nicht. Dies alles ist Teil dessen, was Ihnen hilft, als Künstler zu wachsen, insbesondere Ihre Anpassungsfähigkeit und Vielseitigkeit!
Heather Bryce mit Tänzern. Foto von Arthur Fink Fotografie.
# 4. Umfassen Sie, wer Sie sind, mit allem, was Sie zu bieten haben, und lassen Sie den Perfektionismus los. Nutzen Sie stattdessen Ihre Stärken.
Als praktischer erster Schritt, um zu verstehen, wer Sie sind, schlägt Bryce vor, „herauszufinden, wer Sie als Tänzer sein wollen“. Das wird Ihnen helfen, die Arbeit zu erledigen, die erforderlich ist, um „die Fähigkeiten aufzubauen, die Sie dorthin bringen“, erklärt sie. Wenn das bedeutet, dass Sie Unterricht in einer Form nehmen, die Sie noch nie getanzt haben, oder von einem herausfordernden Lehrer in einer Form, die Sie erfahrener sind, tun Sie alles, was Sie können, und lassen Sie den Rest vorerst so sein, wie er ist - bis Sie die haben Chance, es erneut zu versuchen. Machen Sie alles, was Sie können, aus dem, was Sie tun können - eine anmutig kontrollierte Schlacht, ein punktgenaues Timing oder einfach nur den absolut größten Spaß, den Sie beim Tanzen haben können. Lassen Sie sich von diesem Vertrauen und dieser Freude verkaufen.
Bryce erzählt, wie sie sich in einem afrikanischen Tanzkurs am College etwas außerhalb ihrer Komfortzone gefühlt hat. Sie konnte mit den weisen Worten ihres Lehrers leichter atmen: 'Finde deine kleinen Gewinne', sagte der Lehrer. Bryce fügt hinzu, wie sie als Tanzlehrerin Schüler aller Altersgruppen und Fähigkeiten sieht, die Mauern der Angst und Entmutigung aufstellen. Stattdessen rät sie: „Öffne deinen Geist für die Möglichkeit, dass du eine neue Form oder einen neuen Stil tanzen kannst“, etwas, das vielleicht nicht in deiner Erfahrung oder Komfortzone liegt. Jetzt geh tanzen!
Von Kathryn Boland von Tanz informiert.
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